Jaula - The Chalk Line - Die Kreidelinie (2022)

https://www.imdb.com/de/title/tt12683756/
https://letterboxd.com/film/the-chalk-line/

Paula (Elena Anaya) und ihr Mann sind auf dem Rückweg von einem Abendessen mit Freunden, als sie während der Fahrt auf ein Mädchen stoßen, das allein auf der Straße läuft. Sie beschließen, sie zu den Behörden zu bringen, die sich im Laufe der Wochen für sie interessieren und überrascht sind, dass niemand gekommen ist, um sie abzuholen. Aus diesem Grund nehmen Paula und ihr Mann sie vorübergehend bei sich auf, auch um ihre Beziehung zu retten. Die Situation ist kompliziert, denn das junge Mädchen ist von einem vermeintlichen Monster besessen, das sie bestrafen wird, wenn sie aus einem mit Kreide gemalten Quadrat auf dem Boden heraustritt. Nachdem sich zwischen den beiden Frauen eine starke Bindung entwickelt hat, begibt sich Paula auf dunkle Pfade, um das Rätsel der Vergangenheit des kleinen Mädchens zu entschlüsseln.

Mit "Die Kreidelinie" liefert der Spanier Ignacio Tatay ein bemerkenswertes Langfilmdebüt, das sich irgendwo zwischen Psychothriller, Mystery und Horror bewegt. Ein Ehepaar findet nachts ein verstörtes Mädchen mitten auf der Straße. Paula (Elena Anaya) nimmt die schweigsame Clara (Eva Tennear) schließlich bei sich auf und versucht herauszufinden, warum das Kind panische Angst davor hat, einen mit Kreide gezogenen Bereich zu verlassen. Tatay hält dabei bewusst lange offen, ob hier tatsächlich etwas Übernatürliches vor sich geht oder ob hinter Claras Verhalten ein viel realerer Schrecken steckt. Und die Ausgangsidee macht den Film von Anfang an interessant. Das Kreidequadrat wird zu einem einfachen, aber effektiven visuellen Symbol für Angst, Kontrolle und Gefangenschaft. Gleichzeitig entwickelt sich zwischen Paula und Clara eine glaubwürdige emotionale Bindung. Elena Anaya verleiht ihrer Paula genügend Wärme und Verletzlichkeit, während die junge Eva Tennear überraschend stark auftritt. Ihre zurückhaltende, beinahe wortlose Darstellung macht Clara gleichzeitig bemitleidenswert und unheimlich. Auch Pablo Molinero als Simón funktioniert als glaubwürdiger Gegenpol.

Regisseur Tatay setzt dankenswerter Weise weniger auf klassische Schockeffekte als auf Atmosphäre und Unsicherheit. Die Kamera von Oriol Barcelona nutzt statische Einstellungen, dunkle Räume und scheinbar harmlose Details, um eine unterschwellige Bedrohung aufzubauen. Vieles wirkt bewusst kalt und distanziert. Das erinnert stellenweise an europäischen Mystery-Horror, ohne einfach dessen bekannte Formeln zu kopieren. Gerade die Entscheidung, Informationen zurückzuhalten und Situationen teilweise aus unterschiedlichen Perspektiven zu betrachten, sorgt dafür, dass man als Zuschauer ständig versucht, die einzelnen Puzzleteile zusammenzusetzen. Der Score von Snorri Hallgrímsson bleibt überwiegend zurückhaltend und verstärkt eher das Gefühl von Unbehagen, als jeden Schreckmoment musikalisch anzukündigen. Tatay versteht es zudem, mit Stille zu arbeiten. Das macht einige Szenen wesentlich unangenehmer, als es eine klassische Jump-Scare-Inszenierung könnte. Handwerklich ist das für ein Langfilmdebüt durchaus beachtlich. 

Beim Drehbuch von Tatay und Isabel Peña zeigen sich allerdings auch die Schwächen. Die erste Hälfte lebt hervorragend von der Frage, wer Clara ist und was hinter ihrem Verhalten steckt. Sobald der Film beginnt, Antworten zu liefern, wird die Geschichte konventioneller. Einige Erklärungen wirken weniger überraschend als die zuvor aufgebaute Atmosphäre, und manche Figuren bleiben eher funktionale Bestandteile des Rätsels. Dafür zieht "Die Kreidelinie" im letzten Drittel spürbar an. Der Film wird härter, emotionaler und deutlich bedrohlicher. Dabei verzichtet Tatay erfreulicherweise darauf, den Horror ausschließlich über übernatürliche Elemente zu definieren. Hinter dem Mystery steckt ein erschreckend realistischer Kern, wodurch manche Szenen sogar unangenehmer wirken als klassische Geisterfilm-Momente. Die Gewalt ist teilweise durchaus drastisch und thematisch nicht leicht verdaulich; gerade dadurch bekommt der Film eine düstere Ernsthaftigkeit.

