Atlas (2024)

https://www.imdb.com/title/tt14856980/

Die brillante Datenanalystin Atlas Shepherd (Jennifer Lopez) ist eine Misanthropin. Doch nicht nur Menschen, sondern auch Künstlicher Intelligenz misstraut sie völlig. Seit Jahren macht sie schließlich Jagd auf die KI Harlan (Simu Liu), die einst beinahe die ganze Menschheit ausgelöscht hat. Als sie sich auf eine Mission begibt, um den rebellischen Roboter zu fangen, endet diese im Fiasko und Atlas strandet auf einem fremden und lebensfeindlichen Planeten. Um dort zu überleben, bleibt Atlas nichts anderes übrig, als ausgerechnet einer KI zu vertrauen. Denn nur gemeinsam mit der KI Smith kann sie dem gefährlichen Ort entfliehen. Dabei steht mehr als ihr Leben auf dem Spiel. Es geht um die Zukunft der Menschheit. Denn Harlan macht sich daran, seinen Plan von einst nun endgültig zu Ende zu bringen, und alles menschliche Leben auszulöschen...

Während George Millers bombastisches "Mad Max"-Prequel "Furiosa" die Zuschauer vor die große Leinwand drängt, hat Netflix etwas für die Mensche, die lieber zu Hause bleiben im Angebot: das Science-Fiction-Abenteuer "Atlas" mit Jennifer Lopez in der Hauptrolle, und es ist genau die Art des großen, dummen, ironiefreien B-Movies, der im Kino vor etwas zwei Jahrzehnten Premiere gefeirt hätte. Und das ist vielleicht auch die beste Art, diesen Film so zu sehen: als wissender Nostalgie-Köder, der diejenigen ansprechen soll, die lieber zurück als nach vorne blicken, ein Art Eintauchen in die frühen 2000er-Jahre. Wenn nur die Beteiligten von "Atlas" es so sehen würden, dann gäbe es vielleicht auch mehr Spaß an diesem Film. Aber wie bei vielen anderen Filmen des Streamingdienstanbieters - seinen eher blassen Versuchen, mit den großen Jungs zu konkurrieren - ist alles zu synthetisch und ernst, um auch nur annähernd Selbstbewusstsein zu besitzen.

Für die Hauptdarstellerin Jennifer Lopez, die eigentlich eine Schauspielerin, ist, mit der man immer etwas anfangen konnte. Doch ihre Erfolge werden spärlicher, ihr Leistung rarer. Mit diesem Film begibt sie sich auf der Action-Spur, dieses Mal mit einem zusätzlichen Science-Fiction-Anteil, etwas Neues für den Star, aber dennoch etwas, das sich wie eine etwas unangenehme Diskrepanz anfühlt. Als nervöser, menschenfeindlicher Datenanalyst Atlas Shepherd kommt sich Lopez wie eine seltsame Wahl vor, die den Zuschauer als jemand, die ihre Tage damit verbringt, Kaffee in einem Tech-Silo in sich zu schütten, der Welt den den Rücken zugewandt hat und deren Frisur und Make-up immer tadellos ist, nie ganz überzeugen kann. Ihre Argumentation ist zumindest verständlich, da sie als Kind zusammen mit einem Roboter namens Harlan (Simu Liu, der Vollgas gibt) aufwuchs, der dann zum ersten "KI-Terroristen" der Welt wurde und einen tödlichen Krieg zwischen Mensch und Maschine auslöste, bevor er auf einen anderen Planeten flüchtete. Fast drei Jahrzehnte später wird eine Mission gestartet, um ihn zu fangen (angeführt von einem ziemlich gelangweilten Mark Strong und Sterling K. Brown), mit Atlas als Begleiterin. Natürlich geht alles schief und sie ist gezwungen, die Actionheldin zu spielen und sich mit genau der künstlichen Intelligenz zusammenzutun, die sie mittlerweile verachtet.

Ab dem Zeitpunkt des Films sitzt Lopez dann in einem Roboter-Mech-Anzug, lernt zu kämpfen und freundet sich mit einem Wesen namens Smith an, wobei er herausfindet, dass KI vielleicht doch gar nicht so schlecht ist. Dann hängt so viel von Lopez‘ Gesicht ab, das (dank einiger minderwertiger VFX-Arbeit) ein wenig unheimlich um einen Greenscreen wackelt und mit einigen abscheulich kitschigen Dialogen verklebt ist, dass die Rolle ihre schlimmsten, seifigsten Instinkte zum Vorschein bringt. Besonders peinlich schrecklich sind die Szenen, in denen sie sich mit Smith verbindet, da das Drehbuch von Aron Eli Coleite und Leo Sardarian immer wieder versucht, Humor in augenrollenden Scherze zu verwandeln. Das fühlt sich eher wie eine ChatGPT-Konstruktion an und nicht so, wie es der Geschichte zugute kommen könnte. Angesichts der allgegenwärtigen Gefahr, dass KI Arbeitsplätze vernichtet und die Kreativität untergräbt, fühlt sich eine Geschichte darüber, wie wichtig es ist, den technischen Widerstand abzubauen und Maschinen als unsere neuen besten Freundinnen zu akzeptieren, nicht so bewegend an, wie der Film dem Zuschauer im Moment vermitteln möchte.

