Moana - Vaiana (2026)

https://www.imdb.com/de/title/tt27419466/
https://letterboxd.com/film/moana/

Vaiana (Catherine Laga'aia) will unbedingt weit raus aufs offene Meer, endlich mal die Welt jenseits des Riffs sehen, das die Insel ihres Volkes umgibt. Doch keiner der Motunui-Stammesgenossen der 16 Jahre alten Prinzessin traut sich so wirklich, dieses Abenteuer einmal konsequent anzugehen – und auch ihr ist der Versuch, das Riff hinter sich zu lassen, verboten. Doch dann gerät das Inselvolk in eine Notlage, und die Nahrung beginnt, langsam knapp zu werden. Vaiana schmiedet deshalb einen Plan und setzt schließlich eines Tages auf eigene Faust in See. Mit an Bord sind der treudoofe Hahn Heihei und das Hausschwein Pua. Unterwegs offenbart sich ihr sogar noch der legendäre Halbgott Maui (Dwayne Johnson), dem sehr mächtige Fähigkeiten nachgesagt werden. Doch schnell stellt sich heraus, dass das mit den Kräften zwar nicht gelogen war, Maui aber eine ganz eigene Suppe angerührt hat, die er zusammen mit Vaiana nun erst mal auslöffeln muss...

Eines gleich vorab: dies ist wohl die mit Abstand faulste Veröffentlichung von Disney, denn die zentrale Schwäche des Live-Action-Remakes von "Vaiana" ist nicht die bekannte Geschichte selbst, sondern die Frage, warum sie kaum verändert noch einmal erzählt werden musste. Die geringe Eigenständigkeit, die künstlich wirkende CGI-Optik und die im Vergleich zum Animationsfilm deutlich schwächere visuelle Dynamik sind da noch die offensichtlichsten Mängel. Disney schickt Moana erneut auf große Fahrt - doch diesmal bleibt der Zauber erstaunlich oft an Land. Die Realverfilmung des Animationshits von 2016 erzählt die bekannte Geschichte nahezu unverändert: Die junge Vaiana verlässt ihre Heimatinsel Motunui, um gemeinsam mit dem Halbgott Maui das gestörte Gleichgewicht der Natur wiederherzustellen und ihr Volk zu retten. Das Abenteuer funktioniert auf dem Papier noch immer, doch Regisseur Thomas Kail gelingt es nur selten, der vertrauten Reise einen eigenen Charakter zu verleihen.

Catherine Lagaʻaia ist dabei kaum ein Vorwurf zu machen. Sie verkörpert Vaiana (im englischen Original Moana) sympathisch, bringt die nötige Energie mit und überzeugt insbesondere bei den Gesangseinlagen. Auch die bekannten Songs von Lin-Manuel Miranda besitzen weiterhin Ohrwurmqualität und erinnern daran, wie viel Herz und musikalischer Schwung bereits in der Vorlage steckten. John Tui als Moanas Vater und Rena Owen als ihre Großmutter sorgen zudem für glaubwürdige Momente im familiären Umfeld. Dwayne Johnson kehrt als Maui in seine Paraderolle zurück, erreicht mit seiner Darstellung aber nicht durchgehend die freche, überbordende Präsenz seines animierten Gegenstücks. Jemaine Clement darf als Tamatoa erneut glänzen, doch gerade dessen musikalischer Auftritt wirkt in der realfilmähnlichen Umsetzung deutlich weniger mitreißend als im Original. 

Das eigentliche Problem liegt in der Inszenierung. Wo die Animation grenzenlose Fantasie, überzeichnete Figuren und spektakuläre Bewegungen ermöglichte, wirkt die Realverfilmung häufig künstlich und überraschend leblos. Das Meer schimmert in sattem Blau, die Landschaften sind farbenprächtig - dennoch fehlt vielen Bildern die Dynamik und emotionale Wucht, die das Original auszeichneten. Die umfangreichen CGI-Effekte lassen fantastische Figuren und Kreaturen zwar aufwendig aussehen, verleihen ihnen aber nicht automatisch mehr Glaubwürdigkeit. Im Gegenteil: Einige der skurrilen Begegnungen verlieren durch ihre realfilmähnliche Umsetzung ihren ursprünglichen Charme. Auch die eher konventionelle Kameraarbeit sorgt nur selten für echtes Abenteuergefühl.

Inhaltlich bleibt die Geschichte mit ihren Themen Selbstvertrauen, Verantwortung, kultureller Identität und dem Respekt vor der Natur durchaus wertvoll. Vaianas Entwicklung zur selbstbestimmten Anführerin funktioniert weiterhin, und die Verbindung zu den Traditionen ihrer Vorfahren verleiht dem Abenteuer eine wichtige kulturelle Dimension. Doch weil Handlung, Dramaturgie, Dialoge und Musik größtenteils 1:1 aus dem Original übernommen wurden, fehlt es an Überraschungen. Neue Ideen, die eine erneute Verfilmung wirklich rechtfertigen würden, sind rar. Mit rund 115 Minuten Laufzeit zieht sich die Reise dadurch stellenweise unnötig in die Länge; bekannte Höhepunkte werden eher reproduziert als neu interpretiert. So bleibt "Vaiana" am Ende ein zwar aufwendig produziertes, musikalisch weiterhin ansprechendes Familienabenteuer, das vor allem von der Qualität seiner Vorlage und Catherine Lagaʻaia profitiert. Die Botschaft stimmt, die Songs funktionieren und einzelne Szenen bewahren einen Teil des ursprünglichen Charmes. Doch die künstliche Optik, die fehlende visuelle Fantasie und die weitgehend uninspirierte Wiederholung lassen das Remake letztlich überflüssig erscheinen. Wer die Geschichte noch nicht kennt, kann durchaus einen unterhaltsamen Familienfilm entdecken. Für alle anderen bleibt das Original von 2016 die deutlich lebendigere, kreativere und emotional stärkere Reise - und damit die bessere Wahl.

4/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: Walt Disney Pictures/Seven Bucks Productions/Flynn Picture Company/5000 Broadway Productions

Cinderella (1950)

https://www.imdb.com/de/title/tt0042332/
https://letterboxd.com/film/cinderella/

Cinderella (Stimme: Ilene Woods) lebt bei ihrer Stiefmutter (Eleanor Audley) und deren beiden, faulen Töchtern Drizella (Rhoda Williams) und Anastasia (Lucille Bliss). Ihre Stiefmutter demütigt sie und gibt ihr stets unschaffbar viel Arbeit auf, da ihre eigenen Töchter nicht so hübsch sind wie Cinderella. Eines Tages lädt der Prinz (William Phipps) sämtliche heiratsfähigen Frauen zu einem Ball ein. Cinderella möchte hingehen, aber ihre Stiefmutter torpediert diesen Wunsch, indem sie ihr massig Arbeit zu tun gibt. Dem unterdrückten Mädchen bleibt kaum Zeit, sich ein Kleid zu nähen. Aber ihre Tier-Freunde helfen dabei, das prachtvolle Gewand rechtzeitig fertigzubekommen. Drizella und Anastasia passt überhaupt nicht, wie hübsch das Kleid geworden ist, also reißen sie es in Stücke...

Mit "Cinderella" gelang Walt Disney 1950 nicht nur eine bezaubernde Neuinterpretation des bekannten Märchens, sondern auch ein entscheidender Erfolg für das angeschlagene Animationsstudio. Die Geschichte der jungen Ella, die nach dem Tod ihres Vaters von ihrer kaltherzigen Stiefmutter Lady Tremaine und deren Töchtern gedemütigt und als Dienstmagd gehalten wird, gehört längst zum kulturellen Allgemeingut. Als der König einen Ball veranstalten lässt, um für seinen Sohn eine Braut zu finden, scheint Cinderella zunächst ausgeschlossen. Doch mit der Hilfe ihrer tierischen Freunde und ihrer guten Fee erhält sie die Chance, ihrem trostlosen Alltag für eine Nacht zu entkommen. Die Handlung ist schlicht und vorhersehbar, entfaltet aber gerade durch ihre klare Märchenstruktur einen zeitlosen Zauber. Die größte Stärke des Films liegt in seiner liebevollen Gestaltung der Nebenfiguren. Während Cinderella selbst als freundliche, geduldige und beinahe unerschütterlich optimistische Heldin eher idealisiert wirkt, sorgen die Mäuse Jaq und Gus für Witz, Bewegung und überraschend viel Spannung - etwa beim Nähen des Kleides, beim mühsamen Transport des Schlüssels oder während der Flucht vor dem Kater Luzifer. Sie ergänzen die vergleichsweise einfache Haupthandlung um kleine Abenteuer mit eigenem Rhythmus. Besonders Gus entwickelt sich mit seiner tollpatschigen Art zum heimlichen Publikumsliebling. Luzifer ist zudem ein hervorragend eingesetzter Gegenspieler: Seine Jagd auf die Mäuse verleiht dem Film einen handfesten Slapstick-Anteil und sorgt für einige der spannendsten Szenen.

Optisch ist "Cinderella" ein Musterbeispiel klassischer Disney-Animation. Die handgezeichneten Figuren, die detailreichen Hintergründe und die leuchtenden Farben schaffen eine märchenhafte Welt, die trotz ihres Alters nichts von ihrer Wirkung verloren hat. Besonders die Verwandlung des Kürbisses in eine Kutsche und der Auftritt der guten Fee gehören zu den unvergesslichen Momenten des Films. Die Animation verbindet elegante Bewegungen mit komödiantischem Timing und zeigt, wie viel Ausdruck sich ohne digitale Effekte erreichen lässt. Auch die Gestaltung des königlichen Schlosses und des Ballsaals ist beeindruckend. Die Regisseure Clyde Geronimi, Wilfred Jackson und Hamilton Luske verstehen es, die Magie des Märchens durch Bildkompositionen und sorgfältig choreografierte Bewegungen lebendig werden zu lassen. Ebenso prägend ist die Musik. Songs wie "Bibbidi-Babbidi-Bu" ("Bibbidi-Bobbidi-Boo"), "Ich hab ihn im Traum gesehen" ("A Dream Is A Wish Your Heart Makes") und "Das ist das Glück" ("So This Is Love") gehören zu den Klassikern des Disney-Repertoires. Sie transportieren Lebensfreude, Sehnsucht und Romantik, ohne den Erzählfluss übermäßig zu unterbrechen. Die musikalischen Passagen sind fest in die Handlung integriert und verleihen dem Film seinen unverwechselbaren Charme. Die Dialoge sind knapp, die Figuren klar charakterisiert und die Komik funktioniert häufig über Blicke, Bewegungen und Timing statt über ausführliche Erklärungen.

