Project Hail Mary - Der Astronaut: Project Hail Mary (2026)

https://www.imdb.com/de/title/tt12042730/

Ryland Grace (Ryan Gosling) erwacht an Bord eines Raumschiffs - weit entfernt von der Erde und ohne jede Erinnerung an seine Identität oder den Grund seiner Mission. Bruchstückhaft kehren seine Erinnerungen zurück. Er erkennt, dass er eine zentrale Rolle in einem Wettlauf gegen die Zeit spielt: Eine rätselhafte Substanz bedroht die Sonne und damit das Überleben der Menschheit. Um eine globale Katastrophe zu verhindern, setzt Grace sein naturwissenschaftliches Wissen ein und entwickelt ungewöhnliche Lösungsansätze. Während seiner Reise stößt er auf eine überraschende Verbindung, die ihm zeigt, dass er in seinem Kampf möglicherweise nicht auf sich allein gestellt ist.

"Der Astronaut"/"Project Hail Mary" nimmt Andy Weirs gleichnamigen Roman von 2021 und macht daraus einen kosmischen Abenteuerfilm, der ein bisschen wie "Der Marsianer" denkt. Er ist clever, witzig und durch und durch optimistisch, und wird mit Phil Lord und Christopher Miller im Regiestuhl kein ehrfürchtig-schwerer Weltraumopferfilm, sondern eine vergnügt-melancholische Buddy-Komödie über den vielleicht einsamsten Mann im Universum und seinen besten Freund - ein spinnenartiges Alien mit dem Spitznamen Rocky. "Der Astronaut" ist darüber hinaus einer jener Science-Fiction-Filme, die eigentlich alles falsch machen dürften - eine anfänglich etwas seltsame, einsame Person, eine sehr lange Laufzeit, viel Technobabbel - und dabei doch eine erstaunlich lebendige, warmherzige Erfahrung liefern. Es ist kein düsterer "Interstellar", sondern ein angenehmer zweieinhalbstündiger Ritt, in dem ein einsamer Biologe die Menschheit rettet, indem er mit einem außerirdischen Kumpel bastelt und lacht - all das getragen von Ryan Goslings unwiderstehlichem Charme. 

Er spielt Ryland Grace, einen Highschool-Lehrer und genialen Molekularbiologen, der aus einem Koma aufwacht - allein auf einem Raumschiff, Lichtjahre von der Erde entfernt, mit zwei toten Crewmitgliedern und Erinnerungen, die mit "löchrig" positiv genug beschrieben sind. Die Sonne unseres Sonnensystems stirbt, Sterne erlöschen und die Erde droht einzufrieren - aufgrund von "Astrophagen“. Diese außerirdischen Mikroorganismen, welche der Hitze der Sonne widerstehen, bilden eine Infrarotlinie zwischen Sonne und Venus, die sogenannte Petrova-Linie. Grace' Mission: die Ursachen finden und eine Lösung entwickeln, irgendwo am Rande des Sonnensystems. Rückblenden (mit Sandra Hüller als knallharter Projektleiterin Eva Stratt) erzählen von der Forschung, der Rekrutierung, dem Wettrennen gegen die Zeit - alles, ohne jemals langweilig zu werden. Das hat "Der Astronaut" vor allem Ryan Gosling zu verdanken. Er spielt Grace als Mischung aus Klassenclown, Nerd und im Grunde sehr müdem, einsamen Mann, ein schräger, unrasierter und etwas verpeilten Everyman, der vor Angst witzelt, vor Druck tanzt und trotz Einsamkeit strahlt - ein irgendwie "charismatischer "Space Bro", dem man sofort ins Herz schließt. Ein Held, der keine Superwaffe hat, nur Neugier, Hartnäckigkeit und einen trocken-ironischen Humor. 

Der Clou kommt mit Rocky, dem spinnenartigen Alien-Buddy: er ist dabei mehr als nur Sidekick oder Gimmick. Sein Design - eine asymmetrische, steinige, mehrarmige CGI-Figur (mit Herz), die in einer dichten Atmosphäre in seinem eigenen Modul lebt - ist bewusst weit entfernt vom humanoiden Standard, gleichzeitig aber durch Mimik, Gesten und Klang angenehm empathisch inszeniert; er pfeift, quietscht, hilft beim Reparieren, und die beiden "sprechen" via Posen und mit Hilfe einer mühsam selbst aufgebauten Computerstimme. Es ist "E.T." als intergalaktische Sitcom, herzerwärmend und urkomisch, mit Umarmungen, die kitschig wirken, aber wunderbar funktionieren. Und das ist Stärke und Limit zugleich: Rocky wird zur idealisierten Buddy-Figur, mit Familie, (evntl. Kindern) und klaren Motiven, aber die Chance, Erstkontakt wirklich fremd und verstörend zu denken, wird bewusst auf Kosten eines "Feel-Good"- Effekts geopfert - was man dem Film aber auch sofort verzeiht. Lord und Miller legen die Beziehung der beiden sehr offen als Freundschaftsfilm an: Sie entwickeln gemeinsam eine Sprache, essen gemeinsam (zumindest so, wie dies in ihren jeweiligen Biosphären durchgeht), streiten, lachen, und retten sich gegenseitig das Leben. Inmitten des Weltuntergangs entsteht so eine beschwingte Buddy-Komödie - und genau diese Entscheidung macht den Film zugänglich und emotional, auch wenn sie das philosophische Potenzial des Stoffes etwas zähmt. 

