The Town - The Town: Stadt ohne Gnade (2010)

https://www.imdb.com/de/title/tt0840361/
https://letterboxd.com/film/the-town/

Doug MacRay (Ben Affleck) hat mit seinen drei Freunden Jem (Jeremy Renner), "Gloansy" (Slaine) und Desmond (Owen Burke) im Auftrag des skrupellosen "Paten" Fergie (Pete Postlethwaite) eine Bank überfallen. Doch dieses Mal läuft nicht alles so glatt wie zuvor. Jem richtet einen Bankangestellten übel zu und nimmt Filialleiterin Claire Keesey (Rebecca Hall) kurzzeitig als Geisel. Später drängt er darauf, sie zu töten, weil sie angeblich zu viel gesehen hat. Doug versucht dies mit allen Mitteln zu verhindern und macht sich selbst an Claire ran, um so herauszufinden, ob sie wirklich etwas weiß. Währenddessen wird Jem immer unberechenbarer. Gemeinsam mit Auftraggeber Fergie drängt er auf weitere Überfälle, während sich längst eine FBI-Spezialeinheit um die Agenten Adam Frawley (Jon Hamm) und Dino Ciampa (Titus Welliver) an die Fersen der Band geheftet hat...

Ben Afflecks zweiter Spielfilm als Regisseur ist ein packender Bankraub-Thriller, der klassische Gangsterfilm-Motive mit einem rauen Milieuporträt und einer tragischen Liebesgeschichte verbindet. Im Mittelpunkt steht Doug MacRay (Affleck), der mit seiner Gang im Bostoner Stadtteil Charlestown Banken und Geldtransporter überfällt. Als die Gruppe bei einem Überfall die Filialleiterin Claire Keesey (Rebecca Hall) als Geisel nimmt, gerät Doug in einen Konflikt, der sein gesamtes Leben infrage stellt: Er verliebt sich in die Frau, die eigentlich nichts über seine kriminelle Vergangenheit erfahren darf. Gleichzeitig sitzt ihm FBI-Agent Frawley (Jon Hamm) im Nacken, während sein unberechenbarer Komplize Jem (Jeremy Renner) zunehmend zur Gefahr wird. Die Konstellation ist nicht neu, doch Affleck versteht es, aus vertrauten Zutaten einen ausgesprochen wirkungsvollen Thriller zu formen. Besonders stark ist die Verankerung der Geschichte in Charlestown. Das Viertel erscheint nicht bloß als Kulisse, sondern als engmaschige Gemeinschaft, in der familiäre Bindungen, Loyalität und kriminelle Traditionen kaum voneinander zu trennen sind. Doug kennt praktisch keinen Ausweg aus einer Welt, in die er hineingeboren wurde und deren Regeln er verinnerlicht hat. Sein Wunsch nach einem Neuanfang wirkt deshalb nachvollziehbar, ohne dass der Film seine Verbrechen verharmlost. Zwar greift das Drehbuch dabei auf bekannte Motive zurück - den Kriminellen mit Gewissen, die verhängnisvolle Liebe und den letzten großen Coup -, doch die sorgfältige Milieuschilderung verleiht ihnen genug Gewicht. Roger Ebert lobte insbesondere die Fähigkeit des Films, beim Publikum echte Anspannung für seine Figuren zu erzeugen, merkte aber auch an, dass die Charakterentwicklung nicht durchgehend mit der effektiven Thrillerhandlung mithalten kann.

Auch darstellerisch überzeugt der Film. Affleck spielt Doug zurückhaltend und mit einer gewissen emotionalen Verschlossenheit. Das passt zur Figur, lässt sie stellenweise aber etwas blass wirken. Rebecca Hall verleiht Claire Wärme und Glaubwürdigkeit; ihre Figur ist mehr als bloß das romantische Gegenstück zum Gangster, auch wenn die Liebesgeschichte gelegentlich arg schnell voranschreitet. Den stärksten Eindruck hinterlässt Jeremy Renner als Jem. Seine Mischung aus Loyalität, Aggression und unberechenbarer Gewalt macht ihn zum eigentlichen Pulverfass der Gang. Jon Hamm bringt als FBI-Agent die nötige Beharrlichkeit mit, während Pete Postlethwaite als krimineller Strippenzieher Fergus Colm eine unangenehm joviale Bedrohlichkeit ausstrahlt. Chris Cooper und Blake Lively ergänzen das Ensemble, auch wenn ihre Rollen weniger Raum zur Entfaltung bekommen. Die Besetzung sorgt dafür, dass selbst vertraute Figurenkonstellationen lebendig bleiben. Seine größte Stärke zeigt "The Town" in der Inszenierung der Überfälle. Affleck baut die Spannung mit klarer räumlicher Orientierung, präzisem Timing und einer angenehm handfesten Inszenierung auf. Maskierungen, Fluchtwege und die nervöse Dynamik zwischen den Beteiligten verleihen den Raubzügen eine greifbare Intensität. Besonders die Verfolgungsjagden und Schusswechsel sind mitreißend, ohne im hektischen Schnitt unübersichtlich zu werden. Kameramann Robert Elswit fängt Boston und seine Straßen in einer nüchternen, rauen Bildsprache ein, die gut zum sozialen Umfeld der Figuren passt. Schnitt und Sounddesign unterstützen die Spannung wirkungsvoll; auch der Score setzt Akzente, ohne die Szenen emotional zu überladen. Der Film beweist hier ein sicheres Gespür für Rhythmus und Atmosphäre.