Was bleibt, ist ein guter Thriller mit einigen wirklich starken Momenten, der sein vorhandenes Potenzial aber nicht vollständig ausschöpft. "Die Kreidelinie", im Original "Jaula", ist atmosphärisch, gut gespielt und clever genug, um das Interesse über weite Strecken aufrechtzuerhalten. Die etwas konventionelle Auflösung, kleinere Logiklücken und die nicht immer natürliche Dialogführung verhindern jedoch den ganz großen Wurf. Trotzdem ist Tatays Debüt sehenswert - insbesondere, wenn man Mystery-Thriller mag, die lieber Fragen stellen und Unbehagen erzeugen, als permanent mit Jump Scares zu arbeiten.

6,5/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: Pokeepsie Films/Mogambo Films

Die weiße Massai (2005)

https://www.imdb.com/title/tt0436889/
https://letterboxd.com/film/the-white-masai/

Verfilmung des gleichnamigen autobiografischen Buches, das die Lebensgeschichte der Schweizerin Corinne Hofmann schildert. Corinne heißt im Film Carola (Nina Hoss) und verlebt mit ihrem Freund Stefan (Janek Rieke) einen harmonischen Urlaub in Kenia. Doch als sie kurz vor der Rückreise den Samburu-Krieger Lemalian (Jacky Ido) sieht, ist es um sie geschehen. Die eindrucksvoll-edel wirkende Gestalt des stolzen Kriegers, dessen Muskeln unter der kaffeebraunen Haut so geschmeidig wirken, dass sie sämtliche Gefühle bei Carola in Wallung bringen, lassen sie nicht mehr los. Da in diesem Gemütszustand ein Rückflug unmöglich ist, bleibt sie in Kenia und lässt Stefan alleine davonfliegen. An dem ist sie ohnehin nicht mehr interessiert, sie will mit dem Krieger den Rest ihres Lebens verbringen. Deswegen spürt sie das Dorf auf, in dem Lemalian lebt. Sie heiratet ihn und versucht, als weiße Massai zu leben. Aber schon bald schlagen die kulturellen Grenzen unerbittlich zu.

Hermine Huntgeburths "Die weiße Massai" erzählt nach dem autobiografischen Bestseller von Corinne Hofmann die ungewöhnliche Geschichte der Schweizerin Carola, die sich während eines Kenia-Urlaubs in den Samburu-Krieger Lemalian verliebt und spontan beschließt, ihr bisheriges Leben hinter sich zu lassen. Was zunächst wie eine große romantische Geste wirkt, entwickelt sich zu einem immer schwierigeren Zusammenprall zweier Kulturen und Lebensentwürfe. Nina Hoss spielt Carola nicht als naive Weltverbesserin, sondern als eine widersprüchliche Frau, deren Entschlossenheit ebenso beeindruckt wie ihre manchmal erstaunliche Blauäugigkeit. Hoss trägt praktisch jede Szene und macht auch die weniger überzeugend geschriebenen Momente glaubwürdig. Jacky Ido ist als Lemalian ein interessanter Gegenpol: zurückhaltend, stolz und körperlich präsent, zugleich aber bewusst nicht zum exotischen Märchenprinzen verklärt. Katja Flint als Elisabeth und Nino Prester als Pater Bernardo ergänzen das Ensemble sinnvoll. 