Visuell versteht der Zuschauer dennoch sehr oft, wohin das angebliche Budget von 100 Millionen US-Dollar geflossen ist (es ist Netflix' bisher größter/teuerster Film mit weiblicher Hauptrolle), mit einigen großartigen, wenn auch abgehackten Actionsequenzen - aber häufiger erweist es sich als weitaus schwieriger, mit einer einfallslosen Vision von die Zukunft, die sowohl auf der Erde als auch im Weltraum wirklich schrecklich hässlich aussehen kann, wobei ein Großteil des Films einem blechernen alten Videospiel ähnelt. Es gibt einfach nichts von der Ehrfurcht, die man von einem Film wie diesem empfinden sollte, Regisseur Brad Peyton (hinter ähnlichen Wegwerfproduktenn von Dwayne Johnson, "Rampage" und "San Andreas"), schafft es nie, seinen Film davon abzubringen, nur eine weitere Streaming-Simulation eines echten Blockbusters zu sein. Für einen Film, der den Zuschauer dazu bringen soll, sich keine Sorgen mehr zu machen und die große Technologie zu lieben, gelingt es "Atlas" wiederum sehr gut, zu zeigen, warum man trotzdem auf der Hut sein sollte.

5,5/10

Quellen: 
Inhaltsangabe: Netflix
Poster/Artwork: Netflix

Furiosa: A Mad Max Saga (2024)

https://www.imdb.com/title/tt12037194/

In der nahen Zukunft ist die Welt eine Wüsten-Ödnis, in welcher Rohstoffe wie Benzin, Wasser und Nahrung selten sind. Die junge Furiosa (erst Alyla Browne , später Anya Taylor-Joy) wächst aber im Grünen Land, einem Paradies, auf. Als sie von dort entführt wird, fällt sie in die Hände einer großen Bikerhorde unter der Führung des Warlords Dementus (Chris Hemsworth). Bei ihrem Streifzug durch das Ödland stoßt der auf die Zitadelle, die von Immortan Joe (Lachy Hulme) regiert wird. Als ein Versuch, sich dessen Besitz unter den Nagel zu reißen, scheitert, muss Dementus seine Gefangene an den mächtigeren Joe abgeben, wo Furiosa nun aufwächst. Doch während die beiden Tyrannen auch in Zukunft um die Vorherrschaft kämpfen werden, plant die junge Frau ihre Flucht und Rückkehr nach Hause. Doch sie hat noch ein weiteres Ziel: Rache an Dementus, der ihre Mutter auf dem Gewissen hat...

Dystopie sah selten so düster aus und fühlte sich so noch seltener so berauschend an wie in George Millers "Mad Max"-Zyklus. Seit Jahrzehnten begeistert Miller die Zuschauer mit halluzinatorischen Bildern einer verwüsteten, gewalttätigen Welt, die der unseren so ähnlich sieht, dass sie Schauer des Wiedererkennens auslöst. Doch so vertraut sein alternatives Universum auch sein mag - sein Filmemachen erzeugt ein so starkes Kontakt-High, dass es immer leicht war, sich einfach an dem bloßen Spektakel des Ganzen zu erfreuen. Apokalypse? Cool! 

Und so liegt es auf der Hand, dass Miller dem spektakulärsten Actionfilm des 21. Jahrhunderts keine Fortsetzung folgte, die dort weitermacht, wo "Mad Max: Fury Road" aufgehört hat (obwohl jeder wohl hofft, dass er eines Tages eine davon macht), sondern sondern vielmehr mit einem Prequel, das den Weg dorthin ebnet, wo es begann. Aus dem gleichen Grund liegt es auch auf der Hand, dass Miller nicht versucht hat, das orgiastische Chaos zu übertrumpfen, das sein Franchise schreiend und glänzend ins 21. Jahrhundert gebracht hat - der Typ mag verrückt sein, aber dumm ist er nicht. Er ist auch nicht bereit, sich mit sinkenden Erträgen zufrieden zu geben. Anstatt nach der unglaublich hohen Messlatte, die er sich selbst gesetzt hatte, zu greifen und diese nicht zu überwinden, hat Miller beschlossen, etwas noch Verrückteres und Lohnenderes zu tun: Er hat eine symphonische, fünfteilige, jahrzehntelange Rache-Saga geschaffen, die so gewaltig und selbstbewusst ist -besessen, dass es sich weigert, als bloße Erweiterung eines anderen Films gesehen zu werden, auch wenn es ihm gelingt, die Wirkung von "Mad Max: Fury Road" auf Schritt und Tritt zu verstärken. Millers neuester und fünfter Film im Zyklus, "Furiosa: A Mad Max Saga", ist also in erster Linie eine Ursprungsgeschichte, die das Leben und die brutalen, entmenschlichenden Zeiten der jungen Furiosa (Anya Taylor-Joy), der hartgesottenen Rig-Fahrerin, erzählt von Charlize Theron in "Mad Max: Fury Road". Und diese ist gleichzeitig die Apotheose des filmischen Genies von George Miller - es ist einer der großartigsten Filme des letzten Jahrzehnts - und eine erzählerische und tonale Abkehr von den vorherigen Filmen. In "Mad Max: Fury Road" fungiert Max immer noch als nomineller Headliner (mit Tom Hardy, der Mel Gibson ersetzt), aber das dramatische und emotionale Gewicht des Films beruht auf Furiosa, ihrer Suche und ihren Hoffnungen. "Furiosa: A Mad Max Saga" fühlt sich weniger wie eine Ouvertüre für das Fahrzeuggemetzel von "Mad Max: Fury Road" an, sondern lässt ihn rückwirkend wie eine Coda für die epische Geschichte wirken, die Miller hier erzählt. Soll es episch werden? Zur Hölle, ja!