Ganz frei von Schwächen ist das Ganze allerdings nicht. Die Handlung nimmt einige dramaturgische Abkürzungen, und die Beziehung zwischen Doug und Claire entwickelt sich mitunter zu bequem für eine Geschichte, in der Vertrauen und Täuschung zentrale Rollen spielen. Auch die Vorstellung, dass Doug sich ausgerechnet durch die Nähe zu seinem früheren Opfer aus seinem Milieu lösen könnte, wird eher romantisch zugespitzt als psychologisch konsequent ausgearbeitet. Manche Nebenfiguren bleiben funktional, während der Film seine Gangster gelegentlich stärker mystifiziert, als es die Härte ihrer Taten rechtfertigen würde. Zudem ist der Konflikt zwischen Doug und Jem deutlich interessanter als die vergleichsweise konventionelle Jagd des FBI. Der Guardian hob in seiner positiven Besprechung die Energie der Regie, die starken Darsteller und die gelungenen Actionsequenzen hervor; zugleich zeigen andere Kritiken, dass der Film seine Genreklischees nicht immer überwindet. Inhaltlich geht es um Herkunft, Loyalität und die Frage, ob man sich tatsächlich von seiner Vergangenheit lösen kann. Charlestown steht für eine Gemeinschaft, die Schutz bietet und zugleich gefangen hält. Doug muss entscheiden, ob seine Verbundenheit zu Jem und die unausgesprochenen Regeln seines Umfelds schwerer wiegen als der Wunsch nach einem anderen Leben. Der Film macht daraus kein tiefschürfendes Sozialdrama, besitzt aber genügend Gespür für die Widersprüche seiner Figuren, um über den reinen Nervenkitzel hinauszugehen. Dass er dabei nicht jede moralische Frage auslotet und sich gelegentlich in Gangsterromantik verliert, verhindert den ganz großen Wurf.

Aber letztlich ist "The Town" ein hervorragend inszenierter und über weite Strecken hochspannender Kriminalfilm, der mit einem starken Ensemble, präzise choreografierten Raubüberfällen und einem überzeugend gezeichneten Milieu punktet. Die Geschichte bleibt in Teilen vorhersehbar, und nicht alle Figuren erhalten die nötige Tiefe. Doch Afflecks Gespür für Tempo, Atmosphäre und Darsteller macht aus dem vertrauten Stoff weit mehr als routinierte Genrekost. Ein paar dramaturgische Schwächen verhindern die Höchstwertung, am Ende steht aber ein moderner Gangsterthriller, der lange nachwirkt und Afflecks Talent als Regisseur eindrucksvoll bestätigt.

8/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: Legendary Pictures/GK Films/Thunder Road/Warner Bros. Pictures

Time Cut (2024)

https://www.imdb.com/de/title/tt14857528/
https://letterboxd.com/film/time-cut/

Lucy Field (Madison Bailey) hat ihre Schwester Summer (Antonia Gentry) nie kennen gelernt: Vor zwanzig Jahren wurden sie und drei weitere Teenager von einem maskierten Killer brutal ermordet. Durch ein unerklärliches Phänomen gerät Lucy eines Tages in einen Zeitwirbel, der sie zurück ins Jahr 2003 katapultiert – und zwar exakt in die Woche, in der die Morde verübt wurden. Nachdem die Jugendliche begriffen hat, wo – oder besser gesagt: wann – sie sich befindet, fasst sie einen Entschluss: Sie will Summer und die anderen Opfer vor dem schrecklichen Schicksal, das ihnen droht, bewahren. Doch dazu muss Lucy die vier erst einmal davon überzeugen, dass sie eine Besucherin aus der Zukunft ist. Dann wäre natürlich irgendwie dem Mörder ins Handwerk zu pfuschen, dessen Identität nie geklärt werden konnte. Nicht zuletzt würde Lucy irgendwann auch gern wieder in ihre eigene Zeit zurückreisen - und all das, ohne durch ihr Eingreifen das Raum-Zeit-Kontinuum völlig durcheinander zu bringen.

"Time Cut" kombiniert Teenie-Slasher und Zeitreisegeschichte, verschenkt dabei aber eine durchaus reizvolle Grundidee. Die Schülerin Lucy Field (Madison Bailey) landet unfreiwillig im Jahr 2003 – wenige Tage bevor ihre ältere Schwester Summer (Antonia Gentry) von einem maskierten Killer ermordet werden soll. Lucy versucht, die Tat zu verhindern und damit ihre Familiengeschichte zu verändern. Das verspricht einen spannenden Mix aus Zeitreiseparadoxien, Slasher-Horror und 2000er-Nostalgie, bleibt erzählerisch jedoch erstaunlich einfallslos. Madison Bailey wirkt als Lucy blass und kann den inneren Konflikt ihrer Figur nur bedingt vermitteln. Antonia Gentry bringt als Summer etwas mehr Leben in die Geschichte, doch die Nebenfiguren bleiben weitgehend austauschbar. Die Dialoge sind häufig hölzern, emotionale Momente wirken aufgesetzt und die Beziehungen zwischen den Figuren entwickeln kaum echte Tiefe. Dadurch fehlt dem Film ein überzeugendes Zentrum, das über seine konstruierten Genreideen hinausgeht.