Der Film stolpert allerdings in seiner zweieinhalbstündigen Laufzeit etwas über seine nicht-lineare Struktur: Gegenwart im All, Rückblenden zur Erde, die nach und nach erklären, wie Grace hier gelandet ist, reißen einen oftmals aus der warmen Decke, in die man sich als Zuschauer eingekuschelt hat, und holen einen wortwörtlich auf die Erde zurück. Dennoch wird die Exposition gut ausbalanciert: Die Szenen auf einer sterbenden Erde mit Stratt, die eine globale Koalition mit drastischen Mitteln durchsetzt, stehen in Kontrast zur stillen Isolation von Grace und Rocky im All. Gleichzeitig spürt man ein paar kleinere Längen. Das mehrfach hinausgezögerte Ende erweckt bald das Gefühl, dass hier ein stärkerer, kürzerer Film in einem zu langen steckt.

Lord und Miller versuchen hier das beinahe Unmögliche: Hard-Sci-Fi (Astrophysik, Biologie, Docking-Manöver) verknüpft mit Popcorn-Spaß und visuellen Gags, die an "WALL-E" erinnern und Spannung wie in "Gravity" halten. Visuell setzen sie auf die Expertise von Greig Fraser, dessen Arbeit an "Dune" zu Recht viel Lob bekommen hat. Seine VFX sind spektakulär - Raumschiff-Internas, Alienschiff, kosmische Manöver - und das alles trotzdem irgendwo nicht zu übertrieben und solide geerdet. Praktische Sets für das Schiff, überzeugende Schwerelosigkeit (wenn auch nicht immer auf Cuarón-Niveau), in Tau-Ceti-Orbit-Sequenzen, die Fraser erneut als Meister des Hell-Dunkel-Kontrasts zeigen. Der Score bleibt hinter dem ikonischen Druck anderer Space-Filme zurück, erfüllt aber zuverlässig seine Funktion: Er unterstützt vor allem die Freundschaftsmomente und den Humor; durchaus passender Ansatz für einen Film, der sich dem Weltraum nicht als Horrorort, sondern als Bühne für Kooperation nähert. Die Musikauswahl ist wild, aber passend. Weir-Verfilmungen leben ja davon, dass sie echte Wissenschaft in zugängliche Rätsel verwandeln, und "Der Astronaut" setzt das nach "Der Marsianer" konsequent fort: Grace löst Probleme, indem er Biologie, Chemie und Astrophysik anwendet, rechnet an Whiteboards, testet Hypothesen, scheitert, testet neu. Echte Wissenschaft und Problemlösung mit viel Herz und Humor schafft damit eine seltene Balance. Genau hier liegen aber auch die Bruchlinien. Die emotional wichtigsten Verknüpfungen der beiden Haupträtsel - warum Tau Ceti stabil ist und warum Grace auf diesem Schiff landet - sind etwas billig. Insbesondere ist der Versuch, Grace nachträglich ein moralisches Versagen anzudichten, nicht ganz nett und glaubwürdig: Der Film will ihn gleichzeitig zum ikonischen Retter und tragischen Sünder machen, ohne dass seine gezeigte Persönlichkeit diese Wendung wirklich trägt. Ähnlich ambivalent ist der Humor: Einerseits ist dieser herrlich gemütlich und Gosling liefert mit seinem Auftritt ein angenehmes komödiantisches Timing, opfert aber dafür echte Spannung, weil man nie das Gefühl hat, dass hier wirklich etwas schlimmes passieren könnte. 

Auf der thematischen Ebene erzählt "Der Astronaut" vom Wert der Kooperation in einer fragmentierten Welt: Ein Mensch und ein Insektenwesen schließen wortwörtlich eine Sternen-Freundschaft, um zwei Spezies zu retten. Stratt verkörpert die kalte Notwendigkeit - sie nimmt Grace Entscheidungen ab, zwingt ihn in die Rolle, die er eigentlich nicht wollte - und Grace und Rocky verkörpern optimistischen, lösungsorientierten Humanismus: das Vertrauen, dass man durch Neugier, Ehrlichkeit und die Bereitschaft, sich für den anderen zu opfern, aus einer ausweglosen Lage entkommen kann. Das Finale - ohne hier ins Detail zu gehen - entscheidet sich klar gegen Zynismus: Die wichtigste Tat des Films ist ein Akt freiwilliger Selbstaufgabe, und der Epilog dehnt diese Entscheidung in eine bittersüße neue Normalität aus. Damit ist "Der Astronaut" im Grunde "Der Marsianer" Teil 2. Die Botschaft - Neugier siegt über Angst, Kooperation über Isolation - fühlt sich 2026 wie ein Medikament an. Doch "Der Astronaut" muss sich auch die Kritik gefallen lassen, dass er stellenweise zu formelhaft ist, der Humor manchmal zu cartoonig (angesichts der nahenden Apokalypse) wirkt. Und trotzdem ist "Der Astronaut" ein ausgesprochen unterhaltsamer, warmherziger Spacefilm, dessen größte Stärke seine Figuren, sein Humor und seine visuelle Souveränität sind - und dessen größte Schwächen in der Erzählweise, den einfachen gemachten Entscheidungen und dem Anfang liegen. Dennoch verlässt man das Kino mit einem wohligen Gefühl - so wie es sein soll. "Der Astronaut" - ein Feel-Good-SciFi-Blockbuster, der das Universum rettet, indem er den Zuschauer zum Lachen bringt, und Gosling als ultimativen Movie-Star weiter etabliert.