Wie es sich für eine Origin-Story gehört, verfolgt "Furiosa" die titelgebende Heldin von ihrer Kindheit bis ins junge Erwachsenenalter, eine Abwärtsspirale, die sie von der Freiheit in die Gefangenschaft und mit der Zeit in die eingeschränkte Souveränität führt. Es beginnt damit, dass die 10-jährige Furiosa (Alyla Browne) in einem Wald in der Nähe eines paradiesischen Außenpostens namens "Green Place Of Many Mothers" auf Nahrungssuche geht. Gerade als sie nach einem metaphorisch reifen Pfirsich greift, wird ihre Idylle von einer Bande schnulziger, hygienefremder Biker unterbrochen. Schon bald rasen sie durch die Wüste, Furiosa ist angebunden auf einem ihrer Bikes, ihre Mutter (Charlee Fraser) und eine weitere Frau verfolgen sie zu Pferd - eine Verfolgungsjagd, die den darauffolgenden Kampf um Macht und Menschen ankündigt. Die Verfolgungsjagd wird exponentiell spannender, als Miller beginnt, zwischen Nahaufnahmen und weiten Totalen zu wechseln, wobei der höllische Lärm und die Energie der Entführer auf ihren Maschinen kontrapunktisch gegen die Stille der Wüste arbeiten. Während die trockene Landschaft der Szene an vergangene "Mad Max"-Abenteuer erinnert, erinnern die Hügel und das galoppierende Pferd an die klassischen Western, aus denen diese Serie einen Teil ihrer poetischen Kraft bezieht. Max wirkte oft wie ein Hollywood-Revolverheld, der mit einigen Notizen von Joseph Campbell in Millers fieberhafte Fantasie verpflanzt wurde. Doch sobald Furiosa anfängt, an der Treibstoffleitung ihres Entführers zu nagen, macht Miller klar, dass diese kleine Gefangene kein Mädchen in Not ist. Furiosas Odyssee nimmt eine bedrohliche Wendung, als sie dem Herrscher der Biker, Warlord Dementus (einem herrlich wahnsinnigem Chris Hemsworth), ausgeliefert wird, einem redseligen Showboater, der eine Schar größtenteils männlicher Nomaden beaufsichtigt. Dementus trägt einen wallenden, anfänglich noch weißen Umhang, reist in einem von Motorrädern gezogenen Streitwagen und hat einen Gelehrten an seiner Seite. Er ist eine lächerliche Figur, und Miller und Hemsworth greifen die Absurdität der Figur mit einer physischen Darstellung auf, die ebenso abwegig ist wie Dementus' Pompösität und seine (prothetische) Nase. Es ist schwer, sich nicht zu wundern, ob Miller sich für die Figur sowohl von Charlton Hestons heldenhaftem Champion als auch vom arabischen Scheich im Epos "Ben-Hur" von 1959, einer ganz anderen Wüstensaga, inspirieren ließ.

Die Kraft der "Mad Max"-Filme beruht jedenfalls zum Teil darauf, wie Miller die Arten von Geschichten auflädt, die von Familie zu Familie, von Stamm zu Stamm, von Kultur zu Kultur weitergegeben werden, die in den Köpfen der Zuschauer verankert sind und den Weg vorzeichnen, egal ob man es weiß oder nicht. Doch obwohl Miller ein moderner Mythenschöpfer ist, bleibt er mit der Welt verbunden - die Machenschaften und Flächenbrände in den Filmen spiegeln manchmal auf unangenehme Weise die eigenen wider - und es ist erwähnenswert, dass er auch ein Arzt ist. (Er war der Set-Doktor einiger "Mad Max"-Filme.) Sein Hintergrund erklärt seine Aufmerksamkeit für den menschlichen Körper, am offensichtlichsten bei der extravaganten Stuntarbeit, die zum Markenzeichen der Serie geworden ist, und seine Freude daran, das Arbeiten von Körperteilen, Maschinen und Ökosystemen zu zeigen - und wie sie funktionieren.

Furiosas eigener Körper steht im Mittelpunkt dieses Films, dessen Richtung sich ändert, als sie nach einigen Machtspielen und erzählerischer Arbeit in der Zitadelle landet, der streng bewachten Festung, vor der die Figur in "Mad Max: Fury Road" floh. Dort wird sie zusammen mit einigen jungen Frauen im Kloster zusammengetrieben, Dienerinnen, deren einzige Aufgabe darin besteht, Kinder für Immortan Joe (Lachy Hulme), den Anführer der Zitadelle, zur Welt zu bringen. Dort fällt auch Furiosa, noch ein Kind (und immer noch von Browne gespielt), einem von Immortan Joes Nachkommen ins Auge, einem riesigen Raubtier, dessen Angriffe auf sie die Geschichte in eine andere, beunruhigende Richtung lenken. Miller übertreibt diesen Abschnitt klugerweise nicht - und Furiosa weicht diesem Monster aus - aber es ist dennoch ein Schock. Dieser bleibt bestehen und verdunkelt die Geschichte jäh. Um zu überleben, entkommt Furiosa ihrem potenziellen Belästiger, indem sie ihre Identität verschleiert und sich den Reihen der Arbeiter der Zitadelle anschließt. Sie verschmilzt mit der Menge und Jahre vergehen, während die Szenen miteinander verschmelzen und eine entschlossene, sympathische Taylor-Joy in die Rolle schlüpft. Es gibt noch viel mehr: Furiosa rasiert sich den Kopf und findet in einem Fahrer einen Mentor, Prätorianer Jack (Tom Burke). Gemeinsam reisen sie und Armeen von Schergen zu Brennpunkten wie der Bullet Farm, wo Miller Sie mit seiner üblichen Pyrotechnik verblüfft, während er die Ankerpunkte der Story - Immortan Joe und Dementus eingeschlossen - in Stellung bringt.