Auch inszenatorisch bleibt vieles auf Routine-Niveau. Die Mode, Musik und Ausstattung sollen das Jahr 2003 wiederaufleben lassen, wirken aber eher wie eine Ansammlung nostalgischer Klischees. Der Slasher-Anteil enttäuscht zusätzlich: Die Morde sind wenig kreativ, der Killer entwickelt kaum bedrohliche Präsenz und eine wirklich unheimliche Atmosphäre kommt nicht auf. Statt Spannung aufzubauen, arbeitet der Film seine Pflichtstationen ab. Die Regeln der Zeitreise werden zudem nicht konsequent durchdacht, während die möglichen Folgen von Lucys Eingriffen in die Vergangenheit nur oberflächlich behandelt werden. Gerade der Konflikt zwischen der Rettung ihrer Schwester und den Konsequenzen für die eigene Existenz hätte der Geschichte emotionale und dramaturgische Tiefe verleihen können. Stattdessen dominieren vorhersehbare Wendungen und ein Finale, das mehr konstruiert als überraschend wirkt.

Handwerklich ist "Time Cut" durchaus solide, aber ohne nennenswerte Höhepunkte. Ausstattung und Soundtrack liefern etwas 2000er-Flair, doch weder Kamera noch Schnitt entwickeln einen eigenen Stil. Mit rund 91 Minuten fällt der Film zwar kurz aus, wirkt angesichts seiner dünnen Handlung aber trotzdem erstaunlich uninspiriert. Im Vergleich zu "Happy Deathday" oder "Totally Killer" fehlen ihm sowohl der selbstironische Humor als auch die kreativen Einfälle, die eine ähnliche Mischung aus Horror und Zeitreise tragen könnten. Unterm Strich scheitert der Film weniger an seiner Ausgangsidee als an deren liebloser Umsetzung. Blasse Figuren, spannungsarme Morde und ein löchriges Drehbuch machen aus dem vielversprechenden Konzept einen austauschbaren Netflix-Slasher. Die nostalgische Kulisse ist letztlich kaum mehr als Dekoration. Für nebenbei reicht es, doch einen überzeugenden Horrorfilm oder eine originelle Zeitreisegeschichte sollte man nicht erwarten.

4,5/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: ACE Entertainment

Love Hurts - Love Hurts: Liebe tut weh (2025)

https://www.imdb.com/de/title/tt30788842/
https://letterboxd.com/film/love-hurts-2025/

Hinter der Fassade des unscheinbaren Vorstadtmaklers Marvin (Ke Huy Quan) verbirgt sich mehr, als man auf den ersten Blick vermutet. Sein Leben wirkt ruhig, fast langweilig, während er gepflegte Häuser in einer idyllischen Nachbarschaft verkauft. Doch diese Fassade beginnt zu bröckeln, als seine längst verdrängte Vergangenheit ihn einholt. Unerwartet taucht sein Bruder (Daniel Wu) auf, ein charismatischer, aber gefährlicher Gangsterboss, der alte Konflikte und neue Gefahren mit sich bringt. Plötzlich werden aus den friedlichen Vorstadthäusern blutige Schauplätze eines erbitterten Überlebenskampfs. Marvin bleibt keine Wahl: Er muss sich seiner Vergangenheit stellen und beweisen, dass hinter seinem gewöhnlichen Äußeren Fähigkeiten schlummern, die ihn weit mehr als nur durchschnittlich machen.

Mit "Love Hurts" gibt Ke Huy Quan nach seinem Oscar-Erfolg mit "Everything Everywhere All At Once" erneut als Actionheld Vollgas. In seinem Spielfilmdebüt erzählt Regisseur Jonathan Eusebio die Geschichte von Marvin Gable, der sich im Immobiliengeschäft ein ruhiges Leben aufgebaut hat. Doch als seine frühere Komplizin Rose (Ariana DeBose) wieder auftaucht, holt ihn seine gewalttätige Vergangenheit ein. Plötzlich muss sich der freundliche Makler mit Auftragskillern, Verrat und seinem kriminellen Bruder Knuckles (Daniel Wu) auseinandersetzen. Die Grundidee eines ehemaligen Killers, der zwischen Besichtigungsterminen wieder zur Kampfmaschine wird, bietet durchaus Potenzial - wirklich ausgeschöpft wird es allerdings nicht. Ke Huy Quan sehe ich aber gern. Er besitzt eine sympathische Ausstrahlung, bringt hier körperlichen Einsatz mit und wirkt sichtlich motiviert, seine Fähigkeiten als Martial-Arts-Darsteller zu zeigen. Gerade in den Kampfszenen blitzt auf, was für einen unterhaltsamen Actionhelden er abgeben könnte. Allerdings wird Marvin als Figur nur oberflächlich ausgearbeitet. Auch Ariana DeBose kann als Rose wenig ausrichten, da ihre Beziehung zu Marvin emotional kaum greifbar wird. Daniel Wu sorgt als bedrohlicher Gegenspieler für etwas mehr Präsenz, während die zahlreichen Nebenfiguren häufig wie wandelnde Stichwortgeber wirken.