8,5/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: Amazon MGM Studios/Pascal Pictures/Sony

Mercy (2026)

https://www.imdb.com/de/title/tt31050594/

LAPD-Detective Raymond (Chris Pratt) steht, wie immer mehr in dieser dystopischen Zukunft, wegen des Mordes an seiner Frau (Annabelle Wallis) vor Gericht. Die hochmoderne KI-Richterin Maddox (Rebecca Ferguson), deren Einführung er einst selbst unterstützte, leitet schließlich das Verfahren gegen ihn. Binnen lediglich 90 Minuten muss der Gesetzeshüter nun seine eigene Unschuld hieb- und stichfest beweisen, bevor die künstliche Rechtsprechung über sein weiteres Leben - oder dessen Ende - entscheidet.

Vom Konzept her ist "Mercy" ein spannender Film, seine Umsetzung anfänglich auch, doch gegen Ende verliert sich der Film in generischen Action-Setpieces: Ein Los-Angeles-Cop wird in einer nahen Zukunft von einem KI-Gericht in einen 90‑Minuten-Showdown um seine eigene Unschuld gezwungen - fast komplett erzählt über Monitore, Surveillance-Feeds und digitale Spuren. Das ist als Idee reizvoll, weil es "Minority Report", True-Crime-Podcasts und Videospiel-Ermittlungen kreuzt; als fertiger Film bleibt "Mercy" aber ein typischer "interessant, aber mittelmäßig"-Thriller: formal einfallsreich, inhaltlich bequem. Regisseur Timur Bekmambetovs Film nutzt sein 90-minütiges Zeitlimit als Klammer: Raven springt zwischen Bodycam-Footage, Ring-Doorbell-Videos, Straßenkameras, E‑Mails, Voicemails und Social-Media-Profilen - sogar auf den geheimen Instagram-Account seiner Tochter bekommt er Zugriff -, rekonstruiert die Stunden vor dem Mord und stößt auf eine Verschwörung, die ihn als Sündenbock missbraucht. Der Protagonist spielt sich durch Beweismittel, statt physisch durch die Stadt zu rennen. 

Chris Pratt bekommt mit Raven eine Rolle, die ihn deutlich kantiger auftreten lässt als seine gewohnten, charmanten Helden: ein Mann mit echten Macken - Wut, Alkohol, Eheprobleme -, dessen Schuldfrage nicht sofort eindeutig ist. Pratt wirkt in diesen düsteren, weniger nett angelegten Momenten auch lebendiger als in manchem Blockbuster. Rebecca Ferguson verleiht der KI-Richterin Maddox eine kühle, fast überlegene Präsenz, die dem Kopf-an-Kopf-Duell mit Raven etwas von einem Kammerspiel gibt - auch wenn sie letztlich eher Sprachrohr der Drehbuchideen bleibt als vollwertige Figur. Das Problem liegt in der Tiefe: Ravens Partnerin Jaq (Kali Reis) und die Nebenfigur, die letztlich als Drahtzieher enttarnt wird, bleiben flach - und genau dort greift, was man erwartet: In einem solchen Thriller ist praktisch sofort klar, wer der eigentliche Bösewicht sein wird, weil er/sie sonst keine Funktion hätte. Die Verschwörung um Raven wirkt so eher wie ein Puzzle, das rückwärts aus der Auflösung konstruiert wurde, als eine lebendige Welt, in der mehrere Möglichkeiten wirklich denkbar wären. Die Stärken liegen in Tempo und Klarheit: Die 90 Filmminuten (nahe Echtzeit) sind straff geschnitten, der Wechsel von Überwachungskameras zu Dashcams, privaten Clips und Datensätzen ist erstaunlich gut lesbar und erzeugt gelegentlich jene Sogwirkung, die das Beste an Screenlife-Thrillern ist. Doch je länger das Konzept läuft, desto sichtbarer werden die Grenzen: Die filmische Welt fühlt sich zunehmend wie ein Kontrollzentrum an, nicht wie ein echtes Los Angeles; menschliche Beziehungen werden zu Datenpunkten, Konflikte zu Einträgen in Logfiles. 