Es dauert eine kleine Weile, bis man sich an Taylor-Joy als Furiosa gewöhnt, auch weil Charlize Theron die Figur mit einer so deutlichen Mischung aus roher Wut und tiefer Melancholie geschaffen hat. Auch Theron sah in "Mad Max: Fury Road" so aus, als könnte sie jedem den Arsch aufreißen und sie stellte Max mehr oder weniger in den Schatten, zumindest metaphorisch gesehen, indem sie zum neuen Totem der Serie wurde. Taylor-Joy verfügt (noch) nicht über die körperliche Ausdruckskraft ihrer Vorgängerin, aber wie Theron hat sie eine Ausbildung zur Balletttänzerin absolviert und bewegt sich wunderschön, mit der Art ungezwungener Anmut, die darauf hindeutet, dass sie jeder Schwierigkeit leicht entkommen kann. Taylor-Joys Furiosa sieht vielleicht körperlich zu schwach aus, um mit dem Armageddon klarzukommen, aber dieses Gefühl der Verletzlichkeit kommt der Geschichte natürlich zugute. Die Virtuosität von Millers Ansatz ist so fesselnd, dass man vielleicht gar nicht bemerkt, wie selten Furiosa tatsächlich spricht; wie Charlize Theron vorher - oder nachher? - Sie, Taylor-Joy, vermittelt allein durch das Weiße ihrer Augen so viel Stärke und Verzweiflung, dass Worte die beispiellose Reinheit ihrer Absicht nur entwerten würden. Es ist daher auch zu vermuten, dass Miller Taylor-Joy zum Teil wegen der großen, weit aufgerissenen Augen der Schauspielerin als seine neue Furiosa ausgewählt hat. Sie sind riesig; Sie sind auch faszinierend. Sie fixieren Ihren eigenen Blick und fordern die Aufmerksamkeit des Zuschauers, und zwar nie mehr, als wenn die Schauspielerin mit gesenktem Kopf aufblickt. Dieser Winkel betont das Weiß ihrer Augen, das im Grablicht der Zitadelle besonders hell leuchtet. (Jack Nicholson hat diese bedrohliche Technik in "The Shining" perfektioniert, weshalb sie "Kubrick Stare" genannt wird.) Der Effekt kann sehr destabilisierend sein und Unsicherheit über die Figur und die Art von Heldin erzeugen, die sie sein wird. Furiosas Zurückhaltung ist strategischer Natur und eine Eigenschaft, die sie mit Max Rockatansky selbst teilt, dem Vorbild ihres wortkargen Rächers. Während sich Furiosa in der Zitadelle versteckt, beschützt sie ihre Umsichtigkeit, verschärft aber auch ihre existenzielle Notlage. Sie ist allein in jeder Hinsicht, zumindest bevor sie Prätorianer Jack trifft (nicht, dass sie gesprächig wären). Sie trägt eine einsame Last und verleiht "Furiosa" im weiteren Verlauf der Geschichte und der Kämpfe eine überraschende emotionale Schwere, die diesen aufregenden, kinetischen Film furchtbar traurig machen kann.

"Furiosa" vermeidet zum Glück die gleichen Fallstricke, die dazu geführt haben, dass sich zu viele neuere Franchise-Ableger etwas weniger gleich anfühlen (zum Teil, weil es vollständig geschrieben wurde, bevor jemals ein Frame von "Fury Road" gedreht wurde), und versucht nicht, das Gegenteil zu tun. Während "Mad Max: Fury Road" von der Suche nach Hoffnung getrieben wurde, ist "Furiosa" ein großartiger Film darüber, warum man sie überhaupt braucht.

Szene für Szene ist "Furiosa" daher eine weitgehende Ergänzung zu "Mad Max: Fury Road". Jede Facette von "Furiosa" - nicht nur Rob Mackenzies makelloses Sounddesign und Tom Holkenbergs donnernde Partitur, sondern auch der minimale Dialog, der zwischen ihnen eingestreut ist - ist auf das gemeinsame Ziel ausgerichtet, eine oktanstarke Harmonie zwischen den Menschen und der Maschinerie in diesem Ödland zu schaffen, so dass das übergroße Dröhnen von Dementus' Streitwagen oder das kehlige Schnurren von "Valiant" von Prätorianer Jack ausdrucksvoller wird als alles, was diese Charaktere sonst vielleicht sagen würden. Miller ist ein so erfinderischer Filmemacher, dass man leicht vergisst, dass er weiterhin Filme über das Ende des Lebens, wie man es kennt, dreht. Es ist ein Riesenspaß, seinen Charakteren dabei zuzusehen, wie sie um Benzin, Munition, Wasser und Frauen kämpfen. "Furiosa" bezieht seine unschätzbare Leistung daraus, wie es seine Heldin dazu zwingt, Dementus' Motorradhorde 15 Jahre lang im Kreis fahren zu sehen, wobei sie sich selbst und unzählige andere tötet, in dem vergeblichen Versuch, einen Teil eines verstrahlten Ödlandes zu kontrollieren, von dem der Zuschauer bereits weiß, dass sie es nicht halten werden können. Mit jeder neuen Demütigung kommt sie der Einsicht näher, dass es besser ist, mit Hoffnung nirgendwohin zu gehen, als ohne Hoffnung. Solch ein in sich grandioses Prequel mag damit wie eine seltsame Einleitung zu einem Film wirken, der in alle Richtungen Feuer spuckt, aber keine Sorge: George Miller hat immer noch das Zeug dazu, ihn episch zu machen.

