[KINO FFFnights] Cenaze - The Funeral (2023)

https://www.imdb.com/title/tt23869968/

Der 40-jährige Cemal (Ahmet Rifat Sungar) ist ein recht einsamer Leichenwagenfahrer. Er erhält einen geheimen Auftrag: Ein junges Mädchen namens Zeynep (Cansu Türedi) wurde brutal ermordet und die Leiche soll ihrer Familie im Osten übergeben werden. Er macht sich auf den Weg. Nachts öffnet er die Hintertüren des Lieferwagens und stellt fest, dass das tote Mädchen seltsam grunzende Geräusche von sich gibt. Als er ihren Puls überprüft, stellt er fest, dass keinen hat. Das schöne lebende tote Mädchen fasziniert ihn und als Cemal sich verliebt, beginnt er, Menschen zu ermorden, um sie zu ernähren. Unterdessen hat die Polizei im ganzen Land eine Jagd auf einen Serienmörder gestartet. Als sie in Kars , dem Zielort, ankommen, erkennt Cemal, dass die "Familie", die auf Zeyneps Leiche wartet, tatsächlich eine gewalttätige Sekte ist. Nun soll mit einem Mitternachtsritual ihr Leichnam verbrannt werden...

Die Story des türkischen Beitrages "Cenaze"/"The Funeral" ist nicht völlig neu, aber auch noch nicht so sehr abgehangen, dass man sich langweilt. Quasi "Liebe auf den ersten Biss". "The Funeral" führt die Zuschauer durch das ländliche Herz der Türkei und folgt dem einsamen Leichenwagenfahrer Cemal (Ahmet Rifat Sungar). Als ihm der Auftrag erteilt wird, die Leiche eines toten Mädchens zu überführen, lehnt er erst einmal ab, lässt sich dann aber schließlich, oh Wunder, oh Wunder, von einer großen Geldsumme überzeugen. (War das nicht schon mal bei "The Vigil" so?) Immerhin scheint die Aufgabe einfach zu sein - bis er herausfindet, dass das Mädchen mit einem Verlangen nach Menschenfleisch ins Leben zurückgekehrt ist. Regisseur Orcun Behrams "The Funeral" ist düster und hoffnungslos. Cemal ist ein Mann, der scheinbar auf sich allein gestellt ist. Keine wahren Freunde, entfremdet von seiner Familie. Er verbringt seine Tage mit Trinken. Existieren, aber nicht leben. Er könnte genauso gut eine der Leichen sein, die er durch die Stadt transportiert. Mit den Augen von Cemal erschafft Behram eine Welt, die ebenso hässlich wie trostlos ist. Von abgelegenen Hotels bis hin zur Leere auf dem Land wird das Publikum durch die trostlosesten Teile der Türkei geführt, wo Armut und Verzweiflung herrschen. All das schafft eine düstere Atmosphäre, die so hartnäckig ist wie die Fäulnis, die sich am Tod erfreut. Der Film mag als "Zombie-Romanze" bezeichnet werden, aber eigentlich ist er alles andere als das. Was der Film ist, ist  eine recht mutige Interpretation des ausgelutschten Zombie-Genres, das sich in das Fleisch von etwas hineinbohrt, das keine Liebe, sondern eine dunkle Obsession ist. "Return Of The Living Dead III" kommt einem in den Sinn, nur dass dies hier kein Teenager-Leidenschaft ist und über allem eine deprimierende Stimmung hängt. 

Die Beziehung, die im Mittelpunkt von "The Funeral" steht, ist ebenso faszinierend wie unangenehm. Als Cemal feststellt, dass der Körper, den er transportiert, tatsächlich noch "lebt", flippt er nicht aus, er scheint nicht einmal sonderlich überrascht zu sein. Stattdessen nimmt er das Mädchen, von dem man erfährt, dass sie Zeynep (Cansu Turedi) heißt, macht sie zurecht, kauft ihr neue Kleidung und setzt sich mit ihr in sein Hotelzimmer. Sie kann nicht sprechen, ist auf ein unheimliches Keuchen reduziert, was zu vielen einseitigen Gesprächen führt. Was folgt, fühlt sich weniger wie eine aufkeimende Romanze an, sondern eher wie eine symbiotische Bindung. Zeynep füllt die Lücke in Cemals Einsamkeit, während er ihr das menschliche Fleisch liefert, nach dem sie sich sehnt (manchmal sein eigenes). Zwei Charaktere nutzen sich gegenseitig aus, um ihre Bedürfnisse zu befriedigen, mit berechtigten Fragen darüber, was sie wirklich füreinander empfinden. Unnötig zu erwähnen, dass "The Funeral" eine Geduldsprobe ist, die fordernde Zuschauer schon früh verlieren könnte.