Dabei ist "Mercy" auf dem Papier hochaktuell: Ein automatisiertes Justizsystem, das mithilfe allgegenwärtiger Überwachung (inklusive einer Ring-ähnlichen Haustürkamera, die prominent im Bild ist) über Leben und Tod entscheidet, berührt reale Debatten über KI im Rechtssystem, vorausschauende Polizeiarbeit und den Verlust der Privatsphäre. Die Ironie, dass Raven und seine Kollegin früher selbst für Mercy geworben haben und nun am eigenen Leib erfahren, was sie geschaffen haben, ist eine klassisch tragische Volte. Doch die Art, wie der Film diese Themen behandelt, ist zwiespältig. "Mercy" zeigt zwar das Verfahren als gefährlich fehleranfällig, hinterfragt aber nie wirklich, ob dieser totale Zugriff auf persönliche Daten - der Blick in private Mails, Social Media, intime Nachrichten, selbst Verstorbener - an sich schon ein ungeheurer Eingriff ist. Stattdessen kippt der Film oft in eine Art Überwachungskameraporno: Je mehr Kameras Raven anzapfen darf, desto mächtiger wirkt er - und damit das System, das ihm dies ermöglicht. Gerade weil der Film aus dem Umfeld eines Studios kommt, das in der Realität mit Überwachungsprodukten kooperiert, erscheint diese Ambivalenz nicht nur als erzählerische Unschärfe, sondern als latente Werbung für genau jene Kontroll-Infrastruktur, die er zu kritisieren vorgibt. Das macht "Mercy" intellektuell interessant - man kann darüber diskutieren, was er meint und was er unbeabsichtigt sagt -, aber moralisch und politisch bleibt er unklar. 

"Mercy" ist damit ein typischer Fall von "gutes Konzept, mäßige Ausführung": Ein Film, der formal clever mit Screens, KI und Echtzeit spielt und seinem Hauptdarsteller erlaubt, eine etwas dunklere Facette zu zeigen, aber als Thriller nur selten über Genre‑Routine hinauskommt. Interessant ist er als Diskussionsanstoß über Überwachung und automatisierte Justiz, mittelmäßig als Drama über Schuld, Trauer und Verantwortung. Sehenswert genug, um darüber zu reden, aber zu bequem in seinen Antworten, um nachhaltig zu erschüttern.

5,5/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: amazon studios/MGM

Alps - Alpen (2011)

https://www.imdb.com/title/tt1859446/

Eine Krankenschwester (Aggeliki Papoulia), ein Sanitäter (Aris Servetalis), eine Turnerin (Ariane Labed) und ihr Trainer (Johnny Vekris) haben ein ungewöhnliches Geschäftsmodell entwickelt. Personen, die vor kurzem einen geliebten Menschen verloren haben, können sich an die Gruppe wenden. Die nennen sich "die Alpen", da jeder von ihnen nach einem Berg der Alpen benannt ist. Die Gruppenmitglieder können von Kunden gebucht und so zum Ersatz für den Verstorbenen werden, um die Trauerarbeit zu erleichtern. So leben sie in fremden Häusern, tragen die Kleidung der Toten und stellen Erinnerungen für die Trauernden nach. Dabei gibt es ganz bestimmte Regeln, an die sich jeder Mitarbeiter halten muss. So ist ihnen der Aufbau einer emotionalen Verbindung oder körperliche Intimität zu ihren Kunden strikt verboten. Doch nicht alle Mitglieder befolgen die Vorschriften.

Yorgos Lanthimos' vierter abendfüllender Spielfilm ist, nach "Dogtooth", in dem er schon einmal eine Familie als perverses Rollenspiel sezierte, ein in Schauspielern und Schauplätzen begrenztes Werk, in dem er seine ganz eigene Theorie darüber entwickelt, was Identität, Trauer und Schauspiel im Alltag bedeuten. Lanthimos verschiebt hier den Fokus auf den Moment nach dem Verlust: auf das Loch, das der Tod hinterlässt, und auf die merkwürdigen Versuche, es mit Fiktion zu füllen. Lanthimos’ Idee ist zugleich absurd und erschreckend logisch: Wenn wir nach einem Verlust ohnehin in Erinnerungen leben, warum dann nicht jemanden engagieren, der diese Erinnerung verkörpert? Unter dem Namen "Alpen" gründet eine kleine Gruppe - eine Krankenschwester, eine Kunstturnerin, ihr Trainer und ein Rettungssanitäter - ein Unternehmen, das Trauernden anbietet, gegen Bezahlung in die Rolle ihrer kürzlich verstorbenen Angehörigen zu schlüpfen. Die Mitglieder tragen Codenamen wie "Monte Rosa" oder "Mont Blanc"; echte Namen gibt es nicht, als wollten sie sich selbst schon aus der Welt der Identitäten verabschieden. Die Krankenschwester besucht ein älteres Ehepaar und spielt deren bei einem Autounfall verstorbene, tennisbegeisterte Tochter nach - mit einstudierten Phrasen, ritualisierten Gesprächen, wie eine Privataufführung in einem Wohnzimmer, das sich in eine Bühne verwandelt. Die "Alpen“ behaupten, Schmerzen zu lindern, doch ihre Dienstleistung ist ein kalter, fast mechanischer Ersatz - ein Rollenspiel, das die Leere eher markiert, als sie zu füllen.