Besonders beeindruckend sind die Bilder Kenias. Gedreht wurde an Originalschauplätzen, und Kameramann Martin Langer nutzt die Weite der Landschaften, das harte Licht und die staubigen Wege, um Carolas Fremdheit körperlich spürbar zu machen. Der Film wirkt dadurch häufig beinahe dokumentarisch. Gleichzeitig bleibt die Kamera eng bei den Figuren und beobachtet ihre Konflikte, anstatt nur touristische Postkartenbilder zu produzieren. Auch Niki Reisers Musik funktioniert überwiegend zurückhaltend und unterstützt die Atmosphäre, ohne die emotionalen Momente permanent zu überhöhen. Zusammen mit den authentischen Schauplätzen, den lokalen Darstellern und den vielen Alltagssituationen entsteht ein glaubwürdiges Gefühl für Carolas neues Leben. Und diese Mischung aus Liebesdrama und Abenteuerfilm gehört zu den gelungensten Aspekten der Inszenierung. Problematischer wird es beim Drehbuch von Johannes W. Betz. Die grundlegende Geschichte ist spannend, doch viele Entwicklungen wirken vorhersehbar. Der Film arbeitet sich teilweise recht schematisch von einem kulturellen Konflikt zum nächsten vor, während wichtige Hintergründe nur angerissen werden. Gerade die Lebensweise der Samburu und bestimmte Rituale werden nicht immer ausreichend erklärt. Das kann zwar als bewusste Perspektive verstanden werden - Carola selbst versteht ihre neue Umgebung schließlich ebenfalls nicht -, führt aber dazu, dass der Film stellenweise mehr Fragen aufwirft, als er beantwortet. Dazu kommt die lange Laufzeit von rund 131 Minuten, die nicht immer gerechtfertigt wirkt. Manche Episoden hätten durchaus etwas gestrafft werden können. Der Film nimmt sich viel Zeit für Carolas Anpassungsversuche, ohne daraus immer eine entsprechend tiefe Charakterentwicklung abzuleiten. Gleichzeitig gelingt es Huntgeburth, die Beziehung nicht einfach als kitschige exotische Liebesgeschichte zu verkaufen. Vielmehr zeigt sie, wie schnell romantische Vorstellungen an Alltag, Rollenbildern, Eifersucht und unterschiedlichen Vorstellungen von Freiheit und Partnerschaft zerbrechen können. Interessant ist allerdings, dass "Die weiße Massai" die afrikanische Lebenswelt trotz seines Authentizitätsanspruchs nicht immer differenziert genug betrachtet. Mehrere Kritiken bemängelten, dass der Film eher die Abenteuerlichkeit von Carolas Geschichte betont als ein wirklich komplexes Bild der afrikanischen Realität zu entwickeln. Genau hier bleibt er hinter seinem Potenzial zurück: Er erzählt überzeugend von einer europäischen Frau, die in einer völlig fremden Welt ihren Platz sucht, aber weniger überzeugend von dieser Welt selbst.

Unterm Strich ist der Film ein gut gespieltes und atmosphärisch starkes Drama, dessen authentische Schauplätze und Nina Hoss' überzeugende Hauptrolle einiges auffangen. Die Geschichte ist interessant, aber stellenweise zu vorhersehbar, die kulturelle Perspektive bleibt etwas oberflächlich und die Laufzeit hätte kürzer ausfallen dürfen. Kein großes Meisterwerk, aber ein sehenswertes, emotionales Drama über Liebe, Selbstbestimmung und die Grenzen kultureller Anpassung - getragen von einer starken Nina Hoss und beeindruckenden Kenia-Bildern.

6/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: Bayerischer Banken-Fonds/Constantin Film

Wes Craven's Mind Ripper - The Outpost - Mind Ripper - The Hills Have Eyes III - Mindripper (2025)

https://www.imdb.com/title/tt0114070/
https://letterboxd.com/film/mind-ripper/

In einer abgelegenen unterirdischen Forschungsstation versuchen Wissenschaftler unter der Leitung von Dr. Stockton (Lance Henriksen), einen schwer verletzten Mann mithilfe eines experimentellen Verfahrens wiederzubeleben. Doch der Versuch hat ungeahnte Folgen: Aus dem Patienten wird eine gefährliche, übermenschliche Kreatur. Als die Forschungsstation zunehmend zum Gefängnis wird, müssen Alex (Natasha Gregson Wagner), Michael (Giovanni Ribisi) und die übrigen Mitglieder des Teams um ihr Leben kämpfen. Während die Kreatur Jagd auf die Eingeschlossenen macht, wird klar, dass hinter dem Experiment weitaus mehr steckt als ein medizinischer Durchbruch...

"Mind Ripper" - ursprünglich unter dem Titel "The Outpost" produziert und in Deutschland zeitweise sogar als "The Hills Have Eyes III" vermarktet - ist ein eigenständiger Horrorfilm und hat mit Wes Cravens "The Hills Have Eyes" eigentlich kaum etwas zu tun. Im Zentrum steht eine Gruppe von Wissenschaftlern in einer unterirdischen Forschungsstation, die einen tot aufgefundenen Mann mit einem experimentellen Virus wiederbelebt. Was als medizinischer Durchbruch gedacht ist, entwickelt sich schnell zum blutigen Überlebenskampf. Die Ausgangsidee ist durchaus interessant: Wissenschaftliche Hybris, ein außer Kontrolle geratener Erreger und ein isolierter Schauplatz bieten eigentlich beste Voraussetzungen für klaustrophobischen Science-Fiction-Horror. Das Drehbuch von Jonathan Craven und Phil Mittleman schöpft dieses Potenzial allerdings nur teilweise aus. Statt die Situation psychologisch oder wissenschaftlich interessanter zu gestalten, konzentriert sich der Film schnell auf die nächste Attacke. Die Handlung entwickelt sich dadurch ziemlich vorhersehbar und bleibt erzählerisch dünn.