8/10

Quellen: 
Inhaltsangabe: Warner Bros.
Poster/Artwork: Warner Bros.

Breeders - Deadly Instincts - Deadly Instincts: Die Bestie aus dem All (1997)

https://www.imdb.com/title/tt0162211/

Seitdem vor kurzem ein Meteorit in der Nähe des Colleges eingeschlagen ist, verunsichern rätselhafte Morde an jungen College-Schülerinnen die Menschen in dem kleinen Ort. Lehrer Ashley versucht der Sache auf den Grund zu gehen und macht eine grausige Entdeckung: Ein bestialisches Alien, das junge Frauen für die Fortpflanzung seiner Rasse sucht, hat die Mädchen getötet. Doch die Polizei glaubt Ashley nicht, sondern verdächtigt sogar ihn der Bluttaten. Zusammen mit der Schülerin Louise muss nun Ashley nicht nur seine Unschuld beweisen, sondern auch das Alien stoppen, bevor es noch mehr junge Frauen tötet.

"Breeders", aka "Deadly Instincts", ist ein Horrorfilm, der schamlos Monster, barbusige College-Mädchen und Monster, die barbusige College-Mädchen belästigen, abliefert, ohne sich auch nur eine Nanosekunde ernst zu nehmen - oder gar dafür zu schämen. Hier geht es um ein außerirdisches Monster, dem Breeder, das in einer Labyrinthkatakombe unter einem Mädcheninternat wohnt und Fragmente seines leuchtenden Meteoriten als Köder verwendet, um sich mit College-Mädchen zu paaren. Die Meteoritenbrocken sehen sehr attraktiv aus und so verwandelt eine Schar heißer College-Girls die Scherben in einen klassischen Fall rücksichtsloser Hybris in Halsketten. Den Mädchen ist natürlich nicht klar, dass sie durch ihre spacigen Halsketten unter die telepathische Kontrolle des Breeders geraten, der sie (einen nach dem anderen im Verlauf von etwa 50 wirklich langsamen Minuten) in riesige (dusselig aussehende) Kokons einspinnt, damit er sie schwängern kann. Die Krönung ist dann, dass ein an Unterhöschen-schnüffelnder Professor, der trotzdem aussieht wie ein Model, irgendwie dieser lächerlichen Verschwörung auf die Spur kommt, und in die Tunnel unter der Schule hinab steigt, um den Breeder aufzuhalten und die Girls zu retten. Natürlich mit Hintergedanken. Hilfe. Reicht.

3/10

Quellen: 
Inhaltsangabe: Tiberius Film
Poster/Artwork: Tiberius Film

God Is A Bullet (2023)

https://www.imdb.com/title/tt14270702/

Polizist Bob Hightower (Nikolaj Coster-Waldau) kommt zum Haus seiner Ex-Frau, wo er die gemeinsame Tochter Gabi (Chloe Guy) abholen möchte. Als niemand die Tür öffnet und die zwei auch per Telefon nicht zu erreichen sind, verschafft er sich Zutritt. Im Inneren des Gebäudes erwartet ihn ein Bild des Schreckens: Die Mutter seines Kindes und ihr neuer Ehemann wurden brutal ermordet, während das Mädchen offenbar entführt wurde. Als Bob mit ansehen muss, wie seine Kollegen bei den Ermittlungen komplett versagen, beginnt er der Sache auf eigene Faust nachzugehen. Die Spur führt ihn zu einer jungen Frau namens Case (Maika Monroe), die von einem satanistischen Kult berichtet, der einst auch sie in seiner Gewalt hatte. Zwar gelang ihr irgendwann die Flucht, doch die traumatischen Erlebnisse haben sie nicht nur körperlich, sondern vor allem auch mental schwer gezeichnet. Dennoch erklärt sich Case bereit, Bob bei der Suche nach Gabi zu helfen und dabei Cyrus (Karl Glusman), dem ebenso charismatischen wie gewalttätigen Anführer der Gruppe, noch einmal gegenüberzutreten...

"God Is A Bullet", eine raffinierte Adaption von Nick Cassavetes des Debütromans des US-Autor Boston Teran aus dem Jahr 1999, behält sicherlich die Mischung aus grellem Vorfall und pompöser Anmaßung des Buches bei - wenn auch ohne die Intensität, die diese weit hergeholte Geschichte glaubwürdig gemacht hätte, oder den atmosphärischen Stil, der sie zu einem fieberhaften Albtraum hätte machen können stattdessen la David Lynch. Diese 156 Minuten, in denen der Polizist Nicolaj Coster-Waldau und die entflohene Gefangene Maika Monroe dem Kult der teufelsanbetenden Drecksäcke nachgehen, die seine Tochter entführt haben, sind nicht gerade langweilig. Dennoch wäre an der ein oder anderen Stelle eine Kürzung sinnvoll gewesen, um dem ganzen Vehikel noch mehr Fahrt zu geben. 