Ganz ohne Schwächen ist der Klassiker allerdings nicht. Cinderella bleibt als Persönlichkeit vergleichsweise passiv und wird vor allem durch Geduld, Freundlichkeit und äußere Hilfe aus ihrer Lage befreit. Auch Prinz Charming ist kaum mehr als eine idealisierte Projektionsfläche; zwischen den beiden entwickelt sich nur wenig echte Beziehung, bevor das Märchen seinem romantischen Ziel entgegensteuert. Ein weiterer wunder Punkt: Die Mäuse, der König und sogar der nervöse Großherzog besitzen oft mehr Persönlichkeit als das zentrale Liebespaar. Dennoch ist der Film nicht ausschließlich auf die Rettung durch einen Prinzen reduziert: Cinderellas Mitgefühl, ihre innere Stärke und ihre Weigerung, sich von Grausamkeit vollständig verbiegen zu lassen, sind wichtige Bestandteile ihrer Figur. Auch dramaturgisch funktioniert das Märchen besser, als seine vorhersehbare Handlung vermuten lässt. Die Szenen mit den Mäusen schaffen kleine Spannungsbögen, während die letzten Minuten mit dem verlorenen Glasschuh und dem heimlich herbeigeschafften Schlüssel zu den wirkungsvollsten Sequenzen des Films gehören. Die Gegenspieler sind zwar bewusst überzeichnet, doch Lady Tremaines ruhige Grausamkeit ist oft unangenehmer als offener Zorn. Gerade weil sie ihre Macht über Cinderella so kontrolliert ausübt, wird das häusliche Umfeld glaubwürdig bedrückend. Mit rund 74 Minuten bleibt der Film zudem angenehm kompakt und verliert sich kaum in unnötigen Nebenhandlungen.

Unterm Strich ist "Cinderella" aber immer noch ein zeitloser Disney-Klassiker, dessen herausragende Animation, eingängige Musik und charmante Tierfiguren die vergleichsweise dünne Handlung mühelos tragen. Die Hauptfiguren bleiben psychologisch überschaubar, und das traditionelle Rollenbild lässt sich heute durchaus kritisch betrachten. Doch die visuelle Fantasie, der Humor und die handwerkliche Präzision sind bemerkenswert. "Cinderella" mag nicht zu den komplexesten Disney-Erzählungen gehören, aber als liebevoll gestaltetes Märchen funktioniert der Film noch immer hervorragend - magisch, musikalisch und voller unvergesslicher Szenen.

9/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: Walt Disney Productions

Clayface (2026)

https://www.imdb.com/de/title/tt34890576/
https://letterboxd.com/film/clayface/

Für den aufstrebenden Schauspieler Matt Hagen (Tom Rhys Harries) scheint sich in Gotham City endlich der große Durchbruch abzuzeichnen. Doch kurz bevor sich seine Träume erfüllen, wird er Opfer eines brutalen Angriffs: Ein Gangster entstellt sein Gesicht schwer und zerstört damit nicht nur sein Aussehen, sondern auch seine beruflichen Perspektiven. Auf der Suche nach einer letzten Hoffnung wendet sich Hagen an eine Wissenschaftlerin, die eine neuartige rekonstruktive Technologie entwickelt hat. Das experimentelle Verfahren stellt sein Gesicht tatsächlich wieder her, bringt jedoch unerwartete und folgenschwere Nebenwirkungen mit sich. Sein Körper verwandelt sich in eine lehmartige Substanz, die sich verformen und anpassen kann. Plötzlich muss Matt lernen, mit Fähigkeiten umzugehen, die sein Leben grundlegend verändern. Während er versucht, die Kontrolle über seinen neuen Körper zu gewinnen, sieht er sich mit den weitreichenden Konsequenzen des Experiments und den Herausforderungen seiner veränderten Existenz konfrontiert...

Mit "Clayface" schlägt DC einen angenehm schmutzigen, kompromisslosen Weg ein und liefert statt klassischer Superheldenaction einen düsteren Horrorfilm über Identitätsverlust, Eitelkeit und die zerstörerische Sehnsucht nach Anerkennung. Regisseur James Watkins, der bereits mit (dem Reamke) "Speak No Evil" sein Gespür für unangenehme Spannung bewiesen hat, verbindet grotesken Body-Horror mit einem tragischen Charakterdrama - und macht aus einer eher unbekannten Comicfigur einen überraschend reizvollen Antihelden. Im Mittelpunkt steht der Schauspieler Matt Hagen, dessen vielversprechende Karriere durch eine brutale Entstellung jäh endet. In seiner Verzweiflung lässt er sich auf eine experimentelle Behandlung der Wissenschaftlerin Caitlyn Corr ein. Was zunächst wie ein medizinisches Wunder wirkt, entwickelt sich zum Albtraum: Hagens Körper verändert sich auf erschreckende Weise, während sein Wunsch nach Rache zunehmend die Kontrolle übernimmt. Die Geschichte verbindet damit den klassischen Monsterfilm mit einer bitteren Satire auf Hollywoods Schönheitswahn und eine Branche, in der der äußere Schein oft mehr zählt als der Mensch dahinter.

Tom Rhys Harries ist das Hauptargument für "Clayface". Er trägt den Film mit einer intensiven, körperlich anspruchsvollen Leistung und macht Hagens Verwandlung vom verletzten, verzweifelten Mann zum bedrohlichen Monster nachvollziehbar, ohne die Figur auf ein bloßes Opfer zu reduzieren. Auch Naomi Ackie überzeugt als Caitlyn Corr, die weit mehr ist als die obligatorische Wissenschaftlerin im Horrorszenario. Zwischen beiden entsteht eine emotionale Verbindung, die dem Film zusätzliche Tragik verleiht. David Dencik sorgt als skrupelloser Gegenspieler für unangenehme Präsenz, während Max Minghella in der Rolle des Polizisten John Borrelli einen passenden Kontrast setzt. Die größte Stärke liegt allerdings im handfesten Horror. Verstörende Make-up-Arbeit, überzeugende praktische Effekte und drastische Körperveränderungen sorgen für Bilder, die man nicht so schnell vergisst. Watkins hält dabei erfreulich wenig Abstand zum Geschehen: Verletzungen, Verformungen und körperlicher Verfall werden nicht nur angedeutet, sondern mitunter genüsslich ausgespielt. Und diese Mischung aus Ekel, Tragik und makabrem Humor verleiht dem Film eine angenehm eigenständige Note. Die düstere Bildgestaltung und Volker Bertelmanns Filmmusik unterstützen die unheilvolle Atmosphäre, auch wenn Gotham nicht immer so lebendig und bedrohlich wirkt, wie es die Geschichte verdient hätte.

Dass "Clayface" weitgehend ohne bekannte Superhelden und große Verknüpfungen zum DC-Universum auskommt, ist ein weiterer Pluspunkt. Der Film funktioniert auch ohne umfangreiches Comicwissen und erinnert eher an klassische Monster- und Body-Horror-Filme als an ein gewöhnliches Franchise-Abenteuer. Das Drehbuch von Mike Flanagan und Hossein Amini greift dabei interessante Fragen nach Selbstbild, Schönheit und Menschlichkeit auf. Allerdings bleiben einige dieser Ansätze eher angerissen, und die Mischung aus Liebesgeschichte, Rachethriller und Tragödie findet nicht immer zu einer überzeugenden Balance. Vor allem im letzten Drittel wird die Handlung vorhersehbarer und verliert etwas von ihrer psychologischen Tiefe. Doch am Ende ist "Clayface" ein mutiger, handwerklich starker DC-Film, der mit seinem grotesken Körperhorror, einem überzeugenden Hauptdarsteller und einer angenehm erwachsenen Ausrichtung aus dem üblichen Superheldeneinerlei heraussticht. Nicht jede dramatische Idee geht auf, und das Finale schöpft das Potenzial der Figur nicht vollständig aus. Doch die intensive Atmosphäre, die einprägsamen Schreckmomente und die tragische Grundidee überwiegen. Ein sehenswertes Horror-Experiment, das zeigt, wie spannend Comicverfilmungen sein können, wenn sie sich trauen, wirklich hässlich zu werden.

8/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: DC Studios/Domain Entertainment/6th & Idaho Motion Picture Company/Troll Court Entertainment/The Safran Company

Extrawurst (2026)

https://www.imdb.com/title/tt36586751/
https://letterboxd.com/film/the-holy-grill/

In einem Tennisclub irgendwo in der deutschen Provinz wird das Sommerfest geplant, und unter Heriberts (Hape Kerkeling) strenger Leitung stehen die Vorbereitungen im Mittelpunkt. Als vorgeschlagen wird, für Erol (Fahri Yardım), das einzige muslimische Clubmitglied, einen separaten Grill zu organisieren, brechen unerwartete Spannungen auf. Was als scheinbar harmlose Diskussion beginnt, weitet sich schnell zu einer Debatte über gesellschaftliche und persönliche Konflikte aus. Während die Gemüter immer höher kochen, steht der Verein schließlich kurz vor dem Zerfall.

