Smokin’ Aces (2006)

https://www.imdb.com/de/title/tt0475394/
https://letterboxd.com/film/smokin-aces/

Mafiaboss Primo Sparazza (Joseph Ruskin) wird der Prozess gemacht. Darüber kann sich der Hauptbelastungszeuge Buddy "Aces" Israel (Jeremy Piven) aber nicht richtig freuen, denn schließlich ist sein Tod nun eine Million Dollar wert. Die FBI-Agenten Richard Messner (Ryan Reynolds) und Donald Carruthers (Ray Liotta) bekommen von ihrem Vorgesetzten Stanley Locke (Andy Garcia) den Auftrag, Israel zu beschützen. Doch der ignoriert die Gefahr im Kokainnebel so gut es geht und feiert im Penthouse eines Luxushotels am Lake Tahoe wilde Orgien. Schnell jedoch neigt sich die wilde Feierei ihrem Ende entgegen. Verschiedene Auftragskillerteams sind ebenso wie das FBI im Anmarsch und stehen sich gegenseitig im Wege. Darunter befinden sich die psychopathischen Neo-Nazi-Brüdern Darwin (Chris Pine), Jeeves (Kevin Durand) und Lestor Tremor (Maury Serling), die Killerinnen Georgia (Alicia Keys) und Sharice (Taraji Henson) sowie das Trio Jack Dupree (Ben Affleck), Pete Decks (Peter Berg) und Hollis Elmore (Martin Henderson)...

Joe Carnahans "Smokin’ Aces" ist ein Film, der seine eigene Übertreibung zum Programm macht. Die Ausgangslage ist simpel - die Umsetzung dagegen maximal chaotisch. Carnahan inszeniert die Story mit enormem Tempo und sichtbar großer Lust an Pulp, Grindhouse und schwarzer Komödie. Schnelle Schnitte, Splitscreens, extreme Kameraperspektiven und ein permanent eskalierender Soundtrack verleihen dem Film eine aggressive Energie. Gerade die großen Actionsequenzen sind handwerklich beeindruckend und teilweise wunderbar absurd. Allerdings verwechselt Carnahan Stil gelegentlich mit Substanz: Die Inszenierung schreit förmlich nach Aufmerksamkeit, während die Geschichte kaum Gelegenheit bekommt, sich wirklich zu entwickeln. 

Jeremy Piven spielt Buddy Israel als widerlichen, selbstverliebten und gleichzeitig erstaunlich unterhaltsamen kleinen Gangster. Ryan Reynolds und Ray Liotta bilden als gegensätzliche FBI-Agenten einen soliden emotionalen Anker. Besonders viel Spaß machen jedoch die Nebenfiguren: Chris Pine, Kevin Durand und Maury Serling als durchgeknallte Tremor-Brüder sowie Alicia Keys und Taraji P. Henson als Killerduo verleihen dem Film genau jene Comicbook-artige Überzeichnung, die er braucht. Beim Drehbuch zeigt sich allerdings die größte Schwäche. Carnahan wollte offensichtlich eine Vielzahl ungewöhnlicher Charaktere, Parallelhandlungen und überraschender Wendungen miteinander verbinden. Das funktioniert phasenweise, führt aber auch zu einem überladenen und zunehmend unübersichtlichen Plot. Einige Figuren bleiben reine Karikaturen, während emotionale Entwicklungen nur angerissen werden. Der Film erinnert damit deutlich an die Gangster- und Pulp-Filme der 1990er, ohne deren Dialogwitz oder erzählerische Präzision immer zu erreichen. 

Auch die Gewaltdarstellung ist bewusst exzessiv. Einschusslöcher, Blutfontänen und brutale Schießereien gehören hier nicht nur zur Action, sondern fast zur visuellen Sprache des Films. Das kann unterhaltsam sein, wirkt nach einer Weile aber auch selbstzweckhaft. Gleichzeitig besitzt Carnahan durchaus ein Gespür für schwarzen Humor und bizarre Situationen. Einige der besten Momente entstehen gerade dann, wenn die völlig überdrehten Figuren auf die vergleichsweise nüchternen FBI-Agenten treffen. Interessanterweise besitzt der Film im letzten Drittel sogar einen Ansatz von moralischer Tragik, der über das reine Action-Spektakel hinausgeht. Allerdings kommt dieser Aspekt spät und wirkt dadurch eher aufgesetzt als organisch entwickelt. Genau hier liegt ein Problem von „Smokin’ Aces“: Der Film möchte gleichzeitig dreckiger Gangsterfilm, schwarze Komödie, stylischer Actioner und überraschend moralisches Drama sein. Diese verschiedenen Tonlagen prallen manchmal eher aufeinander, als dass sie sich ergänzen.