Es ist eine trostlose, karge Welt, die Lanthimos in "Alpen" zeichnet: Räume wirken leer, Beziehungen bleiben unterkühlt, Dialoge sind hölzern, abgehackt, oft von einer eigentümlichen Höflichkeit, hinter der nur Leere zu liegen scheint. Diese Stilisierung ist keine Schwäche, sondern Methode. Die Figuren werden nicht psychologisch erklärt, sie werden beobachtet; Kamera und Inszenierung verweigern uns die Erleichterung der Identifikation und zwingen uns, das Verhalten wie ein Experiment zu betrachten. Immer wieder bricht Lanthimos die Starre mit bizarr komischen Momenten: etwa wenn die Krankenschwester mit einem Klienten quer durch die Stadt Filmszenen nachstellt, die sie simuliert, ohne den emotionalen Kern dahinter zu verstehen. Es wirkt wie eine Parodie auf das Method Acting des Alltags - Menschen, die so sehr versuchen, eine Rolle zu spielen, dass sie das Leben selbst verlieren. Angeliki Papoulia als Krankenschwester "Monte Rosa" ist das nervöse Zentrum des Films. Ihre Figur beginnt, sich in den angenommenen Identitäten zu verlieren, überschreitet Grenzen, mischt berufliche und private Rollen und versucht, aus den gespielten Beziehungen echte Nähe zu pressen. In ihrer berühmten Zusammenbruchsszene, wenn ihre sorgfältig kontrollierte Fassade bricht, wird sichtbar, dass der Film nicht nur von einem bizarren Service handelt, sondern von Menschen, die im eigenen Leben keine Rolle mehr finden. Sie bleibt zugleich unverständlich und tief menschlich. Wir verstehen ihre Motive nicht vollständig, aber wir erkennen das Vakuum, in dem sie sich bewegt.  

In "Alpen" ist jede Begegnung doppelt: als Realität und als Inszenierung. Trauer wird zur Choreografie, Gespräche zu Textbuchdialogen, Nähe zu einer Dienstleistung mit Stundensatz. Der Film destabilisiert systematisch unser Gefühl dafür, was in menschlichen Beziehungen normal ist - und genau darin liegt seine eigentliche Kraft. Lanthimos und sein Co-Autor Efthymis Filippou entwickelten die Idee, indem sie von Menschen ausgingen, die etwas frei erfinden - Telefonstreiche, fingierte Todesfälle -, und daraus eine Welt bauten, in der Identität eine jederzeit buchbare Fiktion ist. Die "Alpen" sind keine Betrüger im klassischen Sinn; sie sind vielleicht die konsequenteste Form dessen, was wir ohnehin tun: Wir spielen Versionen von uns selbst, für andere, für uns. Nur dass hier jemand kommt und sagt: Diese Rolle kann man auch outsourcen. "Alpen" gewann 2011 bei den Filmfestspielen von Venedig den Preis für das beste Drehbuch und wurde für den Goldenen Löwen nominiert - das ist bemerkenswert für einen Film, der so radikal sperrig, so absichtlich unbefriedigend ist. Er wirkt wie ein Schwestervariable zu "Dogtooth": weniger schockierend, weniger unmittelbar zugänglich, aber vielleicht noch konsequenter darin, die Regeln des Zusammenlebens als willkürliche, brutale Konstruktion zu zeigen.

Aus heutiger Sicht kann man in "Alpen" den Keim all dessen sehen, was Lanthimos später in Filmen wie "The Lobster" oder "The Favourite" auf größere, glänzendere Leinwände getragen hat: die Mischung aus trockenem Humor, Grausamkeit und philosophischer Neugier. Es ist kein Film, den man unbedingt mögen muss, aber es ist definitiv ein Film, an den man sich erinnert, weil er die simple Frage stellt: Wenn das echte Leben so leer ist, warum sollte einen dann eine Kopie trösten? "Alpen" - ein verstörendes, streng komponiertes Rollenspiel, das uns zwingt zu fragen, wie viel von unserem eigenen Leben nur eine Rolle ist, die wir für andere spielen.

7,5/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: Haos Film Produktion

Cuando Acecha La Maldad - When Evil Lurks (2023)

https://www.imdb.com/de/title/tt16300962/

In einem abgelegenen argentinischen Dorf geht es mit einem Mann zu Ende – jedoch nicht friedlich, sondern qualvoller als man es sich wohl jemals vorstellen könnte: Er verrottet bei lebendigem Leib. Für die Brüder Pedro (Ezequiel Rodríguez) und Jimi (Demián Salomón) scheint die Sache klar: Dieser Mann ist von einem bösartigen Dämon besessen, der direkt aus den Untiefen der Hölle aufgestiegen ist. Ein Exorzist soll das Problem lösen, doch als der in Stücke gerissen aufgefunden wird, müssen Pedro und Jimi selbst die Initiative ergreifen. Doch das scheint alles nur noch schlimmer zu machen und der böse Dämon entfesselt ungeahnte Schrecken.