Ein zweiter Grill reicht, um einen ganzen Tennisverein an den Rand des Zusammenbruchs zu bringen. In "Extrawurst" wird aus einer vermeintlichen Kleinigkeit eine hitzige Debatte über Religion, Toleranz und gesellschaftliche Vorurteile. Regisseur Marcus H. Rosenmüller verfilmt das erfolgreiche Theaterstück von Dietmar Jacobs und Moritz Netenjakob und setzt dabei auf ein prominentes Ensemble und pointierte Wortgefechte. Die Grundidee ist absurd, aber nah genug am Alltag, um einen wunden Punkt zu treffen. Allerdings schöpft die Komödie ihr satirisches Potenzial nicht konsequent aus. Als Melanie (Anja Knauer) vorschlägt, für Erol (Fahri Yardım), das einzige muslimische Mitglied des Vereins, einen separaten Grill anzuschaffen, eskaliert die Diskussion. Vereinsvorsitzender Heribert (Hape Kerkeling), sein Stellvertreter Matthias (Friedrich Mücke) und Melanie und ihr Mann Torsten (Christoph Maria Herbst) verstricken sich in Grundsatzfragen, gegenseitige Vorwürfe und verletzte Eitelkeiten. Besonders treffend ist, dass Erol die Sonderbehandlung gar nicht verlangt - die anderen diskutieren trotzdem darüber, was angeblich das Beste für ihn sei. So entlarvt der Film sowohl kleinkariertes Denken als auch demonstrative moralische Überlegenheit.

Das Ensemble ist solide, wobei Kerkeling und Herbst mit ihrem komödiantischen Timing besonders auffallen. Fahri Yardım setzt wichtige Gegenakzente und verleiht dem Konflikt emotionale Glaubwürdigkeit. Allerdings bleiben manche Figuren eher Sprachrohre bestimmter Haltungen als vielschichtige Charaktere. Die Dialoge sind häufig pointiert und bringen die Streitspirale unterhaltsam voran, drehen sich aber gelegentlich im Kreis. Auch der Slapstick rund um eine außer Kontrolle geratene Tennisballmaschine wirkt eher grob als wirklich originell. Die Theaterherkunft ist deutlich spürbar. Die Handlung bleibt weitgehend auf das Vereinsgelände beschränkt, während Kamera und Schnitt wenig eigene Akzente setzen. Rosenmüller lockert die Diskussionen zwar mit Ortswechseln und körperlicher Komik auf, doch visuell bleibt der Film recht statisch. Auch dramaturgisch hätte eine straffere Bearbeitung gutgetan. Inhaltlich ist "Extrawurst" dagegen durchaus relevant: Der Film zeigt, wie schnell vermeintliche Rücksichtnahme in Bevormundung umschlägt und wie eine Debatte über Minderheiten plötzlich mehr über die Mehrheitsgesellschaft verrät als über die Betroffenen selbst. Allerdings verteilt die Satire ihre Treffer nicht immer mit gleicher Präzision. Einige Positionen werden eher vorgeführt als ernsthaft hinterfragt, wodurch die gesellschaftliche Analyse gelegentlich oberflächlich bleibt. Unterm Strich ist "Extrawurst" eine unterhaltsame Gesellschaftskomödie mit einer starken Grundidee, einem namhaften Ensemble und einigen treffenden Beobachtungen. Die theatralische Inszenierung, wiederholende Streitgespräche und der mitunter grobe Humor verhindern jedoch, dass daraus eine wirklich bissige Satire wird. Der Film regt zum Nachdenken an und sorgt für Lacher, bleibt aber hinter seinen Möglichkeiten zurück.

6,5/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: ARD Degeto/Lieblingsfilm/StudioCanal

Below (2026)

https://www.imdb.com/de/title/tt35934755/
https://letterboxd.com/film/below-2026/

Der alleinziehende Vater und Fischer Calvin Penney (Josh Hartnett) ist gutherzig sowie starrköpfig und lebt mit seiner Familie in einer kleinen Stadt auf Neufundland. Schon seit Jahrzehnten wird er vom mysteriösen Tod seines Vaters verfolgt, welcher so viele offene Fragen hinterlassen hat. Plötzlich fängt eine Meereskreatur an, seine Heimatstadt zu bedrohen und zu terrorisieren, wodurch er und die anderen Fischer ums Überleben kämpfen müssen. Um seinen Sohn Wade (Charlie Heaton) und seine Familie zu beschützen, tut er sich mit der Meeresforscherin Fonda Howander (Mackenzie Davis) zusammen, die in der Stadt nur zu Besuch ist. Zusammen versuchen sie, sich dem Monster entgegenzustellen und dabei die Geheimnisse der Insel zu lösen.

https://www.imdb.com/title/tt36961288/
1. Heimatjahr (Come Home Year)
Fischer Calvin Penney lebt in einem abgelegenen Dorf auf Neufundland und versucht, seine Heimat vor wirtschaftlichen Interessen und einer drohenden Umsiedlung zu bewahren. Während sich die Gemeinde auf das traditionelle Heimatfest vorbereitet, kehren seine Kinder zurück. Alte familiäre Konflikte brechen wieder auf, während sich vor der Küste eine unheimliche Bedrohung zusammenbraut. - 7/10

https://www.imdb.com/title/tt36961289/
2. Glücksrad (Crown And Anchor)
Die Spannungen im Dorf nehmen zu, während die Rückkehr der Familienmitglieder alte Wunden aufreißt. Gleichzeitig sorgt ein mysteriöser Eisberg im Hafen für Unruhe. Ungewöhnliche Ereignisse und die wachsende Gefahr auf See lassen erahnen, dass hinter den Geschehnissen mehr steckt als ein gewöhnliches Naturphänomen. - 7/10

https://www.imdb.com/title/tt37505135/
3. Sir John Franklin (Sir John Franklin)
Die rätselhaften Vorgänge rund um den Hafen und den Eisberg rücken zunehmend in den Mittelpunkt. Die Bewohner versuchen, die Zusammenhänge zu verstehen, während die Bedrohung für die Fischer und ihre Familien wächst. Die Geschichte der Arktis und die Expeditionen des berühmten Polarforschers Sir John Franklin bilden einen thematischen Bezug zur eisigen, unheilvollen Atmosphäre der Serie. - 7/10

https://www.imdb.com/title/tt37505133/
4. Verhängnisvolle Tiefen (The Ocean Will Have Us All)
Die Gefahr aus dem Meer wird immer konkreter. Die ungewöhnlichen Ereignisse bedrohen nicht mehr nur einzelne Fischer, sondern die gesamte Gemeinde. Untersuchungen und die Erfahrungen der Einheimischen liefern Hinweise auf ein Wesen, das mit dem geheimnisvollen Eisberg in Verbindung steht. Gleichzeitig verschärfen sich die Konflikte um die Zukunft des Dorfes. - 7/10

https://www.imdb.com/title/tt37505134/
5. Little Pot Rock (Little Pot Rock)
Calvin stößt auf erschütternde Wahrheiten über seine Vergangenheit. Während er versucht, die neuen Erkenntnisse einzuordnen, macht Fonda eine überraschende Entdeckung. Das Eintreffen unerwarteter Besucher bringt zusätzliche Unruhe in die ohnehin angespannte Lage. Persönliche Geheimnisse und die übernatürliche Bedrohung beginnen sich immer stärker miteinander zu verbinden. - 7/10

https://www.imdb.com/title/tt37505136/
6. Brechende Anker (The Unfathering Deep)
Im Finale spitzt sich der Kampf um das Dorf und seine Bewohner dramatisch zu. Calvin und Fonda versuchen, die Gefahr zu bannen, ohne das Wesen aus dem Meer und seine Nachkommen endgültig zu vernichten. Gleichzeitig drohen wirtschaftliche Interessen und militärische Maßnahmen, die Situation außer Kontrolle geraten zu lassen. Das Ende verbindet die Auflösung des unmittelbaren Konflikts mit einem unheilvollen Ausblick auf die Zukunft. - 7/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: Pacesetter U.K./Paddy Wagon Pictures

Animals (2026)

https://www.imdb.com/title/tt31049299/
https://letterboxd.com/film/animals-2026/

Der Bürgermeisterkandidat von Los Angeles (Ben Affleck) und seine Ehefrau (Kerry Washington) werden aus ihrem scheinbar geordneten Leben gerissen, als ihr Sohn entführt wird. Um die geforderte Lösegeldsumme aufzubringen, geraten die beiden in ein undurchsichtiges Netz aus Lügen, Betrug und Abhängigkeiten. Unter dem wachsenden Druck müssen sie Entscheidungen treffen, die nicht nur ihre moralischen Grenzen infrage stellen, sondern auch ihre politische Karriere und ihre gemeinsame Zukunft gefährden. Mit jedem weiteren Schritt wird unklarer, wem sie noch vertrauen können und welchen Preis sie für die Rettung ihres Sohnes zu zahlen bereit sind.

Mit "Animals" kehrt Ben Affleck auf den Regiestuhl zurück und verbindet einen Entführungsthriller mit politischer Intrige und moralischen Abgründen. Im Mittelpunkt steht Mark Kimball (Affleck), ein Bürgermeisterkandidat in Los Angeles, dessen Leben aus den Fugen gerät, als sein Sohn entführt wird. Gemeinsam mit seiner Frau Abigail (Kerry Washington) versucht er, das geforderte Lösegeld aufzutreiben. Doch schon bald geht es nicht mehr nur um die Rettung eines Kindes, sondern auch um öffentliche Wahrnehmung, persönliche Schuld und den Preis politischer Ambitionen. Die Ausgangslage erinnert zwar an "Kopfgeld", ist aber vielversprechend und bietet reichlich Stoff für ein spannendes Drama über Macht, Geld und menschlichen Egoismus. Leider schöpft der Film sein Potenzial nur teilweise aus.