Unterm Strich ist "Smokin’ Aces" aber ein ausgesprochen unterhaltsamer, aber auch ziemlich hohler Actionfilm. Die starke Besetzung, Carnahans energische Regie, die schrillen Figuren und einige hervorragend choreografierte Actionpassagen machen ihn sehenswert. Dem gegenüber stehen ein überladenes Drehbuch, wenig emotionale Tiefe und eine Stilversessenheit, die sich irgendwann erschöpft. Als dreckiger, lauter und völlig überdrehter Pulp-Trip funktioniert der Film erstaunlich gut - als wirklich cleverer Gangsterfilm deutlich weniger.

6/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: Universal Pictures/Working Title Films (GB)/StudioCanal/Relativity Media/Scion Films

The Proposal - Selbst ist die Braut (2009)

https://www.imdb.com/de/title/tt1041829/
https://letterboxd.com/film/the-proposal-2009/

Ihre Angestellten behandelt sie wie Sklaven - kein Wunder, dass Verlagschefin Margaret (Sandra Bullock) den Ruf einer kaltherzigen Hexe hat. Dann machen Margarets Anwälte der Kanadierin klar, dass ihr Visum abgelaufen ist und ihr deswegen die Abschiebung droht. Das Oberbiest erpresst daraufhin ein Hochzeitsversprechen von Assistent Andrew (Ryan Reynolds). Wenige Stunden später befinden sich die beiden auf dem Weg nach Alaska, wo Andrews schrullige Familie die spröde Schönheit mit offenen Armen empfängt und schon eine Überraschungs-Hochzeit plant...

"Selbst ist die Braut" ist klassische RomCom-Kost: vorhersehbar, gelegentlich kitschig, aber dank Sandra Bullock und Ryan Reynolds deutlich charmanter, als das Schema vermuten lässt. Beide besitzen ein ausgesprochen gutes komödiantisches Timing und entwickeln gerade in den bissigen Wortgefechten eine überzeugende Dynamik. Bullock darf Margaret zwischen herrischer Eiseskälte und verletzlicher Unsicherheit spielen, während Reynolds Andrew mit einer angenehmen Mischung aus Selbstironie und trockenem Humor versieht. Auch die Nebendarsteller funktionieren überraschend gut. Mary Steenburgen und Craig T. Nelson geben Andrews Eltern sympathische Bodenständigkeit, während Betty White als Großmutter Annie mit sichtlichem Vergnügen jede Gelegenheit zum Szenendiebstahl nutzt. Gerade die Alaska-Passagen profitieren von diesem Ensemble, weil der Film hier seine streng konstruierte Ausgangssituation etwas lockerer ausspielen kann. 

Regisseurin Anne Fletcher hält den Film angenehm leicht und setzt auf klassischen Mainstream-Comedy-Look. Die Landschaften Alaskas bilden einen schönen Kontrast zur hektischen New Yorker Verlagswelt; tatsächlich wurden die Alaska-Aufnahmen teilweise durch Drehorte in Massachusetts ergänzt. Kameramann Oliver Stapleton liefert dabei gefällige, sauber komponierte Bilder, ohne die romantische Komödie unnötig aufzublasen. Die Dialoge zwischen Margaret und Andrew sind häufig witzig und ihre gegenseitigen Machtspiele sorgen für Tempo. Gleichzeitig ist fast jeder größere Entwicklungsschritt vorhersehbar. Das klassische "Hassen sie sich oder mögen sie sich?" wird sehr deutlich nach bekannten Romcom-Regeln abgearbeitet. Trotzdem besitzt der Film genügend Herz und Humor, um über seine Schwächen hinwegzutragen. Einige Gags sind albern oder wirken wie Pflichtprogramm - besonders die zunehmend slapstickartige Alaska-Handlung -, andere sitzen dagegen erstaunlich gut. Auch die berühmte Nacktszene zwischen Bullock und Reynolds ist eher körperkomödiantischer Klamauk als wirklich romantisch und wurde schon zur Veröffentlichung stark als Marketingmoment ausgeschlachtet.

Unterm Strich ist "Selbst ist die Braut" keine besonders originelle RomCom, aber eine ausgesprochen unterhaltsame. Das Drehbuch folgt zuverlässig der bekannten Formel, doch Sandra Bullock und Ryan Reynolds besitzen genügend Charme, Timing und gegenseitige Energie, um daraus mehr zu machen als bloße Genre-Routine. Wer romantische Komödien grundsätzlich mag, bekommt hier solide Unterhaltung mit einigen wirklich gelungenen Lachern, schönen Landschaftsaufnahmen und einem sympathischen Ensemble. Nicht überraschend, aber angenehm charmant - und damit ziemlich genau das, was eine gute Mainstream-RomCom leisten soll.