"When Evil Lurks" ist einer dieser Horrorfilme, nach denen man sich waschen möchte - nicht wegen des Blutes, sondern weil er einen das Gefühl gibt, an etwas fundamental Schmutzigem teilgenommen zu haben. Demián Rugna erzählt von einer Dämonenplage auf dem argentinischen Land, aber hinter dem Splatter steckt ein bitterer Kommentar darüber, wie schnell eine Gemeinschaft kollabiert, wenn Aberglaube, Ignoranz und Angst miteinander verschmelzen. Rugna strukturiert den Film wie eine apokalyptische Odyssee: Die Brüder Pedro (Ezequiel Rodríguez) und Jimi (Demián Salomón) versuchen, Pedro’ Ex-Frau und die Kinder zu retten, landen bei der ehemaligen Cleanerinnen-Veteranin Mirtha, und geraten immer tiefer in eine Welt, in der jede falsche Regung - ein Schuss, ein falsches Wort zu einem schon "Kontaminierten" - das Böse nur weiter verbreitet. Rugna verzichtet weitgehend auf klassische Jumpscares; der Horror entsteht aus der Nüchternheit, mit der extreme Gewalt gezeigt wird, und aus dem Gefühl, dass niemand - vor allem keine Kinder - sicher ist.  Mehrere Schlüsselszenen (ein Hund, ein Kind, ein Unfall an der Landstraße) sind so schonungslos, dass der Film weniger Spaß macht als ein Gefühl von moralischer Desorientierung hinterlässt.

Visuell ist das Rural-Setting entscheidend: Die hell ausgeleuchteten Felder, die staubigen Wege, die einfachen Häuser verleihen der Besessenheit einen dokumentarischen Beigeschmack, als würde die Apokalypse auf einem ganz normalen Bauernhof beginnen. Die praktischen Effekte und das Make-up sind bemerkenswert handfest - Körper, die sich verformen, Wunden, die nicht heroisch, sondern dreckig wirken -, was die ohnehin schon sehr fiese Note noch verstärkt. Ezequiel Rodríguez spielt Pedro als Mann, der dauernd hinter seiner eigenen Schuld herläuft: Jede Entscheidung, die seine Familie retten soll, macht alles schlimmer, bis er selbst zum tragischen Motor der Katastrophe wird. Demián Salomón als Jaime ist weniger dominant, aber glaubwürdig als Bruder, der zwischen Pragmatismus und Panik schwankt. Die Nebenfiguren - die abgeklärte Cleanerinnen-Veteranin Mirtha, die verängstigte Ex-Frau, die Kinder, die zu möglichen Einfallstoren des Bösen werden - tragen zu dem Gefühl bei, dass dies kein Film über "Helden" ist, sondern über Menschen, die aus Hilflosigkeit heraus immer die falschen Entscheidungen treffen. Niemand glaubt den Regeln, bis es zu spät ist.

"When Evil Lurks" ist nicht nur ein Extrem-Horror, sondern ein Film über Verantwortung in einer vergifteten Welt. Das Demonische ist hier weniger eine religiöse Figur als eine Art Systemfehler: Eine Infektion, die sich verbreitet, weil Menschen Regeln ignorieren, Warnungen ausblenden, lieber kurzfristig aufräumen, statt sich der unangenehmen Wahrheit zu stellen. Man muss auch die Konsequenz respektieren, mit der Rugna seinen Film durchzieht: kein Trost, keine überlebensgroßen Archetypen, nur ein grauer, schmutziger Weltuntergang, in dem selbst Kinder nicht durch Plotpanzer geschützt sind. Doch der Film wirkt - bei aller Grausamkeit - nicht sadistisch, sondern wie ein verzweifelter Schrei darüber, wie leicht wir das Böse selbst beschleunigen, während wir glauben, es zu vertreiben. "When Evil Lurks" ist nichts für Zartbesaitete, aber für Horror-Fans, die mehr als bloße Erschrecker suchen, ist er ein Schlag in die Magengrube - und vielleicht das, was als eine besonders finstere, aber effektive Mitleidsmaschine bezeichnen könnte: Man leidet nicht mit den Figuren, man leidet in ihrer Welt.

7/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: Indeed/Illusions

天空の城ラピュタ - Tenkū no Shiro Rapyuta - Laputa: Castle In The Sky - Das Schloss im Himmel (1986)

https://www.imdb.com/title/tt0092067/

Pazu ist ein Waisenjunge, der im Bergwerk arbeitet. Eines Abends passiert etwas Merkwürdiges: Ein Mädchen schwebt vom Himmel herab. Das Mädchen heißt Sheeta und ist auf der Flucht vor Piraten und Geheimagenten der Armee aus einem Luftschiff gesprungen - nur Dank des blauen Steins, den sie an einer Kette um den Hals trägt, scheint der Fall glimpflich abgelaufen zu sein. Pazu und Sheeta bleibt nicht viel Zeit, ihre Verfolger sind ihnen dicht auf den Versen. Erst nach und nach erfahren sie die Hintergründe, die den Regierungsbeamten Musca und die Piraten-Mutter Dora so sehr um den Stein kämpfen lassen: Das unbedarfte Waisenmädchen Sheeta ist in Wahrheit die rechtmäßige Thronfolgerin der legendären fliegenden Insel Laputa...