Die Charaktere sind Karikaturen des Bösen, dass sie den Retro-Selbstjustiz- und Ausbeutungsfilmen wie den "Death Wish"-Filmen, oder dem kultigen, aber etwas schäbigen Brian-Bosworth-Vehikel "Stone Cold" von 1991 entsprungen zu sein scheinen. Unglücklicherweise scheint "God Is A Bullet“ zu glauben, dass es über dem Bereich des billigen Nervenkitzels schwebt, auch wenn die Blutspur so weit ausdehnt, dass man nicht glauben kann, dass nicht jeder Polizeibeamte im gesamten Südwesten die Verfolgung aufnimmt. Der Zuschauer weiß das, weil Bob, der sein Revier als "eine kleine christliche Gemeinschaft" beschreibt, ständig über Glauben und Gott spricht. Dem wird normalerweise dadurch entgegengewirkt, dass Case, die ständig kleinlaut ist, irgendein nihilistisches Klischee fallen lässt und ihr großer philosophischer Moment mit der titelgebenden Einsicht verbunden ist. Während Regisseur Cassavetes die Dinge technisch und klanglich ganz gut zusammenhält, gibt es hier im Kern eine seltsame Diskrepanz: Er hat einen Film gemacht, der immer wieder religiöse Werte beschwört, während er sich gleichzeitig in grundlosen Schimpfereien suhlt - insbesondere Gewalt gegen Frauen, wenn auch impliziert sexuell Übergriffe größtenteils außerhalb des Bildschirms stattfinden.

Das Gemetzel ist grenzwertig absurd, doch die häufige verbale Kirchlichkeit verleiht diesem Übermaß ein reaktionäres Übel. Zu ihren Reihen gehört auch ein Crossdressing-Homosexueller (Garrett Wareing), während sich die Verabscheuungswürdigen hier wie eine paranoide QAnon-Fantasie vom "kranken Unterleib" der Gesellschaft anfühlen. Vor nicht allzu langer Zeit hätte man durchaus annehmen können, dass dies als überhitzter Unsinn belächelt würde, aber jetzt wirkt es etwas rücksichtslos. Die Atmosphäre der "alternativen Wahrheit" wird durch die prominente Aussage "Basierend auf einer wahren Geschichte" unterstrichen - auch wenn der Abspann auch einen verdammt langen Haftungsausschluss enthält, der jede Ähnlichkeit mit tatsächlichen Ereignissen, Personen, Orten oder irgendetwas anderem in der realen Welt strikt ablehnt. Den Protagonisten wird auch nicht genug Tiefe gegeben, um überzeugende Charaktere zu erschaffen, obwohl die Schauspieler es versuchen. Zu viele Nebencharaktere sind schrill und eintönig und werden nicht dazu ermutigt, sich zu zügeln, wobei Tucker in dieser Hinsicht besonders gnadenlos ist. Die Teilnahme von January Jones ist noch rätselhafter als die von Foxx: Als Johanssons hinterlistige Frau ist sie auf eine zänkische Rolle und einen zickigen Dialog angewiesen, der vielleicht besser zum Schauspielspektrum von Edy Williams oder vielleicht Joan Collins gepasst hätte.

Auch wenn seine bisherigen Einsätze hinter der Kamera thematisch sehr breitgefächert waren, deutet die angespannte Atmosphäre der meisten Outré-Inhalte von "God Is A Bullet" darauf hin, dass Cassavetes nicht ganz auf der wilden Seite zu Hause ist. Nichtsdestotrotz ist der Film gut genug gemacht, um die Aufmerksamkeit auf sich zu ziehen. Kenji Katoris Breitbild-Kinematographie ist ein bedeutender Pluspunkt. Neben anderen soliden Designbeiträgen gibt es in der Auswahl der Musikbetreuerin Dina Noir einige gute (wenn auch ablenkende) Entscheidungen. Über ihre gemeinsame Präsenz hier hinaus haben David Bowie, Jane’s Addiction, Bob Dylan, Funkadelic, Mozart, Dead Boys und Henry Purcell jedoch nur eines gemeinsam: Sie alle verdienen etwas Besseres, als den Soundtrack für eine so humorlos-krasse Fiktion herzugeben.

6,5/10

Quellen: 
Inhaltsangabe: Capelight
Poster/Artwork: Capelight

Tirailleurs - Father And Soldier - Mein Sohn, der Soldat (2022)

https://www.imdb.com/title/tt14860210/

Im Jahr 1917 hat der Erste Weltkrieg Europa noch fest im Griff. Um den Truppennachschub weiterhin gewährleisten zu können, sucht Frankreich auch unter den Männern der damaligen afrikanischen Kolonien. Im Senegal trifft es den erst 17 Jahre alten Thierno (Alassane Diong), der von den Streitkräften der Kolonialmacht zwangsrekrutiert wird. Thiernos Vater Bakary (Omar Sy) will seinen Sohn auf keinen Fall alleine ziehen lassen und meldet sich deshalb freiwillig zum Dienst an der Waffe in der französischen Armee. Doch auf die Erfahrungen an der Front kann die beiden nichts und niemand vorbereiten. Der Leutnant Chambreau (Jonas Bloquet) weiß das bei dem noch jungen Thierno auszunutzen und zieht ihn immer mehr auf seine Seite. Das treibt zunehmend einen Keil zwischen Vater und Sohn und schon bald ist es nicht nur die Front, wo gekämpft wird: Thierno lehnt sich immer stärker gegen seinen Vater auf, der ihn eigentlich nur beschützen will.