6,5/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: Touchstone Pictures/Mandeville Films/Kurtzman/Orci

呪怨2 - Ju-on: The Grudge 2 -Ju-on: The Curse 2 (2003)

https://www.imdb.com/de/title/tt0367913/
https://letterboxd.com/film/ju-on-the-grudge-2/

Die bekannte Schauspielerin Kyoko Harase (Noriko Sakai) nimmt an den Dreharbeiten zu einer Fernsehsendung über paranormale Phänomene teil. Als das Team das berüchtigte Haus der Familie Saeki besucht, ahnt niemand, dass dort noch immer der Fluch von Kayako (Takako Fuji) und ihrem Sohn Toshio (Yūya Ozeki) wirkt. Nach den Dreharbeiten beginnen sich im Umfeld der Beteiligten mysteriöse und tödliche Ereignisse zu häufen. Auch Tomoka Miura (Chiharu Niiyama), Megumi Obayashi (Emi Yamamoto) und Regisseur Keisuke Okuni (Shingo Katsurayama) werden vom Fluch eingeholt. Für Kyoko wird die Situation besonders unheimlich, als sie nach einem schweren Autounfall eine erschütternde Entdeckung macht. Während der Fluch immer stärker auf ihr Leben übergreift, gerät auch die junge Chiharu (Yui Ichikawa) in seinen Bann. Kyoko muss schließlich erkennen, dass die Ereignisse im Saeki-Haus weitreichendere Folgen haben, als sie zunächst ahnen konnte...

Mit "Ju-On: The Grudge 2" setzt Takashi Shimizu seinen japanischen J-Horror nicht einfach fort, sondern variiert die bekannte Formel. Im Mittelpunkt steht die Horrorfilm-Darstellerin Kyoko Harase (Noriko Sakai), die für eine Fernsehsendung ein von einem Fluch heimgesuchtes Haus besucht. Schon bald greifen die übernatürlichen Ereignisse auf sie und die Menschen in ihrem Umfeld über. Shimizu bleibt dabei seinem episodischen Erzählprinzip treu und verbindet unterschiedliche Perspektiven und Zeitebenen. Diese einzelnen Geschichten erzeugen immer wieder interessante Situationen und lassen Realität, Erinnerung und Vision zunehmend ineinanderlaufen. Gleichzeitig wird die Handlung deutlich komplizierter, als es eigentlich nötig wäre. Dafür funktioniert die Atmosphäre hervorragend. Shimizu setzt weniger auf Blut und explizite Gewalt als auf leere Räume, alltägliche Schauplätze, unnatürliche Bewegungen und vor allem den Ton. Türen, Schritte, Stimmen und das charakteristische, kehlige Geräusch von Kayako (Takako Fuji) werden zu eigenständigen Schreckmomenten. Auch die scheinbare Normalität der hell ausgeleuchteten Wohnungen macht den Horror unangenehm glaubwürdig. Die Darsteller schlagen sich ordentlich, wobei Noriko Sakai als Kyoko dem Film erstmals eine etwas stärker ausgearbeitete zentrale Figur gibt. Ihre zunehmende Verunsicherung trägt einen großen Teil der Geschichte. Chiharu Niiyama, Yui Ichikawa und die übrigen Darsteller funktionieren vor allem innerhalb der einzelnen Episoden. Takako Fuji bleibt als Kayako jedoch die prägendste Erscheinung des Films: Ihre Körperlichkeit, der starre Blick und die abgehackten Bewegungen machen aus ihr eine der ikonischsten Geisterfiguren des J-Horrors.