Die Geschichte will nämlich gleichzeitig nervenaufreibender Kidnap-Thriller, Familiendrama und gesellschaftskritische Betrachtung sein, findet dabei aber nur selten einen überzeugenden Rhythmus. Die Handlung verstrickt sich zunehmend in Wendungen und moralische Konflikte, ohne ihnen genügend Tiefe zu geben. Gerade die Frage, wie weit Menschen gehen, wenn sie ihre Familie schützen oder ihre gesellschaftliche Stellung bewahren wollen, hätte für echte Ambivalenz sorgen können. Stattdessen wirken manche Entwicklungen konstruiert, während die Spannung immer wieder unter Szenen leidet, die mehr erklären als vorantreiben. Auch das Finale kann die zuvor aufgebauten Erwartungen nur bedingt einlösen.

Darstellerisch ist "Animals" aber durchaus ordentlich besetzt, lässt seine Möglichkeiten aber ebenfalls liegen. Affleck verkörpert Mark mit der nötigen Verbissenheit, bleibt als innerlich zerrissener Familienvater jedoch vergleichsweise blass. Kerry Washington bemüht sich, die Verzweiflung und die Belastung ihrer Figur spürbar zu machen, überzieht dabei stellenweise aber das emotionale Spiel. Deutlich mehr Präsenz entwickelt Gillian Anderson als undurchsichtige Akteurin, die dem Geschehen eine angenehm kühle Note verleiht. Steven Yeun ergänzt das Ensemble, erhält jedoch ebenso wenig Raum, wie es die Figurenzeichnung insgesamt zulässt. So gibt es einzelne interessante Momente, aber kaum eine Figur, deren innere Konflikte wirklich nachhaltig beschäftigen.

Auch inszenatorisch bleibt der Film hinter Afflecks besseren Regiearbeiten wie "The Town" oder "Argo" zurück. Zwar bemüht er sich um eine realistische, gegenwartsnahe Atmosphäre und nutzt Los Angeles als Schauplatz einer Geschichte, in der politische Außendarstellung und soziale Ungleichheit eng miteinander verknüpft sind. Die Bilder des erfahrenen Kameramanns Robert Elswit wirken jedoch überraschend flach und wenig eigenständig. Statt die klaustrophobische Situation der Familie visuell zu verdichten, verliert sich die Inszenierung immer wieder in konventionellen Einstellungen und wenig markanten Stadtaufnahmen. Auch der Schnitt verleiht der Handlung nicht immer den nötigen Zug.

Inhaltlich besitzt "Animals" immerhin durchaus Biss. Der Film stellt die Frage, ob moralische Prinzipien Bestand haben, wenn das eigene Ansehen, die Karriere und das Familienglück auf dem Spiel stehen. Zugleich berührt er Themen wie soziale Klassenunterschiede, Migration und die Instrumentalisierung menschlichen Leids für politische Zwecke. Besonders interessant ist dabei der Gegensatz zwischen dem privilegierten Kandidaten und den Menschen, deren Schicksal in seiner Krise eine entscheidende Rolle spielt. Allerdings deutet der Film viele dieser Aspekte eher an, als sie konsequent auszuarbeiten. Seine gesellschaftskritischen Ansätze bleiben dadurch oft Behauptung, statt sich organisch aus den Figuren und ihren Entscheidungen zu entwickeln.

Handwerklich ist "Animals" auch solide, aber eben ohne größere Höhepunkte. Mit rund 106 Minuten ist der Thriller angenehm kompakt, doch die Laufzeit allein sorgt nicht für Tempo. Die Entführung liefert zwar einen grundsätzlich wirkungsvollen Spannungsrahmen, der Gegenspieler bleibt aber zu wenig ausgearbeitet, um eine wirklich bedrohliche Präsenz zu entwickeln. Dadurch fehlt es dem Film an einem klaren dramatischen Gegenpol. Wo ein packender Thriller seine Konflikte zuspitzen und die Figuren zu immer schwierigeren Entscheidungen treiben müsste, verliert sich "Animals" zu häufig in vorhersehbaren Entwicklungen und einer nur bedingt überzeugenden Dramaturgie.

Unterm Strich ist "Animals" ein Thriller mit einer interessanten Grundidee, einem namhaften Ensemble und relevanten gesellschaftlichen Themen, dessen Umsetzung jedoch deutlich hinter den Möglichkeiten zurückbleibt. Ben Affleck gelingt es nicht, aus der moralisch vielversprechenden Ausgangslage ein durchgehend packendes und emotional überzeugendes Drama zu formen. Einige gute Ansätze und Gillian Andersons markante Präsenz halten den Film über Wasser, können die schwache Figurenzeichnung, die wenig aufregende Bildsprache und das unausgereifte Drehbuch aber nicht ausgleichen. Für einen kurzweiligen Thrillerabend reicht das gerade noch - für einen wirklich nachhaltigen Film fehlt "Animals" die nötige Kraft.

5,5/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: Artists Equity/Makeready/Fifth Season

Fantastic Mr. Fox - Der fantastische Mr. Fox (2009)

https://www.imdb.com/de/title/tt0432283/
https://letterboxd.com/film/fantastic-mr-fox/

Der schlaue Mr. Fox (Stimme: George Clooney) hat seine Passion zum Beruf gemacht: Die wilde Hühnerjagd auf fremdem Besitzgrund! Das behagt seiner besorgten Gattin (Meryl Streep) allerdings gar nicht, auch wenn sie gemeinsam schon so manch romantische Hühnerhatz bestritten haben. Nein, diese Tage ist das Diebeshandwerk einfach zu gefährlich, die fiesen Großbauern Grimm, Gräulich und Grob liegen nahezu rund um die Uhr auf der Lauer. Im Interesse von Frau und Söhnchen Ash gibt Mr. Fox die nächtlichen Raubzüge auf und verdingt sich als Zeitungskolumnist. Das ruhige Leben hat ein Ende, als Mr. Fox beschließt, die Großbauern in drei perfekten Raubzügen zu überfallen. Er führt sie zusammen mit seinem Freund Kylie (Wallace Wolodarsky), einem furchtsamen, aber treuen Opossum, durch. Nur macht er sich die drei gierigen Bauern damit zu Todfeinden, die das Heim der Familie Fox unter Beschuss nehmen…

Ein Fuchs, drei skrupellose Bauern und eine ziemlich ausgeprägte Schwäche für Hühner: Was nach einer simplen Kindergeschichte klingt, wird unter der Regie von Wes Anderson zu einem ebenso charmanten wie eigenwilligen Animationsfilm. "Der fantastische Mr. Fox" basiert auf dem Kinderbuch von Roald Dahl und erzählt von Mr. Fox (George Clooney), der seiner kriminellen Vergangenheit eigentlich abgeschworen hat. Doch der Wunsch nach einem größeren Zuhause und der Reiz eines letzten Coups führen dazu, dass er die Bauern Boggis, Bunce und Bean bestiehlt. Die reagieren mit brutaler Entschlossenheit und zwingen Fox, nicht nur um sein eigenes Überleben, sondern auch um das seiner Familie und der gesamten Tiergemeinschaft zu kämpfen. Schon die Ausgangslage zeigt, wie gut Andersons Handschrift zu Dahls schwarzem Humor passt. Mr. Fox ist ein charismatischer Angeber, clever und charmant, aber auch egoistisch und erstaunlich unreif. Seine Abenteuerlust bringt die Familie in Gefahr, während sein Sohn Ash (Jason Schwartzman) mit eigenen Unsicherheiten und dem vermeintlich überlegenen Cousin Kristofferson zurechtkommen muss. Hinter den Überfällen und Verfolgungsjagden steckt damit auch eine Geschichte über Verantwortung, Selbstbild und die schwierige Balance zwischen Individualität und Familie. Die Figuren sind herrlich verschroben, ohne ihre Schwächen zu verlieren. Der Film nimmt Kinder ernst, erklärt nicht alles bis ins Detail und erlaubt sich einen trockenen, manchmal erstaunlich düsteren Humor. 

Der größte Trumpf ist die Stop-Motion-Animation - und ja, die muss man mögen. In einer Zeit, in der computeranimierte Filme zunehmend auf glatte Oberflächen und digitale Perfektion setzten, wirkt "Der fantastische Mr. Fox" bewusst handgemacht. Das zottelige Fell, die leicht ruckartigen Bewegungen und die liebevoll gestalteten Miniaturkulissen verleihen der Welt einen unverwechselbaren Charakter. Anderson nutzt diese Technik nicht nur aus nostalgischen Gründen, sondern macht ihre Eigenheiten zum Teil des visuellen Stils. Die symmetrischen Bildkompositionen, die sorgfältig abgestimmten Farben und die detailverliebte Ausstattung sind unverkennbar seine Handschrift. Jeder Raum und jedes Objekt scheint durchdacht, ohne dass die Welt dadurch steril wirkt. Im Gegenteil: Gerade die kleinen Unregelmäßigkeiten verleihen den Figuren und Schauplätzen Leben. Auch Kameraführung und Schnitt sind präzise aufeinander abgestimmt und sorgen dafür, dass selbst hektische Flucht- und Actionszenen übersichtlich bleiben. Ebenso gelungen ist die Besetzung. George Clooney verleiht Mr. Fox genau die richtige Mischung aus lässiger Eleganz, Selbstüberschätzung und unterschwelliger Unsicherheit. Meryl Streep bildet als Mrs. Fox das emotionale Gegengewicht, ohne zur bloßen vernünftigen Ehefrau degradiert zu werden. Jason Schwartzman trifft als Ash den Ton eines Jugendlichen, der sich ständig unterschätzt fühlt und seinen Platz in der Familie sucht. Dazu kommen Bill Murray, Willem Dafoe, Owen Wilson und Michael Gambon, die selbst kleineren Rollen ein eigenes Profil geben. Die Dialoge sind trocken, schnell und voller skurriler Einfälle. Statt auf übertriebene Albernheiten setzt der Film auf Wortwitz, absurde Situationen und Figuren, die ihre Eigenarten mit erstaunlicher Ernsthaftigkeit ausleben. Auch der Soundtrack passt hervorragend: Die Musik verleiht dem Film einen warmen, leicht nostalgischen Charakter und unterstreicht seinen besonderen Rhythmus, ohne die Dialoge zu überdecken.