Bei der Action zeigt "Love Hurts" immerhin gelegentlich seine Stärken. Die Choreografien sind abwechslungsreich, die Nahkämpfe angenehm direkt und einige Einfälle sorgen für kurzweilige Unterhaltung. Eusebios Erfahrung als Stuntkoordinator ist dabei durchaus erkennbar. Allerdings fehlt es vielen Sequenzen an einem überzeugenden Rhythmus und klarer Inszenierung. Statt elegant choreografierter Action entsteht teilweise ein hektisches Durcheinander, bei dem die einzelnen Treffer kaum Wirkung entfalten. Der Film möchte offenbar an die überdrehten Actionkomödien vergangener Jahrzehnte erinnern, erreicht deren spielerische Leichtigkeit aber nur selten. Auch der Humor ist Geschmackssache. Die Gegenüberstellung des freundlichen Immobilienmaklers mit seiner brutalen Vergangenheit liefert eine grundsätzlich amüsante Ausgangslage. Einzelne absurde Einfälle funktionieren durchaus, doch viele Gags wirken übertrieben oder werden zu lange ausgespielt. Der Wechsel zwischen blutiger Gewalt, Slapstick und romantischen Momenten gelingt nicht immer. Was als bewusst überdrehte Mischung gedacht ist, wirkt dadurch stellenweise eher unausgegoren als herrlich verrückt.

Aber die Handlung ist vorhersehbar, die Dialoge bleiben häufig oberflächlich und die zahlreichen Figuren erhalten kaum Gelegenheit, sich zu entwickeln. Besonders die romantische Komponente zwischen Marvin und Rose wirkt wenig überzeugend, weil Chemie und emotionale Tiefe fehlen. Auch die Auseinandersetzung mit Marvins Vergangenheit wird eher behauptet als wirklich erzählt. Mit einer Laufzeit von nur 83 Minuten ist der Film zwar angenehm kurz, trotzdem fühlt sich die Geschichte stellenweise erstaunlich zerfahren an. Optisch setzt "Love Hurts" auf knallige Farben, überzeichnete Charaktere und eine bewusst künstliche Welt. Das passt grundsätzlich zum Comic-haften Ton der Geschichte, wirkt aber nicht immer stimmig. Auch der Soundtrack unterstreicht die überdrehte Stimmung mit Nachdruck, drängt sich dabei jedoch gelegentlich zu sehr in den Vordergrund. Technisch ist das alles solide, ohne dem Film eine wirklich eigene visuelle Identität zu verleihen. Unterm Strich ist "Love Hurts" eine gut gemeinte, aber nur teilweise gelungene Actionkomödie. Ke Huy Quan bringt Charme und körperlichen Einsatz mit, und einige Kampfszenen machen durchaus Spaß. Doch schwaches Drehbuch, wenig überzeugende Figuren, flache Witze und eine unausgewogene Mischung aus Gewalt, Romantik und Humor verhindern, dass daraus mehr wird. Für einen kurzweiligen Filmabend reicht es gerade so - das verschenkte Potenzial bleibt allerdings deutlich spürbar.

5/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: 87North Productions/Universal Pictures

Tremors: A Cold Day in Hell - Tremors 6: Ein kalter Tag in der Hölle (2018)

https://www.imdb.com/title/tt6086082/
https://letterboxd.com/film/tremors-a-cold-day-in-hell/

Burt Gummer (Michael Gross) und sein Sohn Travis Welker (Jamie Kennedy) sind Raketenwurmjäger und reisen zusammen nach Kanada, um die Gerüchte über Angriffe riesiger Würmer zu überprüfen. Doch auf das, was sie mitten in der arktischen Tundra erwartet, waren selbst die erfahrenen Spezialisten nicht vorbereitet. In dem Gebiet um eine abgelegene Forschungsstation wimmelt es nur so vor Graboiden, wie die Raketenwürmer auch genannt werden, und bald muss sich das Vater-Sohn-Gespann zusammen mit einigen Überlenden gegen eine regelrechte Heerschar des überdimensionalen Wurmgetiers zur Wehr setzen. Gerade als Burt der beunruhigende Verdacht kommt, dass die Graboiden heimlich zu Waffen gemacht werden, wird er mit deren tödlichem Gift infiziert. Jetzt ist Eile geboten, denn wenn sie nicht innerhalb von 48 Stunden herausfinden, wie man einen Graboiden melkt und daraus ein Gegengift herstellen kann, ist Burts Schicksal besiegelt...

Mit "Tremors: A Cold Day in Hell" geht die Monsterfilmreihe in die sechste Runde. Diesmal verschlägt es den unverwüstlichen Burt Gummer (Michael Gross) und seinen Sohn Travis (Jamie Kennedy) in die kanadische Arktis, wo Graboids und ihre fliegenden Verwandten, die Ass-Blasters, eine Forschungsstation bedrohen. Als Burt durch das Gift der Kreaturen lebensgefährlich erkrankt, beginnt zusätzlich ein Wettlauf gegen die Zeit. Das eisige Setting verspricht frischen Wind, doch im Kern bleibt alles beim alten Muster. Michael Gross beherrscht Burts Mischung aus Waffenfanatismus, Misstrauen und trockenem Humor erneut sicher und hält den Film mit seiner Präsenz zusammen. Jamie Kennedy sorgt als Travis für die gewohnten Sprüche, doch die Vater-Sohn-Dynamik wirkt zunehmend routiniert. Auch die Nebenfiguren bleiben blass und bekommen kaum Gelegenheit, einen bleibenden Eindruck zu hinterlassen. 