Dabei ist die Besetzung eigentlich ein großer Pluspunkt. Lance Henriksen bringt als Wissenschaftler Jim Stockton die nötige Präsenz mit, um dem ansonsten eher gewöhnlichen B-Movie etwas Gewicht zu verleihen. Auch Claire Stansfield, John Diehl, Natasha Gregson Wagner und der junge Giovanni Ribisi liefern ordentliche Leistungen. Henriksen ist allerdings deutlich interessanter als die Figur, die er spielen darf: Die Charaktere bleiben weitgehend funktionale Genrefiguren, deren Entscheidungen vor allem dazu dienen, die Handlung weiterzutreiben. Regisseur Joe Gayton findet dafür nur selten wirklich spannende Bilder. Die unterirdische Anlage bietet zwar dunkle Korridore, Labore und enge Räume, wird aber visuell kaum kreativ genutzt. Statt einer bedrückenden Atmosphäre entsteht häufig der Eindruck einer etwas billig produzierten TV-Horrorproduktion. Beim Horror und den Effekten ist zumindest etwas mehr zu holen. Der Film setzt durchaus auf blutige Todesfälle und handgemachte Genre-Effekte, ohne allerdings besonders nachhaltig zu schockieren. Die Kreatur selbst funktioniert als Bedrohung besser als manche ihrer Auftritte: Sobald der Film versucht, aus ihr eine echte Horrorikone zu machen, fehlt es an einer wirklich markanten Gestaltung. Die Spannung entsteht deshalb eher aus der Isolation der Figuren als aus dem Monster.

Auch Kamera, Schnitt und Musik erfüllen letztlich nur ihre Funktion. Fernando Arguelles fotografiert den Film zweckmäßig, J. Peter Robinson liefert einen passenden, aber wenig erinnerungswürdigen Score. Technisch ist "Mind Ripper" keineswegs katastrophal, doch ihm fehlt jene visuelle oder akustische Handschrift, die aus einem durchschnittlichen B-Movie einen kleinen Genre-Geheimtipp machen könnte. Die rund 90 Minuten Laufzeit verhindern immerhin, dass sich das Ganze zu sehr zieht. Interessanterweise besitzt der Film gerade durch seine 90er-Jahre-B-Movie-Atmosphäre einen gewissen Unterhaltungswert. Die Mischung aus Science Fiction, Monsterhorror und Mad-Scientist-Motiv erinnert an deutlich bessere Genrevertreter, ohne deren Niveau zu erreichen. Auch die Verbindung zum Craven-Namen - Wes Craven war Produzent, Jonathan Craven Co-Autor - erzeugt Erwartungen, die der Film kaum erfüllen kann. Seine spätere Vermarktung als "The Hills Have Eyes III" macht das eher noch deutlicher: Hier wurde ein vorhandener Markenname genutzt, obwohl die Verbindung zur Reihe praktisch fehlt. "Mind Ripper" ist damit ein typischer Fall von gute Zutaten, mäßiges Ergebnis. Lance Henriksen und einige brauchbare Splattermomente retten den Film teilweise, aber das uninspirierte Drehbuch, die austauschbare Inszenierung und die wenig ausgeprägte Atmosphäre verhindern, dass aus der interessanten Grundidee mehr wird. Für Freunde von vergessenen 90er-Horror-B-Movies durchaus einmal einen Blick wert – mehr als solide Genre-Routine ist hier allerdings nicht drin.

4,5/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: The Kushner-Locke Company/Outpost Productions

Smokin’ Aces (2006)

https://www.imdb.com/de/title/tt0475394/
https://letterboxd.com/film/smokin-aces/

Mafiaboss Primo Sparazza (Joseph Ruskin) wird der Prozess gemacht. Darüber kann sich der Hauptbelastungszeuge Buddy "Aces" Israel (Jeremy Piven) aber nicht richtig freuen, denn schließlich ist sein Tod nun eine Million Dollar wert. Die FBI-Agenten Richard Messner (Ryan Reynolds) und Donald Carruthers (Ray Liotta) bekommen von ihrem Vorgesetzten Stanley Locke (Andy Garcia) den Auftrag, Israel zu beschützen. Doch der ignoriert die Gefahr im Kokainnebel so gut es geht und feiert im Penthouse eines Luxushotels am Lake Tahoe wilde Orgien. Schnell jedoch neigt sich die wilde Feierei ihrem Ende entgegen. Verschiedene Auftragskillerteams sind ebenso wie das FBI im Anmarsch und stehen sich gegenseitig im Wege. Darunter befinden sich die psychopathischen Neo-Nazi-Brüdern Darwin (Chris Pine), Jeeves (Kevin Durand) und Lestor Tremor (Maury Serling), die Killerinnen Georgia (Alicia Keys) und Sharice (Taraji Henson) sowie das Trio Jack Dupree (Ben Affleck), Pete Decks (Peter Berg) und Hollis Elmore (Martin Henderson)...