Das Thema Kindersoldaten ist schwierig. Mit "Beasts Of No Nation" oder "Escape From Mogadishu" kommen einem sofort zwei Filme in den Sinn und der französische Regisseur Mathieu Vadepied wagt sich in seinem neuesten Drama über die übersehenen Kriegsbeiträge der afrikanischen Truppen Frankreichs auch an dieses Thema heran. Der Film handelt vom senegalesischen Korps, und das Genra scheint so weit etabliert zu sein, dass in der Gestalt von Omar Sy ein echter Superstar dieser Tradition an der Spitze steht. Bei seiner Veröffentlichung in Frankreich wurde Sy in der Presse zum Schweigen gebracht, weil er andeutete, der Westen schenke Konflikten in der Nähe seiner Heimat, wie dem Krieg in der Ukraine, unverhältnismäßig viel Aufmerksamkeit, statt Konflikten im globalen Süden. Dieser schüchterne und wirkungslos dramatisierte Film hätte durchaus etwas von dieser Schärfe gebrauchen können.

Sy spielt Bakary, einen Fula-Hirten, der während des Ersten Weltkriegs zusammen mit seinem Sohn Thierno (Alassane Diong) in die militärischen Reihen Frankreichs rekrutiert wird. Aus Angst um sein Kind macht er sich schnell auf die Suche nach einem Ausweg und versucht, ihm einen Job im Schlamassel sicher abseits der Front zu verschaffen. Doch Thierno vereitelt den Plan, indem er sich die Gunst von Leutnant Chambreau (Jonas Bloquet) verschafft, der ihn befördert. Obwohl er atypisch nichtrassistisch und egalitär ist, ist Chambreau dennoch immer noch zu misstrauen, weil er sich selbstmörderisch darauf konzentriert, einen nahegelegenen Hügel zu erobern, um seinen Generalvater zu beeindrucken. Vadepied, zuvor Art Director bei Sys Erfolgshit "Intouchables", lässt sich natürlich die obligatorische Grabenstürmende Hauptszene nicht nehmen - aber die Erzählung hier hat eine verhängnisvolle Zögerlichkeit, und es gibt kaum eine Vorstellung davon, wer - abgesehen davon, dass sie Vater und Sohn sind - Bakary und Thierno als Individuen sind und wie sie sich über ihre erzwungene Tortur fühlen. Es fühlt sich auch geografisch vage an, mit einem nordafrikanischen Fennec-Fuchs, der unerklärlicherweise an einem Punkt auf dem angeblichen französischen Festland präsent ist, während der normalerweise unbändige Sy in einer seltsam abgelenkten Schwebe gestrandet ist. Der eigensinnige Diong, der von der Armee die Erlaubnis erhalten hat, sich der Autorität seines Vaters zu widersetzen, macht die Szene aber besser. 

Noch seltsamer ist, dass die Empörung über die koloniale Ausbeutung im größten Teil des Films nur kurz und gedämpft zum Ausdruck kommt. Als Vadepied schließlich die Frage anspricht, warum die Opfer schwarzer Soldaten für La Patrie verschleiert wurden, geschieht dies auf eine seitwärts gerichtete und fast respektvolle Weise, die nicht mit der sehr ernsthaften Infragestellung des kolonialen Erbes Frankreichs in der realen Welt übereinstimmt. Das fühlt sich wie eine verpasste Chance an.

5,5/10

Quellen: 
Inhaltsangabe: Weltkino
Poster/Artwork: Unité/Korokoro/Sy Possible Africa

Land Of Bad (2024)

https://www.imdb.com/title/tt19864802/

Als ein Delta Force-Team im feindlichen Gebiet in einen Hinterhalt gerät, weigert sich der junge Offizier Kinney (Liam Hemsworth), sie im Stich zu lassen. Ihre einzige Hoffnung ist der Air Force-Drohnenpilot Reaper (Russell Crowe), der in einem brutalen 48-Stunden-Kampf ums Überleben die Augen am Himmel hat...

Es scheint als befände sich Russell Crowe in einer Phase seiner Schauspielkarriere, in der er einmal alles durchprobiert. Und tatsächlich geht es ihm damit besser als so manchem Kollegen oder mancher Kollegin. Seine aktuelle Rollenwahl ist etwas locker, ohne die inszenierte Strategie eines hungrigen Stars, der die Oscars unmittelbar im Visier hat. Ob als Road-Rage-Monster ("Unhinged") oder dem persönlichen Exorzisten des Papstes ("The Pope's Exorcist") - es sind allesamt keine schlechten Filme und Crowe liefert immer ab. Auch Schauspieler Liam Hemsworth scheint Crowes aktuelle Energie zu genießen - in "Land Of Bad", einem Action-Thriller, spielt er erneut mit Crowe zusammen und beide bilden ein dynamisches Duo der US-Armee: der eine ein heldenhafter Soldat und frischgebackener "Außendienstmitarbeiter", der andere ein jähzorniger Oldtimer mit einer Reihe farbenfroher Eigenschaften und Ticks, die ihm helfen, sich vom Rest der Besetzung abzuheben. Möglicherweise hilft das dem Zuschauer auch, herausfinden, in welche Richtung das Casting verläuft. Crowes Charakter heißt großartigerweise Eddie "Reaper" Grimm.

Trotz der guten Leistungen beider Hauptdarsteller wird "Land Of Bad" niemanden wirklich umhauen. Die Actionsequenzen sind häufig hervorragend, und die Handlung ähnelt dem, was man in anständigen Filmen dieser Art schon einmal gesehen hat: Ein Soldat sitzt in feindlichem Gebiet auf einer fehlgeschlagenen Mission fest, sein Team ist vollständig dezimiert und ein anderer Mann hilft aus der Ferne, während er durch institutionelle Mängel behindert wird. (Wem "Im Fadenkreuz" ins Gedächtnis kommt, denkt exakt in die richtige Richtung.) Irgendetwas daran passt nicht ganz zusammen, da das entscheidende Gefühl für Schwung oder Spannung fehlt - wo man sich beim letzten, allen Widrigkeiten trotzenden Wettlauf gegen die Zeit die Fingernägel abkauen sollte, ist man eher neugierig, ob oder Sie werden es nicht schaffen, und es wäre genauso interessant zu sehen, dass sie es auch nicht schaffen.