Der erste offizielle Film, der nach "Nausicaä aus dem Tal der Winde" unter dem damals neu gegründeten Studio Ghibli entstand war "Das Schloss im Himmel", ein Abenteuerfilm, der sich anfühlt wie ein klassischer Jugendroman: zwei Kinder, eine Legende, Piraten, Militärs, eine geheimnisvolle Welt - und dahinter eine erstaunlich klare Meditation über Macht, Technik und Natur. Inhaltlich ist es vielleicht einer der reichsten Filme von Hayao Miyazaki; stilistisch bleibt der typische, runde Anime-Look allerdings Geschmackssache - hier beeindruckt mehr die Fantasie der Welt als die Art, wie sie gezeichnet ist. Diese Welt ist jedoch zugleich vertraut und fremd: ein Retro-Steampunk-Universum voller Luftschiffe, dampfender Maschinen, antiker Roboter und schwebender Inseln: eine passende Mischung aus Science-Fiction und Jules-Verne-Romantik. Doch auch wer mit dem typischen Ghibli-Figurenstil - den großen Augen, runden Konturen und leicht kindlichen Proportionen - wenig anfangen kann, merkt, wie konsequent die Bildwelt durchkomponiert ist: Städte, Maschinen und Landschaften tragen eine eigene Logik, die das Fantastische glaubwürdig macht. 

Sheeta und Pazu gehören zu jenen Ghibli-Kindern, die ohne große Psychologie glaubhaft sind: zwei junge Menschen (dazu noch Waisen), deren Mut, Verletzlichkeit und Loyalität die Handlung tragen. Sheeta wächst vom gejagten Mädchen zur aktiven Figur, die über das Schicksal von Laputa (nicht ganz subtil jene Insel aus Jonathan Swifts "Gullivers Reisen", die mittels eines Diamantkerns schweben konnte) mitentscheidet; Pazu ist weniger ein klassischer Held als ein hart arbeitender, talentierter Mechaniker, dessen Mut immer wieder an die Grenze seiner Möglichkeiten stößt. Die Dola-Piraten sind ein Glücksfall: Dola beginnt als gierige Luftpiraten-Chefin und wird nach und nach zur rauen, komischen Mutterfigur, deren Bande zu einer Ersatzfamilie für die Kinder wird. Auf der Gegenseite steht Musca, ein höflicher Bürokrat mit kalten Augen, dessen Motive - Macht, Kontrolle, Waffentechnologie - kaum nuanciert, aber dafür beunruhigend real sind: Er verkörpert die Versuchung, eine wunderbare, alte Technik vollständig zum Werkzeug der Zerstörung zu machen. Thematisch verbindet der Film das (zeitgemäße) Staunen über Technik mit tiefer Skepsis: Laputa erscheint zunächst als Traum - eine Stadt im Himmel, in der Natur und Technologie in Einheit existieren -, zeigt sich dann aber als Ort, der von militärischer Macht korrumpiert wurde. Laputa selbst ist bewusst paradox angelegt: ein Paradies, das zum Kriegsschiff wurde, ein Symbol dafür, wie menschliche Erfindungsgabe entweder Leben schützen oder vernichten kann. 

Freundschaft und Vertrauen zwischen Sheeta und Pazu sind der Mittelpunkt der Geschichte; ihre Partnerschaft bleibt unschuldig, romantikarm, aber umso glaubwürdiger als Bündnis zweier Kinder, die aufeinander angewiesen sind. Joe Hisaishis Musik - lyrische Themen für den Flug, dramatische Fanfaren für Kämpfe und Zerstörung - macht viele Momente größer, als es die Zeichnungen allein tun: Der Score trägt jene Erhabenheit, die der eher simple Figurenstil für manche Augen nicht sofort hergibt. Auch wenn man mit dem Stil nicht viel anfangen kann, kann man doch aus Sicht eines Filmfans zugestehen, dass "Das Schloss im Himmel" eine große Leistung des frühen Studio Ghibli war: ein mitnehmenden Abenteuer, episch und doch zugänglich, kindgerecht und zugleich philosophisch aufgeladen. Gerade wer mit Anime-Ästhetik hadert, entdeckt hier, wie sehr Story, Figurenführung und Weltbau den visuellen Stil überragen: Die emotionale Wirkung entsteht aus der Reise, den Entscheidungen der Kinder und der Ambivalenz von Laputa, nicht aus der dekorativen Oberfläche."Das Schloss im Himmel" beweist damit , dass Zeichentrick nicht durch seinen Stil, sondern durch seine Vorstellungskraft definiert wird. Eine großartige Geschichte, wundervolle Charaktere, gewaltige Fantasie; die Bilder sprechen mit solcher Klarheit, dass selbst eine gewisse Distanz zum Zeichenstil die Faszination nicht brechen kann.

8/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: 

Wrath Of The Titans - Zorn der Titanen (2012)

https://www.imdb.com/title/tt1646987/

Ein Jahrzehnt, nachdem Perseus (Sam Worthington), der Halbgott-Sohn von Zeus (Liam Neeson), den Kraken besiegt hat, sehnt er sich nach einem ruhigen Leben als Fischer in einem kleinen Dorf und möchte sich ganz der Erziehung seines zehnjährigen Sohnes Helius widmen. Doch unterdessen tobt ein Krieg um die Vorherrschaft auf dem Olymp zwischen Göttern und Titanen. Die Götter verlieren zunehmend die Kontrolle über die eingesperrten Titanen und deren Anführer Kronos, dem Vater von Zeus, Hades (Ralph Fiennes) und Poseidon (Danny Huston). Als Hades einen Putsch gegen Zeus plant, um mit Kronos‘ Hilfe die Herrschaft an sich zu reißen, muss Perseus erneut in den Kampf ziehen und zusammen mit der Kriegerkönigin Andromeda (Rosamund Pike), Poseidons Halbgöttersohn Agenor (Toby Kebbell) und dem gefallenen Gott Hephaestus (Bill Nighy) in die Unterwelt hinabsteigen, um seinen Vater zu retten und die Titanen endgültig zu bezwingen.