Joe Carnahans "Smokin’ Aces" ist ein Film, der seine eigene Übertreibung zum Programm macht. Die Ausgangslage ist simpel - die Umsetzung dagegen maximal chaotisch. Carnahan inszeniert die Story mit enormem Tempo und sichtbar großer Lust an Pulp, Grindhouse und schwarzer Komödie. Schnelle Schnitte, Splitscreens, extreme Kameraperspektiven und ein permanent eskalierender Soundtrack verleihen dem Film eine aggressive Energie. Gerade die großen Actionsequenzen sind handwerklich beeindruckend und teilweise wunderbar absurd. Allerdings verwechselt Carnahan Stil gelegentlich mit Substanz: Die Inszenierung schreit förmlich nach Aufmerksamkeit, während die Geschichte kaum Gelegenheit bekommt, sich wirklich zu entwickeln. 

Jeremy Piven spielt Buddy Israel als widerlichen, selbstverliebten und gleichzeitig erstaunlich unterhaltsamen kleinen Gangster. Ryan Reynolds und Ray Liotta bilden als gegensätzliche FBI-Agenten einen soliden emotionalen Anker. Besonders viel Spaß machen jedoch die Nebenfiguren: Chris Pine, Kevin Durand und Maury Serling als durchgeknallte Tremor-Brüder sowie Alicia Keys und Taraji P. Henson als Killerduo verleihen dem Film genau jene Comicbook-artige Überzeichnung, die er braucht. Beim Drehbuch zeigt sich allerdings die größte Schwäche. Carnahan wollte offensichtlich eine Vielzahl ungewöhnlicher Charaktere, Parallelhandlungen und überraschender Wendungen miteinander verbinden. Das funktioniert phasenweise, führt aber auch zu einem überladenen und zunehmend unübersichtlichen Plot. Einige Figuren bleiben reine Karikaturen, während emotionale Entwicklungen nur angerissen werden. Der Film erinnert damit deutlich an die Gangster- und Pulp-Filme der 1990er, ohne deren Dialogwitz oder erzählerische Präzision immer zu erreichen. 

Auch die Gewaltdarstellung ist bewusst exzessiv. Einschusslöcher, Blutfontänen und brutale Schießereien gehören hier nicht nur zur Action, sondern fast zur visuellen Sprache des Films. Das kann unterhaltsam sein, wirkt nach einer Weile aber auch selbstzweckhaft. Gleichzeitig besitzt Carnahan durchaus ein Gespür für schwarzen Humor und bizarre Situationen. Einige der besten Momente entstehen gerade dann, wenn die völlig überdrehten Figuren auf die vergleichsweise nüchternen FBI-Agenten treffen. Interessanterweise besitzt der Film im letzten Drittel sogar einen Ansatz von moralischer Tragik, der über das reine Action-Spektakel hinausgeht. Allerdings kommt dieser Aspekt spät und wirkt dadurch eher aufgesetzt als organisch entwickelt. Genau hier liegt ein Problem von „Smokin’ Aces“: Der Film möchte gleichzeitig dreckiger Gangsterfilm, schwarze Komödie, stylischer Actioner und überraschend moralisches Drama sein. Diese verschiedenen Tonlagen prallen manchmal eher aufeinander, als dass sie sich ergänzen.

Unterm Strich ist "Smokin’ Aces" aber ein ausgesprochen unterhaltsamer, aber auch ziemlich hohler Actionfilm. Die starke Besetzung, Carnahans energische Regie, die schrillen Figuren und einige hervorragend choreografierte Actionpassagen machen ihn sehenswert. Dem gegenüber stehen ein überladenes Drehbuch, wenig emotionale Tiefe und eine Stilversessenheit, die sich irgendwann erschöpft. Als dreckiger, lauter und völlig überdrehter Pulp-Trip funktioniert der Film erstaunlich gut - als wirklich cleverer Gangsterfilm deutlich weniger.

6/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: Universal Pictures/Working Title Films (GB)/StudioCanal/Relativity Media/Scion Films

The Proposal - Selbst ist die Braut (2009)

https://www.imdb.com/de/title/tt1041829/
https://letterboxd.com/film/the-proposal-2009/

Ihre Angestellten behandelt sie wie Sklaven - kein Wunder, dass Verlagschefin Margaret (Sandra Bullock) den Ruf einer kaltherzigen Hexe hat. Dann machen Margarets Anwälte der Kanadierin klar, dass ihr Visum abgelaufen ist und ihr deswegen die Abschiebung droht. Das Oberbiest erpresst daraufhin ein Hochzeitsversprechen von Assistent Andrew (Ryan Reynolds). Wenige Stunden später befinden sich die beiden auf dem Weg nach Alaska, wo Andrews schrullige Familie die spröde Schönheit mit offenen Armen empfängt und schon eine Überraschungs-Hochzeit plant...