Der Schauplatz hätte einiges zu bieten: Schnee, Eis und eine abgelegene Forschungsstation könnten für klaustrophobischen Monsterhorror sorgen. Leider nutzt die Inszenierung diese Möglichkeiten kaum. Die künstlich wirkende Umgebung trägt wenig zur Atmosphäre bei, zumal der Film größtenteils in Südafrika gedreht wurde - wo es nun weit entfernt von "kalt" ist. Regisseur Don Michael Paul liefert solide Genre-Routine, aber wenig Spannung oder visuelle Eigenständigkeit. Auch die Kreaturen sorgen für gemischte Gefühle. Die Angriffe liefern ein paar unterhaltsame und blutige Momente, doch die computergenerierten Graboids wirken häufig wenig überzeugend. Der Charme der handgemachten Effekte früherer Teile fehlt. Das Drehbuch macht es nicht besser: Neben der Monsterbedrohung werden eine mögliche Waffenforschung und Burts Vergiftung eingeführt, ohne dass alle Handlungsstränge wirklich überzeugend zusammenfinden. Vorhersehbare Wendungen und reichlich platte Dialoge bremsen zusätzlich den Spaß. Sobald die Würmer angreifen, kommt endlich mal Bewegung in die Handlung; dazwischen ziehen sich die Szenen mit den wenig interessanten Figuren. Musik und Schnitt erfüllen ihren Zweck, bleiben aber ebenso wenig im Gedächtnis wie die Geschichte selbst. Für Fans gibt es immerhin vertraute Monster-Action und einige Momente, die an den ursprünglichen Reiz der Reihe erinnern.

Doch unterm Strich ist "Tremors: A Cold Day in Hell" eine uninspirierte Fortsetzung, die aus ihrem ungewöhnlichen Schauplatz zu wenig macht. Michael Gross hält die Stellung und einzelne Kreaturenattacken unterhalten durchaus, doch schwache Dialoge, blasse Nebenfiguren und mäßige Effekte überwiegen. Für einen anspruchslosen Monsterfilmabend reicht es gerade noch - von einer Reihe, die mit ihrem Original so viel Charme bewiesen hat, darf man allerdings mehr erwarten.

3,5/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: Universal 1440 Entertainment

Whalefall (2026)

https://www.imdb.com/de/title/tt28535715/
https://letterboxd.com/film/whalefall/

Nach dem Tod seines Vaters (Josh Brolin) reist Jay Gardiner (Austin Abrams) an die Pazifikküste, um nach dessen sterblichen Überresten zu suchen. Während eines Tauchgangs gerät seine Mission jedoch völlig außer Kontrolle: Zunächst wird er von einem Riesenkalmar erfasst, der kurz darauf selbst einem gewaltigen Pottwal zum Opfer fällt. Jay überlebt den Angriff, findet sich jedoch zu seinem Entsetzten im Inneren des riesigen Meeressäugers wieder. Mit einem begrenzten Sauerstoffvorrat beginnt für ihn ein Wettlauf gegen die Zeit, denn ihm bleibt nur etwa eine Stunde, um einen Ausweg zu finden. In der lebensbedrohlichen Situation muss Jay auf alles zurückgreifen, was ihm sein Vater einst beigebracht hat. Die Erinnerungen an dessen harte Lektionen könnten seine einzige Chance sein, den Kampf ums Überleben zu gewinnen und dem Wal lebend zu entkommen...

Was zunächst wie eine völlig absurde Überlebensgeschichte klingt, entwickelt sich in "Whalefall" zu einem klaustrophobischen Wettlauf gegen die Zeit. Regisseur Brian Duffield, der bereits mit "No One Will Save You" sein Gespür für ungewöhnliche Genrestoffe bewiesen hat, verfilmt den gleichnamigen Roman von Daniel Kraus. Im Mittelpunkt steht Jay Gardiner (Austin Abrams, der nach "Resident Evil" und "Weapons" wohl der Newcomer ist, den man im Auge behalten sollte), der nach dem Tod seines Vaters Mitt (Josh Brolin) vor der kalifornischen Küste nach dessen Überresten sucht. Doch während seines Tauchgangs wird Jay von einem gewaltigen Pottwal verschluckt. Mit nur noch einer Stunde Sauerstoff beginnt ein verzweifelter Kampf ums Überleben - und gleichzeitig eine Auseinandersetzung mit der schwierigen Beziehung zu seinem Vater. Keine Frage: die ungewöhnliche Ausgangslage ist der größe Pluspunkt des Films und es ist eine, die Duffield erstaunlich ernst nimmt. Statt sich auf eine bloße Aneinanderreihung spektakulärer Gefahren zu verlassen, verbindet "Whalefall" den Überlebenskampf mit einer persönlichen Geschichte über Trauer, Schuld und eine komplizierte Vater-Sohn-Beziehung. Die Rückblicke auf Mitt geben Jays Situation eine emotionale Dimension, ohne den eigentlichen Überlebenskampf vollständig aus dem Blick zu verlieren. Allerdings folgt die Entwicklung dieser Beziehung teilweise vertrauten Mustern. Manche Erkenntnisse und emotionalen Wendungen sind früh absehbar, wodurch die Geschichte nicht immer dieselbe Originalität besitzt wie ihre Grundidee.