"Land Of Bad" ist ein Film, der den Zuschauer aber immerhin und stets dazu bringt, seine Explosionen und Versatzstücke zu genießen, der die Ergebnisse jedoch weniger wichtig erscheinen lässt, vielleicht aufgrund des Versuchs, den Film in eine Parabel über die nachlassende Bindung der meisten modernen Soldaten an die Prinzipien des Seins zu verwandeln. Dies ist vielleicht kein Thema, das den meisten Menschen am Herzen liegt, aber das geschicktes Geschichtenerzählen sorgt dafür, dass man sich für das alles auch interessiert.

6,5/10

Quellen: 
Inhaltsangabe: Capelight
Poster/Artwork: Capelight

Breaking Surface - Breaking Surface: Tödliche Tiefen (2020)

https://www.imdb.com/title/tt10081762/

Einige Tage nach Weihnachten machen sich die schwedisch-norwegischen Halbschwestern Ida (Moa Gammel) und Tuva (Madeleine Martin) auf den Weg zu einem Wintertauchgang in einem abgelegenen Teil der norwegischen Küste. Gegen Ende des Tauchgangs schließt ein Steinschlag Tuva unter Wasser ein. Als Ida auftaucht, um um Hilfe zu rufen, entdeckt sie, dass der Steinschlag auch über Wasser einschlug und ihre Ausrüstung, Telefone und Autoschlüssel vergraben hat. Sie sind von jeder Möglichkeit einer Rettung von außen abgeschnitten. Während sich ein hektischer Wettlauf ums Überleben entfaltet, wird Ida auf die ultimative Probe gestellt.

Der Unterschied zwischen einem Survival-Horror und einem Survival-Thriller ist einfach: Gehen diejenigen, die in Gefahr sind, gegeneinander an? Das macht den einfachen und (im positiven Sinne) stressigen "Breaking Surface" zu einem perfekten Survival-Thriller. Zwei Schwestern, die eine ist am Grund eines norwegischen Fjords unter einem umgestürzten Felsbrocken gefangen, die andere versucht verzweifelt, sie herauszuholen, bevor die Luft in ihren Tauchflaschen erschöpft ist. Es ist die schlichte Eleganz, gepaart mit der Verzweiflung ihrer Geschwister, die die Gefahr und den Willen des Publikums steigert, ihnen zu helfen, aus einer scheinbar fast unmöglichen Situation herauszukommen. Natürlich ist die gefangene Schwester Tuva (Madeleine Martin) die erfahrenere der beiden, eine professionelle Taucherin, die über Weihnachten hier bleibt, während ihre Schwester Ida (Moa Gammel) über Weihnachten das Haus der Familie besucht. Sie ist auf dem Weg in buchstäblich wärmere Gewässer, weg von der Beseitigung von Trümmern rund um die Propeller von Tankern, während Ida nach einer Pause von ihrer scheiternden Ehe sucht. Sie trägt immer noch mehr als nur ein bisschen Ballast von einem Schwimmtraining in ihrer Kindheit mit sich herum, das Tuva fast das Leben gekostet hätte (die erste einer Reihe von spannungsgeladenen Sequenzen, bevor die wahre Krise ausbricht).

Es ist eine so einfache Gleichung, und jeder Moment ist perfekt abgestimmt: Alles ergibt einen einfachen, lyrischen Sinn. Es handelt sich um ein schlankes, effektives Filmemachen von Autor/Regisseur Joachim Hedén, das sich genau so abspielt, wie man es sich vorstellt, wobei jedes Mal, wenn ein Seitenblick auf einen wackeligen Felsen oder die Luftblase in einem versunkenen Tunnel geworfen wird, ein kleiner Schauer der freudigen Erkenntnis zulässt. Hier gibt es kein einziges Einzelbild, und die Kameraleute Anna Patarakina und Eric Börjeson fangen die kühle Angst in jeder wunderschönen Aufnahme ein, in einer Landschaft aus Schiefergrau, durchtränkt von stählernem Blau und düsteren, dunklen Tiefen. Sogar die Lage macht einen perfekten, strukturierten Sinn. Man hat nie das Gefühl, dass sich die Schwestern irgendwo in einem Tauchbecken befinden: Stattdessen fühlen sich der Fjord und seine Ufer wie ein einziger, einheitlicher Ort an. Wenn Ida also vom Ufer zum Meeresboden geht, ist noch mehr Luft verschwunden, und die Uhr tickt. In einem Genre, das so sehr von Hai-Angriffen dominiert wird (nicht, dass an "47 Meters Down" irgendetwas auszusetzen wäre, abgesehen von der absurden Fortsetzung), ist es eine willkommene Erleichterung, die Unterwasserwelt die ganze nervenaufreibende Arbeit erledigen zu lassen. "Breaking Surface" ist ein unterhaltsamer, spannender Katastrophenfilm im intimen Maßstab.

7/10

Quellen: 
Inhaltsangabe: Koch Media
Poster/Artwork: Way Feature Films/Film i Skåne/Weggefilms