Die Fortsetzung "Zorn der Titanen" ist von der Sorte, die einfach noch mehr von dem liefert, was am Vorgänger funktionierte - und fast nichts von dem, was ihm hätte Tiefe geben können. Der Film ist straffer, actionlastiger und visuell eindrucksvoller als "Kampf der Titanen", bleibt aber ein lautstarkes Spektakel, das eher von Effektspitzen als von Figuren oder Mythologie her denkt. Regisseur Jonathan Liebesman inszeniert konsequent auf Kinetik: Die Kämpfe gegen Chimära, Zyklopen, Minotaurus und schließlich Kronos sind klarer gebaut und rhythmischer als im Vorgänger - aus diesem Blickpunkt ist "Zorn der Titanen" eine klare Steigerung. Die Effekte - vom brennenden Lavariesen Kronos bis zum sich verschiebenden Labyrinth - sind wuchtig und eindeutig für die große Leinwand entworfen, auch wenn das Dauerfeuer an Zerstörung die Figuren vollständig in den Hintergrund drängen. 

Die Story ist zugleich kohärenter und dünner: Der Konflikt zwischen Göttervater und Söhnen, Verrat und Versöhnung, Schuld und Vergebung ist in den ersten Minuten etabliert, danach dominieren Setpieces. Im Grunde eine Michael Bay-Version von "Der Herr der Ringe" - ein aufrichtiges Kompliment für die Schlachtchoreografie, ein herber Vorwurf für das schwache Skript. Die griechische Mythologie bleibt lediglich Kulisse; Nuancen oder echte Tragik werden zugunsten von One-Linern und Monsterdesign geopfert, auch wenn der Versöhnungsbogen zwischen Zeus und Hades ein unerwartet versöhnliches Motiv ins Effektgewitter schmuggelt. Dramaturgisch bleibt "Zorn der Titanen" ebenso hohl wie sein Vorgänger; das Original wird lediglich in Action und Tempo übertroffen. Dialog, Charakterzeichnung sucht man beinahe vergebens und damit bleibt die Fortsetzung ein effizienter, gut geölter Action-Mythos, der einen mit Staub, Lava und Götterblitzen ermüdet, lange bevor er einen wirklich bewegt. Aber das war wohl auch nicht wirklich das Ziel.

5/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: Warner Bros.

Clash Of The Titans - Kampf der Titanen (2010)

https://www.imdb.com/de/title/tt0800320/

Die Soldaten der freigeistigen Stadt Argos blasen zum Sturm gegen die Monumente ihrer olympischen Herren. Daraufhin überzeugt der zornige Hades (Ralph Fiennes) seinen Bruder Zeus (Liam Neeson) davon, gegen die Aufständischen vorzugehen. Als sein Ziehvater beim ersten Vergeltungsschlag des Unterweltfürsten ums Leben kommt, schwört Perseus (Sam Worthington) Rache. Umso mehr verstört ihn die Eröffnung der Halbgöttin Io (Gemma Arterton), er sei der leibliche Sohn des Zeus. Bevor Argos seine Prinzessin opfern oder seiner Zerstörung durch den fürchterlichen Kraken harren muss, zieht Perseus mit Draco (Mads Mikkelsen) und dessen Eliteschar gegen die Götter aus. Auf ihrer gefährlichen Reise zur Lauer der Medusa, deren tödlicher Blick alleine den Kraken bezwingen kann, muss Perseus seine Identität zwischen Mann und Gott finden, um das Schicksal aller zu bestimmen...

Das 2010er Remake von "Kampf der Titanen" ist ein bombastischer, bewusst simpler Fantasy-Actionfilm: kein gutes Kino, aber durchaus vergnügliches Spektakel, dazu handwerklich solide, schauspielerisch eher roh als subtil, doch voller Energie, Einfälle und fröhlicher Albernheit. Die griechische Mythologie wird dabei eher als Steinbruch für Monster und Setpieces denn als ernsthafte Vorlage benutzt: Perseus als widerwilliger Halbgott-Held, Zeus und Hades als familiär zerstrittene Götterväter, Titanen als zu besiegende Endgegner. Regisseur Louis Leterrier inszeniert den Film als Vollgas-Action-Adventure - schnell, laut, ohne ironische Distanz. Die Kreaturen - vor allem die riesigen Skorpione, Medusa und der Kraken - sind visuell beeindruckend. Mythologisch ist das Ganze ein wilder Mix griechischer Motive: Figuren, Namen und Monster werden frei kombiniert, um das Popcorn-Publikum nicht zu überfordern und eine leicht verdauliche Fantasy-Welt zu schaffen. Ja, das Update von "Kampf der Titanen" ist definitiv kein gutes Kino im klassischen Sinn, aber ein Film, der als lautes, kindliches Vergnügen funktioniert, sobald der Krake losgelassen wird. In diesem Geist ist er eher ein überzeichnetes, mythologisches Jahrmarkts-Spektakel, das man nicht ernst nehmen darf, um es wirklich genießen zu können.

5,5/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: Warner Bros.