Austin Abrams trägt den Film mit einer bemerkenswert körperlichen Leistung. Er vermittelt Panik, Erschöpfung und Verzweiflung überzeugend und macht Jays Kampf dadurch unmittelbar nachvollziehbar. Da die Geschichte weitgehend auf ihn konzentriert ist, muss Abrams einen Großteil der emotionalen und körperlichen Belastung allein tragen – und das gelingt ihm überwiegend sehr gut. Josh Brolin ergänzt ihn in den Rückblenden als harter, schwieriger Vater, dessen Verhältnis zu seinem Sohn von unausgesprochenen Konflikten geprägt ist. Auch Elisabeth Shue und die übrige Besetzung tragen zur familiären Vorgeschichte bei, bleiben angesichts des begrenzten Raums für Nebenfiguren jedoch zwangsläufig im Hintergrund. Inszenatorisch nutzt Duffield das ungewöhnliche Szenario, um ein Gefühl permanenter Beklemmung zu erzeugen. Die Enge im Inneren des Wals, Jays eingeschränkte Bewegungsfreiheit und der unaufhaltsam schwindende Sauerstoffvorrat sorgen für eine klaustrophobische Atmosphäre. Dabei setzt der Film nicht ausschließlich auf klassische Schockmomente, sondern auch auf die Vorstellung, in einer gewaltigen, fremden Umgebung vollkommen hilflos zu sein. Gerade diese Mischung aus körperlicher Gefahr und existenzieller Angst macht "Whalefall" zu einem intensiven Erlebnis. Wer allerdings unter ausgeprägter Klaustrophobie leidet, dürfte sich mit einigen Szenen schwer tun.

Auch technisch kann der Film überzeugen. Die Gestaltung des Walinneren und die visuellen Effekte schaffen eine fremdartige Welt, die gleichermaßen faszinierend und abstoßend wirkt. Besonders die Verbindung von organischen Oberflächen, schleimigen Strukturen und den Bewegungen des gewaltigen Tieres sorgt für eindrucksvolle Bilder. Die Soundgestaltung ist dabei ein wesentlicher Bestandteil der Wirkung: Knarzende Geräusche, dumpfe Bewegungen und die akustische Präsenz des Meerestiers verstärken das Gefühl, in einem lebenden Organismus gefangen zu sein. Der Score von Joseph Trapanese unterstützt sowohl die Spannung als auch die emotionalen Momente, ohne die Szenen permanent mit Musik zu überfrachten. Die handwerkliche Umsetzung gehört damit zu den überzeugendsten Aspekten des Films. Beim Spannungsaufbau profitiert "Whalefall" von seinem klaren Zeitlimit. Jede Entscheidung kann über Leben und Tod entscheiden, und der Film schafft es über weite Strecken, diesen Druck aufrechtzuerhalten. Gleichzeitig muss er seine zentrale Situation immer wieder variieren, damit der Überlebenskampf nicht eintönig wird. Nicht jede Komplikation wirkt dabei gleichermaßen glaubwürdig, und manche Wendungen erscheinen eher dramaturgisch notwendig als wirklich organisch. Auch die Balance zwischen realistischem Survival-Thriller und emotionalem Familiendrama gerät gelegentlich ins Schwanken. Trotzdem bleibt der Film über weite Strecken packend und findet immer wieder eindrucksvolle Bilder für Jays ausweglose Lage.

Thematisch geht es letztlich um mehr als die Flucht aus dem Inneren eines Wals. Jay muss sich mit dem Erbe seines Vaters auseinandersetzen und erkennen, welche seiner Lektionen ihm tatsächlich helfen können. Dabei stellt der Film die Frage, wie sehr uns schwierige Beziehungen prägen und ob wir aus schmerzhaften Erfahrungen etwas mitnehmen können, ohne die Fehler der vorherigen Generation zu wiederholen. Diese Ebene verleiht der Geschichte emotionale Tiefe, wird jedoch gelegentlich etwas zu deutlich ausformuliert. Wo die Bilder und die Situation bereits für sich sprechen, unterstreicht das Drehbuch seine Botschaft mitunter unnötig nachdrücklich. Unterm Strich ist "Whalefall" ein ungewöhnlicher und handwerklich überzeugender Survival-Thriller, der aus einer extremen Situation ein ebenso körperliches wie emotionales Kinoerlebnis macht. Austin Abrams überzeugt mit einer intensiven Hauptrolle, die klaustrophobische Inszenierung ist wirkungsvoll und Sounddesign sowie Effekte sorgen für eine bemerkenswerte immersive Wirkung. Allerdings folgt die Vater-Sohn-Geschichte teilweise bekannten Mustern, und nicht jede Wendung hält der ungewöhnlichen Prämisse stand. Für einen wirklich herausragenden Film fehlt es dem Drehbuch an etwas mehr erzählerischer Konsequenz. Trotzdem bleibt "Whalefall" ein spannender, visuell eindrucksvoller Genrefilm, der seine eigenwillige Idee ernst nimmt und daraus mehr macht als bloß ein absurdes Monsterabenteuer.