"Selbst ist die Braut" ist klassische RomCom-Kost: vorhersehbar, gelegentlich kitschig, aber dank Sandra Bullock und Ryan Reynolds deutlich charmanter, als das Schema vermuten lässt. Beide besitzen ein ausgesprochen gutes komödiantisches Timing und entwickeln gerade in den bissigen Wortgefechten eine überzeugende Dynamik. Bullock darf Margaret zwischen herrischer Eiseskälte und verletzlicher Unsicherheit spielen, während Reynolds Andrew mit einer angenehmen Mischung aus Selbstironie und trockenem Humor versieht. Auch die Nebendarsteller funktionieren überraschend gut. Mary Steenburgen und Craig T. Nelson geben Andrews Eltern sympathische Bodenständigkeit, während Betty White als Großmutter Annie mit sichtlichem Vergnügen jede Gelegenheit zum Szenendiebstahl nutzt. Gerade die Alaska-Passagen profitieren von diesem Ensemble, weil der Film hier seine streng konstruierte Ausgangssituation etwas lockerer ausspielen kann. 

Regisseurin Anne Fletcher hält den Film angenehm leicht und setzt auf klassischen Mainstream-Comedy-Look. Die Landschaften Alaskas bilden einen schönen Kontrast zur hektischen New Yorker Verlagswelt; tatsächlich wurden die Alaska-Aufnahmen teilweise durch Drehorte in Massachusetts ergänzt. Kameramann Oliver Stapleton liefert dabei gefällige, sauber komponierte Bilder, ohne die romantische Komödie unnötig aufzublasen. Die Dialoge zwischen Margaret und Andrew sind häufig witzig und ihre gegenseitigen Machtspiele sorgen für Tempo. Gleichzeitig ist fast jeder größere Entwicklungsschritt vorhersehbar. Das klassische "Hassen sie sich oder mögen sie sich?" wird sehr deutlich nach bekannten Romcom-Regeln abgearbeitet. Trotzdem besitzt der Film genügend Herz und Humor, um über seine Schwächen hinwegzutragen. Einige Gags sind albern oder wirken wie Pflichtprogramm - besonders die zunehmend slapstickartige Alaska-Handlung -, andere sitzen dagegen erstaunlich gut. Auch die berühmte Nacktszene zwischen Bullock und Reynolds ist eher körperkomödiantischer Klamauk als wirklich romantisch und wurde schon zur Veröffentlichung stark als Marketingmoment ausgeschlachtet.

Unterm Strich ist "Selbst ist die Braut" keine besonders originelle RomCom, aber eine ausgesprochen unterhaltsame. Das Drehbuch folgt zuverlässig der bekannten Formel, doch Sandra Bullock und Ryan Reynolds besitzen genügend Charme, Timing und gegenseitige Energie, um daraus mehr zu machen als bloße Genre-Routine. Wer romantische Komödien grundsätzlich mag, bekommt hier solide Unterhaltung mit einigen wirklich gelungenen Lachern, schönen Landschaftsaufnahmen und einem sympathischen Ensemble. Nicht überraschend, aber angenehm charmant - und damit ziemlich genau das, was eine gute Mainstream-RomCom leisten soll.

6,5/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: Touchstone Pictures/Mandeville Films/Kurtzman/Orci

呪怨2 - Ju-on: The Grudge 2 -Ju-on: The Curse 2 (2003)

https://www.imdb.com/de/title/tt0367913/
https://letterboxd.com/film/ju-on-the-grudge-2/

Die bekannte Schauspielerin Kyoko Harase (Noriko Sakai) nimmt an den Dreharbeiten zu einer Fernsehsendung über paranormale Phänomene teil. Als das Team das berüchtigte Haus der Familie Saeki besucht, ahnt niemand, dass dort noch immer der Fluch von Kayako (Takako Fuji) und ihrem Sohn Toshio (Yūya Ozeki) wirkt. Nach den Dreharbeiten beginnen sich im Umfeld der Beteiligten mysteriöse und tödliche Ereignisse zu häufen. Auch Tomoka Miura (Chiharu Niiyama), Megumi Obayashi (Emi Yamamoto) und Regisseur Keisuke Okuni (Shingo Katsurayama) werden vom Fluch eingeholt. Für Kyoko wird die Situation besonders unheimlich, als sie nach einem schweren Autounfall eine erschütternde Entdeckung macht. Während der Fluch immer stärker auf ihr Leben übergreift, gerät auch die junge Chiharu (Yui Ichikawa) in seinen Bann. Kyoko muss schließlich erkennen, dass die Ereignisse im Saeki-Haus weitreichendere Folgen haben, als sie zunächst ahnen konnte...