Ganz ohne Schwächen ist das Abenteuer allerdings nicht. Andersons unverwechselbarer Stil kann mitunter etwas selbstverliebt wirken, und die vielen Details, Nebenfiguren und Dialogideen lenken gelegentlich vom eigentlichen Konflikt ab. Wer eine geradlinige, emotional stark zugespitzte Familiengeschichte erwartet, könnte sich an der episodischen Erzählweise und der demonstrativen Schrulligkeit stoßen. Auch die Erweiterungen gegenüber Dahls Vorlage machen die Geschichte komplexer, aber nicht in jeder Hinsicht zwingender. Die eigenständige, ungewöhnliche Welt des Films ist grandios und sein selbstbewusstes Vertrauen darauf, dass auch jüngere Zuschauer mit dunkleren Untertönen und nicht sofort verständlichen Details umgehen können ist sicher eine seiner großen Stärken, verlangen dem (gerade jüngeren) Publikum aber auch etwas Geduld ab. Thematisch ist "Der fantastische Mr. Fox" mehr als ein tierisches Abenteuer. Der Film handelt davon, wie schwierig es ist, die eigene Natur zu verleugnen, ohne dabei die Menschen zu verletzen, die einem am nächsten stehen. Mr. Fox will sich einerseits als verantwortungsvoller Familienvater beweisen, andererseits kann er seine Lust am Risiko kaum unterdrücken. Seine Entwicklung ist deshalb keine klassische Läuterung, sondern ein Versuch, Individualität und Verantwortung miteinander zu vereinbaren. Gleichzeitig richtet der Film einen bissigen Blick auf die rücksichtslose Ausbeutung der Natur und den Konflikt zwischen menschlichen Besitzansprüchen und tierischem Überlebenswillen. Die drei Bauern sind dabei bewusst überzeichnete Gegenspieler, deren Gier und Brutalität dem anarchischen Humor eine angenehm böse Note verleihen. 

Unterm Strich ist "Der fantastische Mr. Fox" ein außergewöhnlicher Animationsfilm, der handwerkliche Präzision, schwarzen Humor und eine eigenständige Bildsprache zu einem wunderbar verschrobenen Gesamterlebnis verbindet. Die Stop-Motion-Animation ist ein echtes Highlight, die Sprecherbesetzung hervorragend und Wes Andersons unverkennbare Handschrift passt erstaunlich gut zu Roald Dahls bissiger Fantasie. Dass die Handlung gelegentlich etwas zerfasert und der Stil nicht jeden Geschmack treffen dürfte, fällt angesichts des Einfallsreichtums kaum ins Gewicht. Ein intelligenter, warmherziger und herrlich eigenwilliger Film, der Kinder unterhält und Erwachsenen genug Stoff zum Schmunzeln und Nachdenken bietet.

8,5/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: Regency Enterprises/Indian Paintbrush/American Empirical Pictures

Hush - Still (2016)

https://www.imdb.com/title/tt5022702/
https://letterboxd.com/film/hush-2016/

Die taubstumme Thriller-Autorin Maddie (Kate Siegel) verlor im Alter von 13 Jahren im Zuge einer bakteriellen Meningitis ihr Hörvermögen. Nach dem Erfolg ihres ersten Romans hat Maddie New York verlassen, um mit ihrer Katze ein ruhiges Leben in den Wäldern zu führen. Aktuell leidet sie jedoch unter einer Schreibblockade. Ihre Nachbarin Sarah (Samantha Sloyan) kommt vorbei und die Frauen unterhalten sich per Gebärdensprache über Maddies Isolation. Später in derselben Nacht verfolgt ein maskierter Killer mit einer Armbrust die bereits getroffene und blutüberströmte Sarah bis zu Maddies Haus, doch ihre Hilferufe bleiben natürlich ungehört. Deshalb erkennt der Kerl schnell, dass Maddie taub ist, und beschließt, sie zu seinem nächsten Opfer zu machen. Er schleicht sich ins Haus, stiehlt ihr Handy, während sie mit ihrer Schwester (Emma Graves) per Videoanruf auf ihrem Laptop kommuniziert. Er macht Fotos von Maddie und sendet sie an ihren Computer...

Mit "Hush" beweist Mike Flanagan, dass wirkungsvoller Horror weder ein großes Ensemble noch eine komplizierte Geschichte benötigt. Die gehörlose Schriftstellerin Maddie Young (Kate Siegel) lebt zurückgezogen in einem Haus im Wald. Als ein maskierter Killer (John Gallagher Jr.) vor ihrer Tür auftaucht, beginnt ein brutales Katz-und-Maus-Spiel, bei dem Maddie ihre Einfallsreichtum und ihren Überlebenswillen unter Beweis stellen muss. Die einfache Ausgangslage ist nicht neu, wird aber geschickt genutzt, um einen intensiven Home-Invasion-Thriller aufzubauen. Der Umgang mit Ton und Stille macht diesen Film aus. Flanagan macht Maddies Gehörlosigkeit zum zentralen dramaturgischen Element: Alltägliche Geräusche werden bewusst hervorgehoben, bevor die Tonspur verstummt und das Publikum ihre eingeschränkte Wahrnehmung nachempfindet. So entsteht Spannung, ohne dass der Film ständig auf laute Schockeffekte angewiesen wäre. Auch die räumlich übersichtliche Inszenierung überzeugt: Das abgelegene Haus wird zum klaustrophobischen Spielfeld, in dem jede Tür und jedes Fenster neue Möglichkeiten oder Gefahren eröffnet. 

Kate Siegel trägt den Film mit einer glaubwürdigen, körperlich intensiven Darstellung. Maddie ist keine unbesiegbare Actionheldin, sondern eine verletzliche Frau, die ihre Chancen abwägen und unter enormem Druck improvisieren muss. John Gallagher Jr. bildet dazu einen unangenehm unberechenbaren Gegenpart. Sein zunächst beinahe spielerisches Auftreten macht den Eindringling besonders bedrohlich. Die Nebenfiguren bleiben dagegen erwartungsgemäß blass, was bei der Konzentration auf das zentrale Duell kaum überrascht. Auch Kamera, Schnitt und Sounddesign leisten gute Arbeit. Die Bilder nutzen die Abgeschiedenheit des Schauplatzes, während die Montage die Orientierung bewahrt und die Konfrontationen wirkungsvoll zuspitzt. Die Gewalt ist direkt und mitunter unangenehm, wird aber nicht zum alleinigen Selbstzweck. Mit rund 82 Minuten bleibt der Film angenehm kompakt und verzichtet auf unnötige Nebenhandlungen. Allerdings lässt die Dramaturgie im letzten Drittel nach. Einige Wendungen wirken konstruiert, einzelne Entscheidungen der Figuren sind nicht immer nachvollziehbar, und der Killer bleibt psychologisch oberflächlich. Gerade weil die Ausgangslage so konsequent aufgebaut ist, fallen die zunehmend konventionellen Elemente des Finales umso stärker auf. Auch die Grundidee selbst ist weniger revolutionär, als ihre gelungene Umsetzung zunächst vermuten lässt. 

Inhaltlich erzählt "Hush" von Selbstbehauptung und Anpassungsfähigkeit, ohne seine Hauptfigur auf ihre Gehörlosigkeit zu reduzieren. Damit bleibt ein spannender, handwerklich überzeugender Horrorfilm, der aus einer schlichten Prämisse viel herausholt. Kate Siegel überzeugt, Gallagher Jr. sorgt für eine unangenehme Bedrohlichkeit, und Flanagan beweist ein ausgezeichnetes Gespür für Atmosphäre und Suspense. Die vorhersehbaren Elemente und das schwächere Finale verhindern eine höhere Wertung. Für Fans von Home-Invasion-Thrillern bleibt der Film dennoch eine klare Empfehlung.

7/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: Intrepid Pictures/Blumhouse Productions

The Town - The Town: Stadt ohne Gnade (2010)

https://www.imdb.com/de/title/tt0840361/
https://letterboxd.com/film/the-town/

Doug MacRay (Ben Affleck) hat mit seinen drei Freunden Jem (Jeremy Renner), "Gloansy" (Slaine) und Desmond (Owen Burke) im Auftrag des skrupellosen "Paten" Fergie (Pete Postlethwaite) eine Bank überfallen. Doch dieses Mal läuft nicht alles so glatt wie zuvor. Jem richtet einen Bankangestellten übel zu und nimmt Filialleiterin Claire Keesey (Rebecca Hall) kurzzeitig als Geisel. Später drängt er darauf, sie zu töten, weil sie angeblich zu viel gesehen hat. Doug versucht dies mit allen Mitteln zu verhindern und macht sich selbst an Claire ran, um so herauszufinden, ob sie wirklich etwas weiß. Währenddessen wird Jem immer unberechenbarer. Gemeinsam mit Auftraggeber Fergie drängt er auf weitere Überfälle, während sich längst eine FBI-Spezialeinheit um die Agenten Adam Frawley (Jon Hamm) und Dino Ciampa (Titus Welliver) an die Fersen der Band geheftet hat...