Handwerklich bleibt Shimizu bewusst zurückhaltend. Tokushō Kikumura fotografiert den Film nüchtern und ohne übermäßige stilistische Spielereien, während Shiro Satōs Musik und insbesondere das Sounddesign entscheidend für die Spannung sind. Dadurch entstehen einige sehr wirkungsvolle Sequenzen, obwohl der Film seine Schreckmomente teilweise recht deutlich vorbereitet. Inhaltlich erweitert Shimizu den Mythos um Kayako und Toshio, ohne den Fluch wirklich erklären zu wollen. Das passt grundsätzlich zum Konzept: Der Horror entsteht gerade daraus, dass es keine sichere Logik und keinen wirklichen Ausweg gibt. Allerdings wiederholen sich die bekannten Muster zunehmend. Rotten Tomatoes fasst einen zentralen Kritikpunkt entsprechend zusammen: Mit fortschreitender Laufzeit wird der Film repetitiver und die Schockwirkung nimmt ab. "Ju-On: The Grudge 2" ist deshalb kein durchgehend überzeugendes Sequel, aber ein atmosphärisch bemerkenswert konsequenter J-Horror. Die besten Momente sind weiterhin unangenehm effektiv, das Sounddesign sitzt und Takako Fuji bleibt als Kayako eine echte Horror-Ikone. Dem stehen eine zunehmend verwirrende Handlung, teilweise austauschbare Nebenfiguren und eine gewisse Wiederholung der bekannten Schreckmuster gegenüber. Wer den ersten Teil mochte, bekommt hier mehr von Shimizus eigenwilligem, langsam kriechendem Horror - nur eben nicht unbedingt mehr davon, was ihn wirklich neu macht.

7/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: Oz Company/Aozora Investments/Pioneer LDC/Nikkatsu Corporation/Xanadeux Company/KADOKAWA Shoten/Tokyo Theatres Company

呪怨 - Ju-on: The Grudge - Juon: The Curse (2002)

https://www.imdb.com/title/tt0364385/
https://letterboxd.com/film/ju-on-the-grudge/

Die junge Sozialarbeiterin Rika Nishina (Megumi Okina) übernimmt kurzfristig die Betreuung der bettlägerigen Sachie Tokunaga (Chikako Isomura) in einem unscheinbaren Haus in einem Vorort von Tokio. Schon bei ihrer Ankunft fällt ihr auf, dass mit dem Haus etwas nicht stimmt. Sachie wirkt verstört und reagiert kaum auf ihre Umgebung. Im Obergeschoss entdeckt Rika schließlich einen kleinen Jungen namens Toshio (Yūya Ozeki) und eine Katze - doch niemand kann ihr erklären, woher die beiden kommen. Nach und nach stößt Rika auf die düstere Vergangenheit des Hauses. Jahre zuvor wurden dort Kayako Saeki (Takako Fuji) und ihr Sohn Toshio Opfer eines grausamen Verbrechens durch Kayakos Ehemann Takeo Saeki (Takashi Matsuyama). Seit dieser Tragödie scheint ein übernatürlicher Fluch auf dem Gebäude zu liegen. Jeder, der das Haus betritt, kann zum nächsten Opfer werden - und der Fluch beschränkt sich längst nicht mehr auf die vier Wände des Hauses. Während Rika versucht, das Geheimnis zu verstehen, werden auch andere Menschen mit der unheimlichen Präsenz konfrontiert...

Takashi Shimizus "Ju-On: The Grudge" gehört zu den Filmen, die weniger durch eine ausgefeilte Handlung als durch eine ganz bestimmte Atmosphäre funktionieren. Im Mittelpunkt steht ein Fluch, der aus einem brutalen Verbrechen hervorgegangen ist und jeden heimsucht, der mit dem betroffenen Haus in Kontakt kommt. Statt die Geschichte geradlinig zu erzählen, springt Shimizu zwischen verschiedenen Figuren und Zeitpunkten. Das ist zunächst verwirrend, passt aber erstaunlich gut zum Konzept eines Fluchs, der sich wie eine Infektion von Mensch zu Mensch weiterträgt. Die in ihrer nichtlinearen Erzählweise vorgetragenen einzelnen Episoden funktionieren beinahe wie kurze Geistergeschichten, deren Zusammenhänge sich erst allmählich erschließen. Dadurch entsteht ein permanentes Gefühl der Orientierungslosigkeit. Allerdings verhindert die Struktur auch eine tiefere Bindung an die Figuren und nimmt dem Film stellenweise die Möglichkeit, Spannung über längere Zeit aufzubauen.