7/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: Imagine Entertainment/20th Century Studios/Jurassic Party

Virus - Virus: Schiff ohne Wiederkehr (1999)

https://www.imdb.com/de/title/tt0120458/
https://letterboxd.com/film/virus-1999/

Der amerikanische Schleppkutter "Sea Star" gerät in einen Sturm und wird schwer beschädigt. Während der Reparaturarbeiten stößt die Besatzung um Captain Everton (Donald Sutherland) auf ein verlassenes, russisches Satellitenüberwachungsschiff und beschließt an Bord zu gehen - immerhin stehen ihnen nach internationalem Seerecht für die Bergung des Schiffes rund zehn Prozent seines Wertes zu. Doch ihre Entscheidung erweist sich als folgenschwerer Fehler: Kaum sind der Maschinist Steve Baker (William Baldwin) und die Navigationsoffizierin Kelly Foster (Jamie Lee Curtis) an Bord des Geisterschiffes, wird die "Sea Star" mitsamt zweier Crewmitglieder vom Ozean verschluckt. Ihnen wird klar, dass sie nicht alleine sind. Eine fremde Lebensform hat die Kontrolle über das Schiff übernommen und sieht in der Menschheit nichts weiter als einen lästigen Virus, der ausgemerzt werden muss...

"Virus" ist einer dieser typischen Sci-Fi-Horrorfilme der späten 90er, die deutlich mehr Wert auf spektakuläre Effekte, düstere Schauplätze und ordentliches Monsterkino legen als auf eine besonders ausgefeilte Geschichte. Die Handlung schickt eine Bergungsschlepper-Crew während eines Taifuns auf ein verlassenes russisches Forschungsschiff. Dort entdecken sie eine außerirdische Lebensform, die Elektrizität als Lebensgrundlage nutzt und aus menschlichen Körpern und Maschinenteilen eine eigene Armee erschafft. Die Mischung aus Science-Fiction, Horror und Action ist dabei ziemlich offensichtlich von "Alien", "Terminator" und ähnlichen Genrevorbildern beeinflusst und besitzt deutliche Parallelen zu "Octalus". Ja - die Geschichte ist sicher nicht die große Stärke des Films. Das Drehbuch von Chuck Pfarrer und Dennis Feldman arbeitet mit bekannten Motiven und entwickelt seine Bedrohung relativ geradlinig. Die Idee einer außerirdischen Intelligenz, die Technik und menschliche Körper miteinander verschmilzt, besitzt allerdings durchaus Reiz. Besonders die Verbindung von organischen und mechanischen Elementen verleiht dem Monsterkonzept eine eigene Note. Schade ist nur, dass der Film daraus kaum mehr als eine klassische "Überlebende gegen Monster"-Geschichte macht. Die zeitweise interessanten Ansätze werden zugunsten von Verfolgungsjagden und Action schnell wieder beiseitegeschoben.

Deutlich besser funktioniert die Inszenierung. Regisseur John Bruno, der zuvor vor allem als Spezialeffektkünstler gearbeitet hatte, schafft eine schön dreckige und klaustrophobische Atmosphäre. Das verlassene Schiff, die dunklen Gänge, der permanente Sturm und die vielen technischen Elemente geben dem Film genau den richtigen Look für ein 90er-Jahre-Sci-Fi-Abenteuer. Kameramann David Eggby arbeitet viel mit Schatten und begrenzten Lichtquellen, während Joel McNeelys wuchtiger Score die Bedrohung zusätzlich unterstreicht. Allerdings ist der Film teilweise tatsächlich so dunkel, dass manche Szenen eher schwer zu erkennen als atmosphärisch wirken. Das eigentliche Highlight sind die Spezial- und Kreaturen-Effekte. Hier merkt man Brunos Erfahrung sofort. Die biomechanischen Kreaturen, Roboterwesen und grotesken Körpermaschinen gehören zu den interessantesten Elementen des Films und wirken auch heute noch teilweise erstaunlich kreativ. Gerade aus heutiger Sicht besitzen die handgemachten Effekte einen gewissen Charme, weil sie noch stark auf praktische Konstruktionen, Masken und Modelle setzen. Auch die Besetzung ist besser, als das Drehbuch es manchmal verdient. Jamie Lee Curtis funktioniert als taffe und entschlossene Kit Foster überzeugend und bringt die nötige Genre-Erfahrung mit. William Baldwin bleibt als Steve Baker eher blass, während Donald Sutherland als skrupelloser Kapitän Robert Everton sichtbar Spaß daran hat, einen egoistischen und zunehmend besessenen Charakter zu spielen. Joanna Pacula bekommt als Nadia ebenfalls einige gute Momente. Variety bescheinigte Curtis und Pacula trotz der dünnen Rollen ausdrücklich überzeugende Leistungen.

Beim Spannungsaufbau schwankt "Virus" allerdings deutlich. Die ersten Minuten mit dem Sturm und der Entdeckung des verlassenen Schiffes funktionieren noch richtig gut. Sobald die Bedrohung etabliert ist, verwandelt sich der Film jedoch zunehmend in eine Abfolge aus Rennen, Schießen, Verstecken und Monsterangriffen. Wirklich überraschend ist dabei wenig. Trotzdem würde ich "Virus" heute etwas positiver beurteilen. Der Film ist sicher kein unterschätztes Meisterwerk und erzählerisch teilweise ausgesprochen dünn. Aber als unkomplizierter Sci-Fi-Horror mit starker Ausstattung, ordentlichen Darstellern, einer gelungenen düsteren Atmosphäre und teilweise wirklich coolen Creature-Designs funktioniert er erstaunlich gut. Wer mit 90er-Jahre-Genre-Kino etwas anfangen kann und keine innovative Geschichte erwartet, bekommt zumindest solide Unterhaltung.