Ben Afflecks zweiter Spielfilm als Regisseur ist ein packender Bankraub-Thriller, der klassische Gangsterfilm-Motive mit einem rauen Milieuporträt und einer tragischen Liebesgeschichte verbindet. Im Mittelpunkt steht Doug MacRay (Affleck), der mit seiner Gang im Bostoner Stadtteil Charlestown Banken und Geldtransporter überfällt. Als die Gruppe bei einem Überfall die Filialleiterin Claire Keesey (Rebecca Hall) als Geisel nimmt, gerät Doug in einen Konflikt, der sein gesamtes Leben infrage stellt: Er verliebt sich in die Frau, die eigentlich nichts über seine kriminelle Vergangenheit erfahren darf. Gleichzeitig sitzt ihm FBI-Agent Frawley (Jon Hamm) im Nacken, während sein unberechenbarer Komplize Jem (Jeremy Renner) zunehmend zur Gefahr wird. Die Konstellation ist nicht neu, doch Affleck versteht es, aus vertrauten Zutaten einen ausgesprochen wirkungsvollen Thriller zu formen. Besonders stark ist die Verankerung der Geschichte in Charlestown. Das Viertel erscheint nicht bloß als Kulisse, sondern als engmaschige Gemeinschaft, in der familiäre Bindungen, Loyalität und kriminelle Traditionen kaum voneinander zu trennen sind. Doug kennt praktisch keinen Ausweg aus einer Welt, in die er hineingeboren wurde und deren Regeln er verinnerlicht hat. Sein Wunsch nach einem Neuanfang wirkt deshalb nachvollziehbar, ohne dass der Film seine Verbrechen verharmlost. Zwar greift das Drehbuch dabei auf bekannte Motive zurück - den Kriminellen mit Gewissen, die verhängnisvolle Liebe und den letzten großen Coup -, doch die sorgfältige Milieuschilderung verleiht ihnen genug Gewicht. Roger Ebert lobte insbesondere die Fähigkeit des Films, beim Publikum echte Anspannung für seine Figuren zu erzeugen, merkte aber auch an, dass die Charakterentwicklung nicht durchgehend mit der effektiven Thrillerhandlung mithalten kann.

Auch darstellerisch überzeugt der Film. Affleck spielt Doug zurückhaltend und mit einer gewissen emotionalen Verschlossenheit. Das passt zur Figur, lässt sie stellenweise aber etwas blass wirken. Rebecca Hall verleiht Claire Wärme und Glaubwürdigkeit; ihre Figur ist mehr als bloß das romantische Gegenstück zum Gangster, auch wenn die Liebesgeschichte gelegentlich arg schnell voranschreitet. Den stärksten Eindruck hinterlässt Jeremy Renner als Jem. Seine Mischung aus Loyalität, Aggression und unberechenbarer Gewalt macht ihn zum eigentlichen Pulverfass der Gang. Jon Hamm bringt als FBI-Agent die nötige Beharrlichkeit mit, während Pete Postlethwaite als krimineller Strippenzieher Fergus Colm eine unangenehm joviale Bedrohlichkeit ausstrahlt. Chris Cooper und Blake Lively ergänzen das Ensemble, auch wenn ihre Rollen weniger Raum zur Entfaltung bekommen. Die Besetzung sorgt dafür, dass selbst vertraute Figurenkonstellationen lebendig bleiben. Seine größte Stärke zeigt "The Town" in der Inszenierung der Überfälle. Affleck baut die Spannung mit klarer räumlicher Orientierung, präzisem Timing und einer angenehm handfesten Inszenierung auf. Maskierungen, Fluchtwege und die nervöse Dynamik zwischen den Beteiligten verleihen den Raubzügen eine greifbare Intensität. Besonders die Verfolgungsjagden und Schusswechsel sind mitreißend, ohne im hektischen Schnitt unübersichtlich zu werden. Kameramann Robert Elswit fängt Boston und seine Straßen in einer nüchternen, rauen Bildsprache ein, die gut zum sozialen Umfeld der Figuren passt. Schnitt und Sounddesign unterstützen die Spannung wirkungsvoll; auch der Score setzt Akzente, ohne die Szenen emotional zu überladen. Der Film beweist hier ein sicheres Gespür für Rhythmus und Atmosphäre.

Ganz frei von Schwächen ist das Ganze allerdings nicht. Die Handlung nimmt einige dramaturgische Abkürzungen, und die Beziehung zwischen Doug und Claire entwickelt sich mitunter zu bequem für eine Geschichte, in der Vertrauen und Täuschung zentrale Rollen spielen. Auch die Vorstellung, dass Doug sich ausgerechnet durch die Nähe zu seinem früheren Opfer aus seinem Milieu lösen könnte, wird eher romantisch zugespitzt als psychologisch konsequent ausgearbeitet. Manche Nebenfiguren bleiben funktional, während der Film seine Gangster gelegentlich stärker mystifiziert, als es die Härte ihrer Taten rechtfertigen würde. Zudem ist der Konflikt zwischen Doug und Jem deutlich interessanter als die vergleichsweise konventionelle Jagd des FBI. Der Guardian hob in seiner positiven Besprechung die Energie der Regie, die starken Darsteller und die gelungenen Actionsequenzen hervor; zugleich zeigen andere Kritiken, dass der Film seine Genreklischees nicht immer überwindet. Inhaltlich geht es um Herkunft, Loyalität und die Frage, ob man sich tatsächlich von seiner Vergangenheit lösen kann. Charlestown steht für eine Gemeinschaft, die Schutz bietet und zugleich gefangen hält. Doug muss entscheiden, ob seine Verbundenheit zu Jem und die unausgesprochenen Regeln seines Umfelds schwerer wiegen als der Wunsch nach einem anderen Leben. Der Film macht daraus kein tiefschürfendes Sozialdrama, besitzt aber genügend Gespür für die Widersprüche seiner Figuren, um über den reinen Nervenkitzel hinauszugehen. Dass er dabei nicht jede moralische Frage auslotet und sich gelegentlich in Gangsterromantik verliert, verhindert den ganz großen Wurf.

Aber letztlich ist "The Town" ein hervorragend inszenierter und über weite Strecken hochspannender Kriminalfilm, der mit einem starken Ensemble, präzise choreografierten Raubüberfällen und einem überzeugend gezeichneten Milieu punktet. Die Geschichte bleibt in Teilen vorhersehbar, und nicht alle Figuren erhalten die nötige Tiefe. Doch Afflecks Gespür für Tempo, Atmosphäre und Darsteller macht aus dem vertrauten Stoff weit mehr als routinierte Genrekost. Ein paar dramaturgische Schwächen verhindern die Höchstwertung, am Ende steht aber ein moderner Gangsterthriller, der lange nachwirkt und Afflecks Talent als Regisseur eindrucksvoll bestätigt.

8/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: Legendary Pictures/GK Films/Thunder Road/Warner Bros. Pictures

Time Cut (2024)

https://www.imdb.com/de/title/tt14857528/
https://letterboxd.com/film/time-cut/

Lucy Field (Madison Bailey) hat ihre Schwester Summer (Antonia Gentry) nie kennen gelernt: Vor zwanzig Jahren wurden sie und drei weitere Teenager von einem maskierten Killer brutal ermordet. Durch ein unerklärliches Phänomen gerät Lucy eines Tages in einen Zeitwirbel, der sie zurück ins Jahr 2003 katapultiert – und zwar exakt in die Woche, in der die Morde verübt wurden. Nachdem die Jugendliche begriffen hat, wo – oder besser gesagt: wann – sie sich befindet, fasst sie einen Entschluss: Sie will Summer und die anderen Opfer vor dem schrecklichen Schicksal, das ihnen droht, bewahren. Doch dazu muss Lucy die vier erst einmal davon überzeugen, dass sie eine Besucherin aus der Zukunft ist. Dann wäre natürlich irgendwie dem Mörder ins Handwerk zu pfuschen, dessen Identität nie geklärt werden konnte. Nicht zuletzt würde Lucy irgendwann auch gern wieder in ihre eigene Zeit zurückreisen - und all das, ohne durch ihr Eingreifen das Raum-Zeit-Kontinuum völlig durcheinander zu bringen.

"Time Cut" kombiniert Teenie-Slasher und Zeitreisegeschichte, verschenkt dabei aber eine durchaus reizvolle Grundidee. Die Schülerin Lucy Field (Madison Bailey) landet unfreiwillig im Jahr 2003 – wenige Tage bevor ihre ältere Schwester Summer (Antonia Gentry) von einem maskierten Killer ermordet werden soll. Lucy versucht, die Tat zu verhindern und damit ihre Familiengeschichte zu verändern. Das verspricht einen spannenden Mix aus Zeitreiseparadoxien, Slasher-Horror und 2000er-Nostalgie, bleibt erzählerisch jedoch erstaunlich einfallslos. Madison Bailey wirkt als Lucy blass und kann den inneren Konflikt ihrer Figur nur bedingt vermitteln. Antonia Gentry bringt als Summer etwas mehr Leben in die Geschichte, doch die Nebenfiguren bleiben weitgehend austauschbar. Die Dialoge sind häufig hölzern, emotionale Momente wirken aufgesetzt und die Beziehungen zwischen den Figuren entwickeln kaum echte Tiefe. Dadurch fehlt dem Film ein überzeugendes Zentrum, das über seine konstruierten Genreideen hinausgeht.

Auch inszenatorisch bleibt vieles auf Routine-Niveau. Die Mode, Musik und Ausstattung sollen das Jahr 2003 wiederaufleben lassen, wirken aber eher wie eine Ansammlung nostalgischer Klischees. Der Slasher-Anteil enttäuscht zusätzlich: Die Morde sind wenig kreativ, der Killer entwickelt kaum bedrohliche Präsenz und eine wirklich unheimliche Atmosphäre kommt nicht auf. Statt Spannung aufzubauen, arbeitet der Film seine Pflichtstationen ab. Die Regeln der Zeitreise werden zudem nicht konsequent durchdacht, während die möglichen Folgen von Lucys Eingriffen in die Vergangenheit nur oberflächlich behandelt werden. Gerade der Konflikt zwischen der Rettung ihrer Schwester und den Konsequenzen für die eigene Existenz hätte der Geschichte emotionale und dramaturgische Tiefe verleihen können. Stattdessen dominieren vorhersehbare Wendungen und ein Finale, das mehr konstruiert als überraschend wirkt.