Seine eigentliche Stärke entwickelt "Ju-on: The Grudge" bei der Inszenierung. Shimizu braucht erstaunlich wenig Blut oder aufwendige Effekte. Dunkle Räume, leere Flure, Treppen und scheinbar harmlose Bildhintergründe reichen aus, um ständig das Gefühl zu erzeugen, dass irgendwo etwas nicht stimmt. Besonders Kayako (Takako Fuji) und Toshio (Yūya Ozeki) gehören zu den nachhaltigsten Erscheinungen des J-Horrors. Auch die Kameraarbeit und das Sounddesign tragen enorm zur Wirkung bei. Tokushō Kikumura nutzt enge Räume und ruhige Einstellungen, anstatt die Schocks permanent mit hektischer Kameraführung vorzubereiten. Dazu kommt Shiro Satōs zurückhaltende Musik sowie vor allem die markanten, gutturalen Geräusche der Geister. Mehrere Kritiker sahen gerade in der Kombination aus Bildgestaltung und Ton einen entscheidenden Bestandteil des Schreckens. Die Darsteller agieren bewusst zurückgenommen. Megumi Okina, Misaki Itō, Misa Uehara und Yui Ichikawa tragen die einzelnen Kapitel solide, auch wenn die Figuren aufgrund der kurzen Episoden kaum Gelegenheit für eine wirklich komplexe Entwicklung bekommen. Dafür überzeugt Takako Fuji als Kayako vor allem körperlich: Ihre unnatürlichen Bewegungen und das charakteristische Keuchen machen sie zu einer Figur, die schon durch ihre bloße Anwesenheit Unbehagen erzeugt.

Thematisch bleibt der Film eher schlicht, aber konsequent: "Ju-on: The Grudge" handelt von Tod, Hass und einem Trauma, das nicht einfach verschwindet, sondern immer neue Opfer hervorbringt. Der Film interessiert sich weniger für die Frage, wie ein Fluch logisch funktioniert, sondern dafür, wie sich Angst und Gewalt unaufhaltsam fortsetzen. Gerade diese fehlende Erklärung macht den Horror teilweise so wirkungsvoll - der Fluch besitzt keine nachvollziehbare Grenze und damit auch keine einfache Lösung. Damit ist "Ju-on: The Grudge" kein perfekt erzählter Horrorfilm. Die episodische Struktur kostet Spannung, manche Figuren bleiben blass und die Handlung wirkt stellenweise unnötig kompliziert. Dafür entwickelt Takashi Shimizu eine außergewöhnlich dichte, kalte und unangenehme Atmosphäre und beweist, dass ein Horrorfilm nicht ständig zeigen muss, was passiert, um Angst zu erzeugen. Nicht jede Szene sitzt, aber einige Bilder und Geräusche bleiben lange im Kopf.

7/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: Oz Company/Xanadeux Company/Pioneer LDC/Nikkatsu Corporation

The Loved Ones - The Loved Ones: Pretty In Blood (2009)

https://www.imdb.com/title/tt1316536/
https://letterboxd.com/film/the-loved-ones/

Eigentlich hat sich Brent seine Highschool-Abschlussfeier unbeschwerter vorgestellt: Immer noch in Trauer um den Verlust seines Vaters, an dessen Unfalltod der Teenager mitschuldig war, flüchtet er sich in Heavy Metal und maßlosen Graskonsum. Einziger Lichtblick ist seine bezaubernde Freundin Holly, mit der er plant, den Ball zu besuchen. Zu dumm nur, dass Lola – eine heimliche Verehrerin – samt ihrer Familie etwas gegen das junge Glück der zwei einzuwenden hat, getreu dem Motto: „Wenn ich ihn nicht haben kann, dann bekommt ihn keine andere!“. Und so wird im irren Haushalt des einsamen Mauerblümchens, dem heiß ersehntem Date mit dem Traumprinzen mit messerscharfen und tiefbohrenden Argumenten nachgeholfen...

"The Loved Ones" beginnt beinahe wie eine typische Highschool-Geschichte: Brent (Xavier Samuel) lehnt die Einladung der unscheinbaren Lola (Robin McLeavy) zum Abschlussball ab - eine Entscheidung, die er schnell bereuen wird. Denn Lola lässt ihn von ihrem Vater entführen und veranstaltet ihren ganz eigenen, vollkommen entgleisten "Prom". Aus Teenie-Drama wird Psychothriller und schließlich brutaler Torture-Horror. Und das funktioniert vor allem deshalb so gut, weil Sean Byrne in seinem Regiedebüt die Gewalt nicht isoliert betrachtet. Brent trägt Schuldgefühle am Tod seines Vaters mit sich herum und betäubt seinen Schmerz mit Drogen und Musik. Lola wiederum ist weit mehr als eine austauschbare Psychopathin. Robin McLeavy spielt sie zwischen kindlicher Verletzlichkeit, Besessenheit und erschreckender Grausamkeit - und macht Lola damit zur mit Abstand interessantesten Figur des Films. Auch Xavier Samuel überzeugt als Brent. Gerade weil der Film ihn zunächst als relativ typischen Jugendlichen etabliert, funktioniert sein Absturz in Lolas Albtraum umso besser. Die Chemie zwischen Samuel und McLeavy entsteht dabei weniger durch klassische Konfrontation als durch das verstörende Machtspiel zwischen Opfer und Täterin. John Brumpton als Lolas Vater ergänzt dieses familiäre Horrorszenario überzeugend.