6,5/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: Universal Pictures/Mutual Film Company/Dark Horse Entertainment/Valhalla Motion Pictures/UGC PH/BBC Film/Marubeni/TOHO-TOWA/Tele München

リング0 バースデイ - Ringu Zero: Bāsudei - Ring 0: Birthday - Ring 0 (2000)

https://www.imdb.com/title/tt0235712/
https://letterboxd.com/film/ring-0/

30 Jahre vor den Ereignissen von "Ring" lebt die junge Sadako Yamamura (Yukie Nakama) zurückgezogen und versucht, als Schauspielerin in einer Theatergruppe Fuß zu fassen. Als eine Hauptdarstellerin unter mysteriösen Umständen stirbt, übernimmt Sadako ihre Rolle. Gleichzeitig häufen sich im Umfeld des Ensembles unerklärliche Ereignisse und weitere Todesfälle. Nur der Toningenieur Hiroshi Toyama (Seiichi Tanabe) glaubt an Sadakos Unschuld und entwickelt Gefühle für sie. Währenddessen untersucht die Journalistin Akiko Miyaji (Yoshiko Tanaka) Sadakos Vergangenheit und die übersinnlichen Kräfte ihrer Mutter Shizuko Yamamura (Masako). Schon bald gerät Sadako selbst ins Zentrum einer tödlichen Spirale aus Angst, Misstrauen und übernatürlichen Ereignissen. 

Mit "Ring 0" wagt sich die japanische "Ring"-Reihe zurück zu den Ursprüngen ihrer wohl bekanntesten Figur. Die Vorgeschichte erweitert damit die Mythologie, erzählt aber bewusst eine deutlich geradlinigere Geschichte als die Vorgänger. Das Interessante daran ist zunächst der Perspektivwechsel: Aus dem nahezu übermenschlichen Schrecken der ersten Filme wird eine junge Frau mit Verletzlichkeit, Isolation und einer tragischen Beziehung zu ihrer eigenen Vergangenheit. Yukie Nakama spielt Sadako entsprechend zurückhaltend und verleiht ihr eine überraschend menschliche Seite. Auch Seiichi Tanabe als Hiroshi Toyama funktioniert als emotionaler Gegenpol. Gleichzeitig bleiben viele Figuren der Theatergruppe relativ schematisch, wodurch das Drama nicht die gewünschte Tiefe erreicht.

Atmosphärisch geht "Ring 0" einen anderen Weg. Statt der beklemmenden Alltagsangst und des technologischen Unbehagens von Hideo Nakatas "Ring" setzt Tsuruta stärker auf klassische Mystery- und Theaterhorror-Elemente. Bühne, Probenräume, Gerüchte und merkwürdige Todesfälle liefern durchaus brauchbares Material, doch die Inszenierung ist wesentlich weniger verstörend. Gerade im Vergleich zum ersten Film fehlt häufig jene stille, unterschwellige Bedrohung, die den Schrecken von Sadako ursprünglich so wirkungsvoll machte. Auch das Drehbuch von Hiroshi Takahashi hat Licht und Schatten. Positiv ist, dass der Film versucht, Sadako nicht einfach als eindimensionale Horrorfigur zu behandeln, sondern ihre Geschichte emotionaler zu erzählen. Gleichzeitig wirken einige Wendungen konstruiert und die Erklärung ihrer Vergangenheit nimmt dem Mythos teilweise das Geheimnisvolle. Mehrere Kritiken bemängeln genau diese Entscheidung und sehen in der Vorgeschichte eher eine Abschwächung als eine Vertiefung der ursprünglichen Mythologie.

Handwerklich ist der Film durchaus solide. Kamera und Ausstattung erzeugen besonders im Theatermilieu einige schöne, düstere Bilder, während Musik und Sounddesign die Spannung unterstützen. Die Effekte sind nicht das Problem - vielmehr fehlt es vielen Szenen an Intensität. Erst im letzten Abschnitt zieht der Horror spürbar an und liefert einige wirklich gelungene Momente. Thematisch funktioniert "Ring 0" deshalb am besten als tragische Charakterstudie und weniger als klassischer J-Horror. Einsamkeit, Ausgrenzung, Misstrauen und die Angst vor dem eigenen Anderssein stehen stärker im Vordergrund als der Schrecken des unbekannten Fluchs. Das macht Sadako interessanter, nimmt ihrer Figur aber gleichzeitig einen Teil ihrer ursprünglichen Unheimlichkeit. Unterm Strich ist "Ring 0" eine durchaus interessante Ergänzung der Reihe, die ihrer Hauptfigur mehr Hintergrund und Menschlichkeit gibt. Als Horrorfilm bleibt er jedoch deutlich hinter "Ring" und "Ring 2" zurück: zu geradlinig, stellenweise zu langsam und insgesamt nicht unheimlich genug. Die solide Inszenierung, Yukie Nakamas überzeugende Darstellung und einige starke Momente im letzten Drittel reichen für einen ordentlichen, aber nicht herausragenden Abschluss der ursprünglichen "Ring"-Trilogie.

6/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: Ring 0 Production Group