Mit "Ju-On: The Grudge 2" setzt Takashi Shimizu seinen japanischen J-Horror nicht einfach fort, sondern variiert die bekannte Formel. Im Mittelpunkt steht die Horrorfilm-Darstellerin Kyoko Harase (Noriko Sakai), die für eine Fernsehsendung ein von einem Fluch heimgesuchtes Haus besucht. Schon bald greifen die übernatürlichen Ereignisse auf sie und die Menschen in ihrem Umfeld über. Shimizu bleibt dabei seinem episodischen Erzählprinzip treu und verbindet unterschiedliche Perspektiven und Zeitebenen. Diese einzelnen Geschichten erzeugen immer wieder interessante Situationen und lassen Realität, Erinnerung und Vision zunehmend ineinanderlaufen. Gleichzeitig wird die Handlung deutlich komplizierter, als es eigentlich nötig wäre. Dafür funktioniert die Atmosphäre hervorragend. Shimizu setzt weniger auf Blut und explizite Gewalt als auf leere Räume, alltägliche Schauplätze, unnatürliche Bewegungen und vor allem den Ton. Türen, Schritte, Stimmen und das charakteristische, kehlige Geräusch von Kayako (Takako Fuji) werden zu eigenständigen Schreckmomenten. Auch die scheinbare Normalität der hell ausgeleuchteten Wohnungen macht den Horror unangenehm glaubwürdig. Die Darsteller schlagen sich ordentlich, wobei Noriko Sakai als Kyoko dem Film erstmals eine etwas stärker ausgearbeitete zentrale Figur gibt. Ihre zunehmende Verunsicherung trägt einen großen Teil der Geschichte. Chiharu Niiyama, Yui Ichikawa und die übrigen Darsteller funktionieren vor allem innerhalb der einzelnen Episoden. Takako Fuji bleibt als Kayako jedoch die prägendste Erscheinung des Films: Ihre Körperlichkeit, der starre Blick und die abgehackten Bewegungen machen aus ihr eine der ikonischsten Geisterfiguren des J-Horrors.

Handwerklich bleibt Shimizu bewusst zurückhaltend. Tokushō Kikumura fotografiert den Film nüchtern und ohne übermäßige stilistische Spielereien, während Shiro Satōs Musik und insbesondere das Sounddesign entscheidend für die Spannung sind. Dadurch entstehen einige sehr wirkungsvolle Sequenzen, obwohl der Film seine Schreckmomente teilweise recht deutlich vorbereitet. Inhaltlich erweitert Shimizu den Mythos um Kayako und Toshio, ohne den Fluch wirklich erklären zu wollen. Das passt grundsätzlich zum Konzept: Der Horror entsteht gerade daraus, dass es keine sichere Logik und keinen wirklichen Ausweg gibt. Allerdings wiederholen sich die bekannten Muster zunehmend. Rotten Tomatoes fasst einen zentralen Kritikpunkt entsprechend zusammen: Mit fortschreitender Laufzeit wird der Film repetitiver und die Schockwirkung nimmt ab. "Ju-On: The Grudge 2" ist deshalb kein durchgehend überzeugendes Sequel, aber ein atmosphärisch bemerkenswert konsequenter J-Horror. Die besten Momente sind weiterhin unangenehm effektiv, das Sounddesign sitzt und Takako Fuji bleibt als Kayako eine echte Horror-Ikone. Dem stehen eine zunehmend verwirrende Handlung, teilweise austauschbare Nebenfiguren und eine gewisse Wiederholung der bekannten Schreckmuster gegenüber. Wer den ersten Teil mochte, bekommt hier mehr von Shimizus eigenwilligem, langsam kriechendem Horror - nur eben nicht unbedingt mehr davon, was ihn wirklich neu macht.

7/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: Oz Company/Aozora Investments/Pioneer LDC/Nikkatsu Corporation/Xanadeux Company/KADOKAWA Shoten/Tokyo Theatres Company

呪怨 - Ju-on: The Grudge - Juon: The Curse (2002)

https://www.imdb.com/title/tt0364385/
https://letterboxd.com/film/ju-on-the-grudge/

Die junge Sozialarbeiterin Rika Nishina (Megumi Okina) übernimmt kurzfristig die Betreuung der bettlägerigen Sachie Tokunaga (Chikako Isomura) in einem unscheinbaren Haus in einem Vorort von Tokio. Schon bei ihrer Ankunft fällt ihr auf, dass mit dem Haus etwas nicht stimmt. Sachie wirkt verstört und reagiert kaum auf ihre Umgebung. Im Obergeschoss entdeckt Rika schließlich einen kleinen Jungen namens Toshio (Yūya Ozeki) und eine Katze - doch niemand kann ihr erklären, woher die beiden kommen. Nach und nach stößt Rika auf die düstere Vergangenheit des Hauses. Jahre zuvor wurden dort Kayako Saeki (Takako Fuji) und ihr Sohn Toshio Opfer eines grausamen Verbrechens durch Kayakos Ehemann Takeo Saeki (Takashi Matsuyama). Seit dieser Tragödie scheint ein übernatürlicher Fluch auf dem Gebäude zu liegen. Jeder, der das Haus betritt, kann zum nächsten Opfer werden - und der Fluch beschränkt sich längst nicht mehr auf die vier Wände des Hauses. Während Rika versucht, das Geheimnis zu verstehen, werden auch andere Menschen mit der unheimlichen Präsenz konfrontiert...