Seine größte Stärke besitzt der Film jedoch in der Mischung aus Brutalität und schwarzem Humor. Bohrer, Nägel, Spritzen und andere Folterinstrumente sorgen für ausgesprochen unangenehme Momente, gleichzeitig besitzt Byrne ein Gespür für groteske Situationen und makabre Pointen. Der Film nimmt seine Gewalt ernst, ohne sich permanent in bedeutungsschwerem Elend zu verlieren. Handwerklich ist das für ein Regiedebüt bemerkenswert sicher. Schnitt, Musik, Farbgestaltung und Produktionsdesign verleihen dem Film einen eigenständigen Look. Besonders der Kontrast zwischen der kitschigen Prom-Ästhetik und der zunehmend brutalen Realität funktioniert hervorragend. Die lediglich rund 84 Minuten Laufzeit sorgen zudem für ein hohes Tempo, ohne dass der Film seine zentrale Geschichte aus den Augen verliert. 

Leider entwickelt sich vieles ziemlich vorhersehbar, und gerade einige der späteren Wendungen kündigen sich früh an. Problematischer ist die parallele Geschichte um Brents Freund Jamie und dessen ungewöhnliche Beziehung, die zwar als Kontrast zur Haupthandlung funktioniert, den Film aber auch etwas zerfasert. Trotzdem bleibt "The Loved Ones" ein ausgesprochen unterhaltsamer und unangenehmer Horrorfilm, der aus einer simplen Ausgangsidee erstaunlich viel herausholt. Sean Byrne verbindet Coming-of-Age, schwarze Komödie und Torture-Horror mit einem guten Gespür für Timing und Atmosphäre. Vor allem Robin McLeavy liefert als Lola eine herrlich durchgeknallte und gleichzeitig beunruhigende Vorstellung. Als kompromissloser, schwarzhumoriger australischer Horrorfilm funktioniert "The Loved Ones" am Ende ausgesprochen gut - blutig, böse und deutlich cleverer, als die simple Prämisse zunächst vermuten lässt.

7/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: Ambience Entertainment/Screen Australia/Omnilab Media/Film Victoria/MIFF Premiere Fund

Låt den rätte komma in - Let The Right One In - So finster die Nacht (2008 )

https://www.imdb.com/de/title/tt1139797/
https://letterboxd.com/film/let-the-right-one-in/

Oskar (Kare Hedebrant), ein zwölfjähriger Junge, lebt isoliert. Er leidet unter den Gemeinheiten von Mitschülern, einen richtigen Freund hat er nicht. In seiner sensiblen Seele brodelt es gewaltig, aber seine Rachepläne setzt er nie um. Dann lernt er Eli (Lina Leandersson) kennen, eine mysteriöse Nachbarin. Sie ist immer nur nach Sonnenuntergang draußen und trägt viel zu leichte Kleidung. Egal, Oskar scheint endlich eine ihm verwandte Seele gefunden zu haben. Doch das bleiche Mädchen mit den traurigen Augen, das mit ihrem angeblichen Vater in der Nachbarwohnung lebt, hütet ein blutiges Geheimnis...

"Let The Right One In" ist weit mehr als ein Vampirfilm. Es ist einer der Filme, die das Genre nicht einfach neu erzählen, sondern seine bekannten Regeln für eine ganz andere Geschichte nutzen. Tomas Alfredson  verlegt John Ajvide Lindqvists Roman in einen verschneiten Stockholmer Vorort und verbindet Coming-of-Age, Einsamkeit, erste Liebe, Mobbing und Horror zu einem ungewöhnlich ruhigen, atmosphärisch dichten Film. Besonders stark sind die beiden jungen Hauptdarsteller, die winterliche Bildsprache und die konsequente Ambivalenz zwischen Zärtlichkeit und Brutalität. Das Entscheidende ist dabei die Beziehung zwischen Oskar und Eli. Beide sind Außenseiter, beide leben in einer Welt, in der sie sich nicht wirklich zugehörig fühlen. Aus ihrer vorsichtigen Annäherung entsteht etwas, das gleichzeitig wie Freundschaft, erste Liebe und eine gefährliche Abhängigkeit wirkt. Alfredson erzählt diese Beziehung bemerkenswert ruhig und ohne romantische Überhöhung. Gerade dadurch wird sie so intensiv. Die Verbindung der beiden ist berührend, aber immer auch verstörend, weil Eli eben kein harmloses Mädchen ist.