Handwerklich ist "Time Cut" durchaus solide, aber ohne nennenswerte Höhepunkte. Ausstattung und Soundtrack liefern etwas 2000er-Flair, doch weder Kamera noch Schnitt entwickeln einen eigenen Stil. Mit rund 91 Minuten fällt der Film zwar kurz aus, wirkt angesichts seiner dünnen Handlung aber trotzdem erstaunlich uninspiriert. Im Vergleich zu "Happy Deathday" oder "Totally Killer" fehlen ihm sowohl der selbstironische Humor als auch die kreativen Einfälle, die eine ähnliche Mischung aus Horror und Zeitreise tragen könnten. Unterm Strich scheitert der Film weniger an seiner Ausgangsidee als an deren liebloser Umsetzung. Blasse Figuren, spannungsarme Morde und ein löchriges Drehbuch machen aus dem vielversprechenden Konzept einen austauschbaren Netflix-Slasher. Die nostalgische Kulisse ist letztlich kaum mehr als Dekoration. Für nebenbei reicht es, doch einen überzeugenden Horrorfilm oder eine originelle Zeitreisegeschichte sollte man nicht erwarten.

4,5/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: ACE Entertainment

Love Hurts - Love Hurts: Liebe tut weh (2025)

https://www.imdb.com/de/title/tt30788842/
https://letterboxd.com/film/love-hurts-2025/

Hinter der Fassade des unscheinbaren Vorstadtmaklers Marvin (Ke Huy Quan) verbirgt sich mehr, als man auf den ersten Blick vermutet. Sein Leben wirkt ruhig, fast langweilig, während er gepflegte Häuser in einer idyllischen Nachbarschaft verkauft. Doch diese Fassade beginnt zu bröckeln, als seine längst verdrängte Vergangenheit ihn einholt. Unerwartet taucht sein Bruder (Daniel Wu) auf, ein charismatischer, aber gefährlicher Gangsterboss, der alte Konflikte und neue Gefahren mit sich bringt. Plötzlich werden aus den friedlichen Vorstadthäusern blutige Schauplätze eines erbitterten Überlebenskampfs. Marvin bleibt keine Wahl: Er muss sich seiner Vergangenheit stellen und beweisen, dass hinter seinem gewöhnlichen Äußeren Fähigkeiten schlummern, die ihn weit mehr als nur durchschnittlich machen.

Mit "Love Hurts" gibt Ke Huy Quan nach seinem Oscar-Erfolg mit "Everything Everywhere All At Once" erneut als Actionheld Vollgas. In seinem Spielfilmdebüt erzählt Regisseur Jonathan Eusebio die Geschichte von Marvin Gable, der sich im Immobiliengeschäft ein ruhiges Leben aufgebaut hat. Doch als seine frühere Komplizin Rose (Ariana DeBose) wieder auftaucht, holt ihn seine gewalttätige Vergangenheit ein. Plötzlich muss sich der freundliche Makler mit Auftragskillern, Verrat und seinem kriminellen Bruder Knuckles (Daniel Wu) auseinandersetzen. Die Grundidee eines ehemaligen Killers, der zwischen Besichtigungsterminen wieder zur Kampfmaschine wird, bietet durchaus Potenzial - wirklich ausgeschöpft wird es allerdings nicht. Ke Huy Quan sehe ich aber gern. Er besitzt eine sympathische Ausstrahlung, bringt hier körperlichen Einsatz mit und wirkt sichtlich motiviert, seine Fähigkeiten als Martial-Arts-Darsteller zu zeigen. Gerade in den Kampfszenen blitzt auf, was für einen unterhaltsamen Actionhelden er abgeben könnte. Allerdings wird Marvin als Figur nur oberflächlich ausgearbeitet. Auch Ariana DeBose kann als Rose wenig ausrichten, da ihre Beziehung zu Marvin emotional kaum greifbar wird. Daniel Wu sorgt als bedrohlicher Gegenspieler für etwas mehr Präsenz, während die zahlreichen Nebenfiguren häufig wie wandelnde Stichwortgeber wirken.

Bei der Action zeigt "Love Hurts" immerhin gelegentlich seine Stärken. Die Choreografien sind abwechslungsreich, die Nahkämpfe angenehm direkt und einige Einfälle sorgen für kurzweilige Unterhaltung. Eusebios Erfahrung als Stuntkoordinator ist dabei durchaus erkennbar. Allerdings fehlt es vielen Sequenzen an einem überzeugenden Rhythmus und klarer Inszenierung. Statt elegant choreografierter Action entsteht teilweise ein hektisches Durcheinander, bei dem die einzelnen Treffer kaum Wirkung entfalten. Der Film möchte offenbar an die überdrehten Actionkomödien vergangener Jahrzehnte erinnern, erreicht deren spielerische Leichtigkeit aber nur selten. Auch der Humor ist Geschmackssache. Die Gegenüberstellung des freundlichen Immobilienmaklers mit seiner brutalen Vergangenheit liefert eine grundsätzlich amüsante Ausgangslage. Einzelne absurde Einfälle funktionieren durchaus, doch viele Gags wirken übertrieben oder werden zu lange ausgespielt. Der Wechsel zwischen blutiger Gewalt, Slapstick und romantischen Momenten gelingt nicht immer. Was als bewusst überdrehte Mischung gedacht ist, wirkt dadurch stellenweise eher unausgegoren als herrlich verrückt.

Aber die Handlung ist vorhersehbar, die Dialoge bleiben häufig oberflächlich und die zahlreichen Figuren erhalten kaum Gelegenheit, sich zu entwickeln. Besonders die romantische Komponente zwischen Marvin und Rose wirkt wenig überzeugend, weil Chemie und emotionale Tiefe fehlen. Auch die Auseinandersetzung mit Marvins Vergangenheit wird eher behauptet als wirklich erzählt. Mit einer Laufzeit von nur 83 Minuten ist der Film zwar angenehm kurz, trotzdem fühlt sich die Geschichte stellenweise erstaunlich zerfahren an. Optisch setzt "Love Hurts" auf knallige Farben, überzeichnete Charaktere und eine bewusst künstliche Welt. Das passt grundsätzlich zum Comic-haften Ton der Geschichte, wirkt aber nicht immer stimmig. Auch der Soundtrack unterstreicht die überdrehte Stimmung mit Nachdruck, drängt sich dabei jedoch gelegentlich zu sehr in den Vordergrund. Technisch ist das alles solide, ohne dem Film eine wirklich eigene visuelle Identität zu verleihen. Unterm Strich ist "Love Hurts" eine gut gemeinte, aber nur teilweise gelungene Actionkomödie. Ke Huy Quan bringt Charme und körperlichen Einsatz mit, und einige Kampfszenen machen durchaus Spaß. Doch schwaches Drehbuch, wenig überzeugende Figuren, flache Witze und eine unausgewogene Mischung aus Gewalt, Romantik und Humor verhindern, dass daraus mehr wird. Für einen kurzweiligen Filmabend reicht es gerade so - das verschenkte Potenzial bleibt allerdings deutlich spürbar.

5/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: 87North Productions/Universal Pictures

Tremors: A Cold Day in Hell - Tremors 6: Ein kalter Tag in der Hölle (2018)

https://www.imdb.com/title/tt6086082/
https://letterboxd.com/film/tremors-a-cold-day-in-hell/

Burt Gummer (Michael Gross) und sein Sohn Travis Welker (Jamie Kennedy) sind Raketenwurmjäger und reisen zusammen nach Kanada, um die Gerüchte über Angriffe riesiger Würmer zu überprüfen. Doch auf das, was sie mitten in der arktischen Tundra erwartet, waren selbst die erfahrenen Spezialisten nicht vorbereitet. In dem Gebiet um eine abgelegene Forschungsstation wimmelt es nur so vor Graboiden, wie die Raketenwürmer auch genannt werden, und bald muss sich das Vater-Sohn-Gespann zusammen mit einigen Überlenden gegen eine regelrechte Heerschar des überdimensionalen Wurmgetiers zur Wehr setzen. Gerade als Burt der beunruhigende Verdacht kommt, dass die Graboiden heimlich zu Waffen gemacht werden, wird er mit deren tödlichem Gift infiziert. Jetzt ist Eile geboten, denn wenn sie nicht innerhalb von 48 Stunden herausfinden, wie man einen Graboiden melkt und daraus ein Gegengift herstellen kann, ist Burts Schicksal besiegelt...

Mit "Tremors: A Cold Day in Hell" geht die Monsterfilmreihe in die sechste Runde. Diesmal verschlägt es den unverwüstlichen Burt Gummer (Michael Gross) und seinen Sohn Travis (Jamie Kennedy) in die kanadische Arktis, wo Graboids und ihre fliegenden Verwandten, die Ass-Blasters, eine Forschungsstation bedrohen. Als Burt durch das Gift der Kreaturen lebensgefährlich erkrankt, beginnt zusätzlich ein Wettlauf gegen die Zeit. Das eisige Setting verspricht frischen Wind, doch im Kern bleibt alles beim alten Muster. Michael Gross beherrscht Burts Mischung aus Waffenfanatismus, Misstrauen und trockenem Humor erneut sicher und hält den Film mit seiner Präsenz zusammen. Jamie Kennedy sorgt als Travis für die gewohnten Sprüche, doch die Vater-Sohn-Dynamik wirkt zunehmend routiniert. Auch die Nebenfiguren bleiben blass und bekommen kaum Gelegenheit, einen bleibenden Eindruck zu hinterlassen. 