Takashi Shimizus "Ju-On: The Grudge" gehört zu den Filmen, die weniger durch eine ausgefeilte Handlung als durch eine ganz bestimmte Atmosphäre funktionieren. Im Mittelpunkt steht ein Fluch, der aus einem brutalen Verbrechen hervorgegangen ist und jeden heimsucht, der mit dem betroffenen Haus in Kontakt kommt. Statt die Geschichte geradlinig zu erzählen, springt Shimizu zwischen verschiedenen Figuren und Zeitpunkten. Das ist zunächst verwirrend, passt aber erstaunlich gut zum Konzept eines Fluchs, der sich wie eine Infektion von Mensch zu Mensch weiterträgt. Die in ihrer nichtlinearen Erzählweise vorgetragenen einzelnen Episoden funktionieren beinahe wie kurze Geistergeschichten, deren Zusammenhänge sich erst allmählich erschließen. Dadurch entsteht ein permanentes Gefühl der Orientierungslosigkeit. Allerdings verhindert die Struktur auch eine tiefere Bindung an die Figuren und nimmt dem Film stellenweise die Möglichkeit, Spannung über längere Zeit aufzubauen.

Seine eigentliche Stärke entwickelt "Ju-on: The Grudge" bei der Inszenierung. Shimizu braucht erstaunlich wenig Blut oder aufwendige Effekte. Dunkle Räume, leere Flure, Treppen und scheinbar harmlose Bildhintergründe reichen aus, um ständig das Gefühl zu erzeugen, dass irgendwo etwas nicht stimmt. Besonders Kayako (Takako Fuji) und Toshio (Yūya Ozeki) gehören zu den nachhaltigsten Erscheinungen des J-Horrors. Auch die Kameraarbeit und das Sounddesign tragen enorm zur Wirkung bei. Tokushō Kikumura nutzt enge Räume und ruhige Einstellungen, anstatt die Schocks permanent mit hektischer Kameraführung vorzubereiten. Dazu kommt Shiro Satōs zurückhaltende Musik sowie vor allem die markanten, gutturalen Geräusche der Geister. Mehrere Kritiker sahen gerade in der Kombination aus Bildgestaltung und Ton einen entscheidenden Bestandteil des Schreckens. Die Darsteller agieren bewusst zurückgenommen. Megumi Okina, Misaki Itō, Misa Uehara und Yui Ichikawa tragen die einzelnen Kapitel solide, auch wenn die Figuren aufgrund der kurzen Episoden kaum Gelegenheit für eine wirklich komplexe Entwicklung bekommen. Dafür überzeugt Takako Fuji als Kayako vor allem körperlich: Ihre unnatürlichen Bewegungen und das charakteristische Keuchen machen sie zu einer Figur, die schon durch ihre bloße Anwesenheit Unbehagen erzeugt.

Thematisch bleibt der Film eher schlicht, aber konsequent: "Ju-on: The Grudge" handelt von Tod, Hass und einem Trauma, das nicht einfach verschwindet, sondern immer neue Opfer hervorbringt. Der Film interessiert sich weniger für die Frage, wie ein Fluch logisch funktioniert, sondern dafür, wie sich Angst und Gewalt unaufhaltsam fortsetzen. Gerade diese fehlende Erklärung macht den Horror teilweise so wirkungsvoll - der Fluch besitzt keine nachvollziehbare Grenze und damit auch keine einfache Lösung. Damit ist "Ju-on: The Grudge" kein perfekt erzählter Horrorfilm. Die episodische Struktur kostet Spannung, manche Figuren bleiben blass und die Handlung wirkt stellenweise unnötig kompliziert. Dafür entwickelt Takashi Shimizu eine außergewöhnlich dichte, kalte und unangenehme Atmosphäre und beweist, dass ein Horrorfilm nicht ständig zeigen muss, was passiert, um Angst zu erzeugen. Nicht jede Szene sitzt, aber einige Bilder und Geräusche bleiben lange im Kopf.

7/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: Oz Company/Xanadeux Company/Pioneer LDC/Nikkatsu Corporation