Kåre Hedebrant und Lina Leandersson sind hervorragend. Hedebrant spielt Oskar verletzlich und zurückhaltend, ohne die Figur zum bloßen Opfer zu machen. Leandersson besitzt als Eli dagegen eine faszinierende Mischung aus kindlicher Ruhe und unheimlicher Überlegenheit. Beide tragen den Film praktisch über ihre Blicke und kleinen Gesten. Dass die jungen Darsteller diese schwierige Mischung aus Zärtlichkeit, Gewalt und Einsamkeit so überzeugend vermitteln, ist eine der größten Leistungen des Films. Atmosphärisch ist "Let The Right One In" ohnehin eine Klasse für sich. Der Schnee, die Dunkelheit und die fast farblose Winterlandschaft machen den Vorort zu einem Ort der Isolation. Hoyte van Hoytemas Kamera findet darin wunderschöne, aber gleichzeitig kalte Bilder. Die schwedische Kälte ist nicht bloß Kulisse, sondern wird zum visuellen Ausdruck der Einsamkeit der Figuren. Auch der Horror funktioniert gerade deshalb so gut, weil Alfredson nicht permanent auf Schockeffekte setzt. Blut und Gewalt können plötzlich und ausgesprochen brutal sein, stehen aber nie allein im Mittelpunkt. Der Film lässt seine verstörenden Momente häufig beinahe beiläufig in die Geschichte einfließen. Dadurch entsteht eine unangenehme Selbstverständlichkeit: Für Eli ist Töten keine dramatische Entscheidung, sondern schlicht Teil ihres Überlebens. Gleichzeitig wird Oskar immer stärker in diese Welt hineingezogen. 

Besonders gelungen ist die Art, wie der Film Vampirmotive mit den Themen Mobbing, Einsamkeit und Erwachsenwerden verbindet. Oskars Fantasien von Rache spiegeln Elis tatsächliche Gewalt. Beide kennen Hilflosigkeit, reagieren darauf aber völlig unterschiedlich. Dadurch verschwimmen die Grenzen zwischen Opfer und Täter zunehmend. Auch die berühmte Regel, dass ein Vampir einen Raum nur nach einer Einladung betreten kann, bekommt hier eine zusätzliche Bedeutung: Es geht nicht nur um eine Horrorregel, sondern um Vertrauen und darum, jemanden in das eigene Leben zu lassen. Doch nicht alles ist dabei völlig ausformuliert. Einige Nebenfiguren bleiben eher Skizzen, und bestimmte Handlungselemente wirken bewusst rätselhaft oder werden nur angedeutet. Wer einen geradlinigen Vampirfilm mit klaren Erklärungen und hohem Tempo erwartet, dürfte sich an der entschleunigten Erzählweise ebenfalls stören. Gerade diese Zurückhaltung ist aber Teil seiner Wirkung. Der Film vertraut darauf, dass Atmosphäre und Andeutungen stärker sein können als ausführliche Erklärungen.

"Let The Right One In" ist deshalb ein ungewöhnlich stiller Horrorfilm, der seine stärksten Momente nicht durch Lautstärke, sondern durch Kontraste erreicht: kindliche Unschuld trifft auf brutale Gewalt, erste Liebe auf Abhängigkeit, verschneite Idylle auf blutige Morde. Genau diese Mischung macht ihn bis heute so besonders. Für mich bleibt damit ein atmosphärisch außergewöhnlicher, hervorragend gespielter Vampirfilm, der das Genre gleichzeitig bedient und unterläuft. Nicht jede Nebenhandlung sitzt perfekt und das bewusst langsame Tempo verlangt etwas Geduld. Dafür bekommt man eine ungewöhnlich melancholische Geschichte über zwei einsame Kinder, deren Beziehung gleichermaßen wunderschön und beunruhigend ist.

8/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: EFTI/Bavaria Film International/Sandrew Metronome Sverige/Filmpool Nord/SVT/WAG/Fido Film/Chimney Sweden

Turbulence (2025)

https://www.imdb.com/de/title/tt33009027/
https://letterboxd.com/film/turbulence-2025-1/