Der Schauplatz hätte einiges zu bieten: Schnee, Eis und eine abgelegene Forschungsstation könnten für klaustrophobischen Monsterhorror sorgen. Leider nutzt die Inszenierung diese Möglichkeiten kaum. Die künstlich wirkende Umgebung trägt wenig zur Atmosphäre bei, zumal der Film größtenteils in Südafrika gedreht wurde - wo es nun weit entfernt von "kalt" ist. Regisseur Don Michael Paul liefert solide Genre-Routine, aber wenig Spannung oder visuelle Eigenständigkeit. Auch die Kreaturen sorgen für gemischte Gefühle. Die Angriffe liefern ein paar unterhaltsame und blutige Momente, doch die computergenerierten Graboids wirken häufig wenig überzeugend. Der Charme der handgemachten Effekte früherer Teile fehlt. Das Drehbuch macht es nicht besser: Neben der Monsterbedrohung werden eine mögliche Waffenforschung und Burts Vergiftung eingeführt, ohne dass alle Handlungsstränge wirklich überzeugend zusammenfinden. Vorhersehbare Wendungen und reichlich platte Dialoge bremsen zusätzlich den Spaß. Sobald die Würmer angreifen, kommt endlich mal Bewegung in die Handlung; dazwischen ziehen sich die Szenen mit den wenig interessanten Figuren. Musik und Schnitt erfüllen ihren Zweck, bleiben aber ebenso wenig im Gedächtnis wie die Geschichte selbst. Für Fans gibt es immerhin vertraute Monster-Action und einige Momente, die an den ursprünglichen Reiz der Reihe erinnern.

Doch unterm Strich ist "Tremors: A Cold Day in Hell" eine uninspirierte Fortsetzung, die aus ihrem ungewöhnlichen Schauplatz zu wenig macht. Michael Gross hält die Stellung und einzelne Kreaturenattacken unterhalten durchaus, doch schwache Dialoge, blasse Nebenfiguren und mäßige Effekte überwiegen. Für einen anspruchslosen Monsterfilmabend reicht es gerade noch - von einer Reihe, die mit ihrem Original so viel Charme bewiesen hat, darf man allerdings mehr erwarten.

3,5/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: Universal 1440 Entertainment

Whalefall (2026)

https://www.imdb.com/de/title/tt28535715/
https://letterboxd.com/film/whalefall/

Nach dem Tod seines Vaters (Josh Brolin) reist Jay Gardiner (Austin Abrams) an die Pazifikküste, um nach dessen sterblichen Überresten zu suchen. Während eines Tauchgangs gerät seine Mission jedoch völlig außer Kontrolle: Zunächst wird er von einem Riesenkalmar erfasst, der kurz darauf selbst einem gewaltigen Pottwal zum Opfer fällt. Jay überlebt den Angriff, findet sich jedoch zu seinem Entsetzten im Inneren des riesigen Meeressäugers wieder. Mit einem begrenzten Sauerstoffvorrat beginnt für ihn ein Wettlauf gegen die Zeit, denn ihm bleibt nur etwa eine Stunde, um einen Ausweg zu finden. In der lebensbedrohlichen Situation muss Jay auf alles zurückgreifen, was ihm sein Vater einst beigebracht hat. Die Erinnerungen an dessen harte Lektionen könnten seine einzige Chance sein, den Kampf ums Überleben zu gewinnen und dem Wal lebend zu entkommen...

Was zunächst wie eine völlig absurde Überlebensgeschichte klingt, entwickelt sich in "Whalefall" zu einem klaustrophobischen Wettlauf gegen die Zeit. Regisseur Brian Duffield, der bereits mit "No One Will Save You" sein Gespür für ungewöhnliche Genrestoffe bewiesen hat, verfilmt den gleichnamigen Roman von Daniel Kraus. Im Mittelpunkt steht Jay Gardiner (Austin Abrams, der nach "Resident Evil" und "Weapons" wohl der Newcomer ist, den man im Auge behalten sollte), der nach dem Tod seines Vaters Mitt (Josh Brolin) vor der kalifornischen Küste nach dessen Überresten sucht. Doch während seines Tauchgangs wird Jay von einem gewaltigen Pottwal verschluckt. Mit nur noch einer Stunde Sauerstoff beginnt ein verzweifelter Kampf ums Überleben - und gleichzeitig eine Auseinandersetzung mit der schwierigen Beziehung zu seinem Vater. Keine Frage: die ungewöhnliche Ausgangslage ist der größe Pluspunkt des Films und es ist eine, die Duffield erstaunlich ernst nimmt. Statt sich auf eine bloße Aneinanderreihung spektakulärer Gefahren zu verlassen, verbindet "Whalefall" den Überlebenskampf mit einer persönlichen Geschichte über Trauer, Schuld und eine komplizierte Vater-Sohn-Beziehung. Die Rückblicke auf Mitt geben Jays Situation eine emotionale Dimension, ohne den eigentlichen Überlebenskampf vollständig aus dem Blick zu verlieren. Allerdings folgt die Entwicklung dieser Beziehung teilweise vertrauten Mustern. Manche Erkenntnisse und emotionalen Wendungen sind früh absehbar, wodurch die Geschichte nicht immer dieselbe Originalität besitzt wie ihre Grundidee.

Austin Abrams trägt den Film mit einer bemerkenswert körperlichen Leistung. Er vermittelt Panik, Erschöpfung und Verzweiflung überzeugend und macht Jays Kampf dadurch unmittelbar nachvollziehbar. Da die Geschichte weitgehend auf ihn konzentriert ist, muss Abrams einen Großteil der emotionalen und körperlichen Belastung allein tragen – und das gelingt ihm überwiegend sehr gut. Josh Brolin ergänzt ihn in den Rückblenden als harter, schwieriger Vater, dessen Verhältnis zu seinem Sohn von unausgesprochenen Konflikten geprägt ist. Auch Elisabeth Shue und die übrige Besetzung tragen zur familiären Vorgeschichte bei, bleiben angesichts des begrenzten Raums für Nebenfiguren jedoch zwangsläufig im Hintergrund. Inszenatorisch nutzt Duffield das ungewöhnliche Szenario, um ein Gefühl permanenter Beklemmung zu erzeugen. Die Enge im Inneren des Wals, Jays eingeschränkte Bewegungsfreiheit und der unaufhaltsam schwindende Sauerstoffvorrat sorgen für eine klaustrophobische Atmosphäre. Dabei setzt der Film nicht ausschließlich auf klassische Schockmomente, sondern auch auf die Vorstellung, in einer gewaltigen, fremden Umgebung vollkommen hilflos zu sein. Gerade diese Mischung aus körperlicher Gefahr und existenzieller Angst macht "Whalefall" zu einem intensiven Erlebnis. Wer allerdings unter ausgeprägter Klaustrophobie leidet, dürfte sich mit einigen Szenen schwer tun.

Auch technisch kann der Film überzeugen. Die Gestaltung des Walinneren und die visuellen Effekte schaffen eine fremdartige Welt, die gleichermaßen faszinierend und abstoßend wirkt. Besonders die Verbindung von organischen Oberflächen, schleimigen Strukturen und den Bewegungen des gewaltigen Tieres sorgt für eindrucksvolle Bilder. Die Soundgestaltung ist dabei ein wesentlicher Bestandteil der Wirkung: Knarzende Geräusche, dumpfe Bewegungen und die akustische Präsenz des Meerestiers verstärken das Gefühl, in einem lebenden Organismus gefangen zu sein. Der Score von Joseph Trapanese unterstützt sowohl die Spannung als auch die emotionalen Momente, ohne die Szenen permanent mit Musik zu überfrachten. Die handwerkliche Umsetzung gehört damit zu den überzeugendsten Aspekten des Films. Beim Spannungsaufbau profitiert "Whalefall" von seinem klaren Zeitlimit. Jede Entscheidung kann über Leben und Tod entscheiden, und der Film schafft es über weite Strecken, diesen Druck aufrechtzuerhalten. Gleichzeitig muss er seine zentrale Situation immer wieder variieren, damit der Überlebenskampf nicht eintönig wird. Nicht jede Komplikation wirkt dabei gleichermaßen glaubwürdig, und manche Wendungen erscheinen eher dramaturgisch notwendig als wirklich organisch. Auch die Balance zwischen realistischem Survival-Thriller und emotionalem Familiendrama gerät gelegentlich ins Schwanken. Trotzdem bleibt der Film über weite Strecken packend und findet immer wieder eindrucksvolle Bilder für Jays ausweglose Lage.

Thematisch geht es letztlich um mehr als die Flucht aus dem Inneren eines Wals. Jay muss sich mit dem Erbe seines Vaters auseinandersetzen und erkennen, welche seiner Lektionen ihm tatsächlich helfen können. Dabei stellt der Film die Frage, wie sehr uns schwierige Beziehungen prägen und ob wir aus schmerzhaften Erfahrungen etwas mitnehmen können, ohne die Fehler der vorherigen Generation zu wiederholen. Diese Ebene verleiht der Geschichte emotionale Tiefe, wird jedoch gelegentlich etwas zu deutlich ausformuliert. Wo die Bilder und die Situation bereits für sich sprechen, unterstreicht das Drehbuch seine Botschaft mitunter unnötig nachdrücklich. Unterm Strich ist "Whalefall" ein ungewöhnlicher und handwerklich überzeugender Survival-Thriller, der aus einer extremen Situation ein ebenso körperliches wie emotionales Kinoerlebnis macht. Austin Abrams überzeugt mit einer intensiven Hauptrolle, die klaustrophobische Inszenierung ist wirkungsvoll und Sounddesign sowie Effekte sorgen für eine bemerkenswerte immersive Wirkung. Allerdings folgt die Vater-Sohn-Geschichte teilweise bekannten Mustern, und nicht jede Wendung hält der ungewöhnlichen Prämisse stand. Für einen wirklich herausragenden Film fehlt es dem Drehbuch an etwas mehr erzählerischer Konsequenz. Trotzdem bleibt "Whalefall" ein spannender, visuell eindrucksvoller Genrefilm, der seine eigenwillige Idee ernst nimmt und daraus mehr macht als bloß ein absurdes Monsterabenteuer.

7/10

Quellen:

Inhaltsangabe: Filmstarts

Poster/Artwork: Imagine Entertainment/20th Century Studios/Jurassic Party