Die jungen Eheleute Emmy (Hera Hilmar) und Zach (Jeremy Irvine) sind auf Hochzeitsreise und wollen einen romantischen Trip mit einem Heißluftballon durch die majestätischen Dolomiten in Südtirol unternehmen. Als ihr Ballonführer (Kelsey Grammer) gerade die Leinen losmacht und starten will, springt in letzter Sekunde noch eine weitere Person in den großen Korb für die Fahrgäste. Die Frau ist sehr aufgebracht und aufgrund ihrer recht eindeutigen Äußerungen schließt Emmy, dass ihr Mann die sich immer unberechenbarer gebärdende Julia (Olga Kurylenko) kennen muss. Es dauert nicht lange, da stellt sich heraus, dass Emmy richtig liegt und der Neuankömmling durchaus Gründe dafür hat, nicht gut auf Zach zu sprechen zu sein. So wird aus dem Ausflug in die Wolken schnell ein bedrohliches Psychospiel ums Überleben. In fast fünf Kilometern Höhe kommen immer neue düstere Geheimnisse ans Licht und jedes Wort oder eine unbedachte Bewegung können über Leben und Tod entscheiden…

"Turbolence" nimmt eine eigentlich hervorragende Thriller-Idee: Ein Ehepaar startet mit einem Heißluftballon zu einem romantischen Ausflug über die Dolomiten - doch eine unerwartete dritte Passagierin verwandelt die Fahrt in einen Kampf ums Überleben. Emmy (Hera Hilmar) erkennt schnell, dass Julia (Olga Kurylenko) eine Verbindung zu ihrem Mann Zach (Jeremy Irvine) hat. Aus dem romantischen Ausflug wird ein psychologisches Katz-und-Maus-Spiel hoch über dem Boden. Und diese klaustrophobische Ausgangslage hätte viel Spannung hergegeben. Hätte. Regisseur Claudio Fäh beschränkt den Schauplatz fast vollständig auf den Ballon und nutzt die Höhe, die Enge und die fehlenden Fluchtmöglichkeiten grundsätzlich effektiv. Die Dolomiten liefern zudem spektakuläre Landschaftsbilder. Auch die Darsteller holen aus dem überschaubaren Material einiges heraus: Hilmar funktioniert als zunehmend unter Druck geratene Emmy, während Kurylenko als unberechenbare Julia zumindest zeitweise für Dynamik sorgt. Kelsey Grammer ist als Ballonpilot Harry eine sympathische Ergänzung. Aber das Drehbuch.... Die Figuren sind zu eindimensional, ihre Entscheidungen häufig konstruiert und die Enthüllungen nur selten überraschend. Besonders die Beziehung zwischen Emmy und Zach, die eigentlich das emotionale Fundament bilden müsste, bleibt erstaunlich oberflächlich. Auch Julias Motivation wird früh durchschaubar. Damit verpufft ein großer Teil des psychologischen Potenzials, das der Film mit seinem Dreiecksverhältnis eigentlich besitzt. 

Auch technisch ist "Turbolence" eher zweckmäßig als beeindruckend. Die Aufnahmen der Dolomiten sind schön, doch die eigentlichen Ballonszenen können ihre künstliche Entstehung nicht immer verbergen. Der Film wurde aus Landschaftsaufnahmen und Studioaufnahmen mit Hintergrundprojektionen beziehungsweise Greenscreen kombiniert. Das funktioniert passabel, wirkt aber gerade in den gefährlicheren Momenten nicht immer besonders glaubwürdig. Spannung entsteht deshalb nur punktuell. Einige Situationen funktionieren durchaus und vermitteln ein unangenehmes Gefühl von Höhe und Ausweglosigkeit. Über weite Strecken bleibt die Inszenierung jedoch erstaunlich zahm. Wo Filme wie "Fall" aus einer simplen Extremsituation echten körperlichen Nervenkitzel entwickeln, verliert sich "Turbolence" zu häufig in Beziehungsdrama und vorhersehbaren Wendungen. Schade ist das vor allem deshalb, weil der Film durchaus Ambitionen erkennen lässt. Die Mischung aus Ehekrise, Erpressung, psychologischem Thriller und Survival-Szenario hätte als kleines, konzentriertes Kammerspiel funktionieren können. Stattdessen wirkt vieles wie ein routiniert abgearbeitetes Genre-Skript. Selbst die vergleichsweise kurze Laufzeit von rund anderthalb Stunden fühlt sich dadurch stellenweise länger an, als sie ist. "Turbolence" bleibt am Ende also ein grundsätzlich brauchbarer, aber enttäuschend spannungsarmer Thriller. Die außergewöhnliche Location, einige solide Darstellerleistungen und die interessante Grundidee reichen für ein paar ordentliche Momente. Für mehr fehlt es jedoch an glaubwürdigen Figuren, überraschenden Entwicklungen und vor allem an der nötigen Intensität.

4,5/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: Altitude Film Sales/Head Gear Films/Metrol Technology/Altitude Film Entertainment/Enderby Entertainment/Phiphen Pictures