Ein Vorteil ist aber, dass zwischen den beiden so wenig Verbindung besteht, dass sich das Publikum voll und ganz auf ihre Beziehung einlassen kann. Sungar ist außergewöhnlich darin, einen Mann zu spielen, der von einer inneren Dunkelheit geplagt wird, die er scheinbar nicht versteht, und Turedi stiehlt immer wieder die Show mit einer gruseligen Darbietung, die den Zuschauern Gänsehaut bereiten kann. Dennoch herrscht zwischen den Charakteren wenig Chemie. Zwischen ihnen herrscht eine erstickende Kälte, und vielleicht ist das auch die Absicht. Schließlich hat Cemal Zeynep mehr oder weniger entführt und sie gezwungen, mit ihm "zusammen zu sein" - was sich wie ein Fingerzeig zur Besessenheit der Männer aus Besitz einer Partnerin und dem unersättlichen Hunger nach Lust, Liebe, was auch immer der Fall sein mag, anfühlt. Aber ohne eine vorherige Beziehung oder ein Gefühl dafür, warum Cemal so plötzlich sein gesamtes Leben diesem untoten Mädchen anvertraut, wirken Momente, in denen er ihr erlaubt, sich von ihm und dergleichen zu ernähren, eher albern als nachvollziehbar. Erschwerend kommt hinzu, dass, sobald man die Kuriosität hinter sich gelassen hat, die eisige Luft, die zwischen den beiden hängt, für ein eintöniges Erlebnis sorgt, welches man nur schwer akzeptieren kann. Auch die Tristesse des Ganzen tut dem Film auch keinen Gefallen. "The Funeral" ist so düster, dass es für das Publikum fast überwältigend wird. Etwas subtiler Humor wie Cemal, der bei hellem Tageslicht blutige Körper ins Freie schleppt, als würde ihn niemand sehen, bietet ab und zu ein Lachen und weitere Einblicke in seine Wahnvorstellungen, aber diese Momente sind rar gesät. Behrams Film passt zur Atmosphäre der Beziehung zwischen Cemal und Zeynep, so ruhig, dass sie genauso gut tot sein könnte. Ein Tempo, das wie die Untoten dahinschlurft, trägt wenig dazu bei, das Publikum in seinen Bann zu ziehen, ungeachtet einiger Momente brodelnder Spannung und alptraumhaften Horrors (ein Dankeschön an das Produktionsdesign-Team für die Gestaltung des Flurs aus der Hölle). Natürlich ist der allzu grüblerische Charakter gewollt. Wie sehr "The Funeral" einem also gefällt, hängt von der Geduld ab, die man bereit sind, dafür aufzubringen.

5,5/10

Quellen:
Inhaltsangabe: Solis Film
Poster/Artwork: Solis Film/Reel Suspects

[KINO FFFnights] Late Night With The Devil (2023)

https://www.imdb.com/title/tt14966898/

Jack Delroy (David Dastmalchian) ist Moderator einer fiktiven Varieté- und Late-Night-Talkshow aus den 1970er Jahren mit dem Titel "Night Owls with Jack Delroy". Während einer Livesendung bricht Chaos aus, als Delroy die Parapsychologin June Ross-Mitchell (Laura Gordon) und das Thema ihres jüngsten Buches interviewt, die Teenagerin Lilly D'Abo (Ingrid Torelli), die als einzige den Massenselbstmord einer satanischen Kirche überlebt hat.

"Late Night With The Devil" ist ein überaus effektiver Horror der seltenen Art von dem man sich wünschte, man hätte ihn nach der Hälfte der Vorführung auf seinem eigenen Fernseher gesehen. Nicht, weil der Film im Kino nicht funktioniert - Horror hat fast immer Vorteile, wenn man es in einer Menschenmenge sieht -, sondern weil sein Autoren-Regisseur-Duo, die Brüder Colin und Cameron Cairnes, einige der einzigartig gruseligen Dinge des Fernsehens geschickt ausnutzt - vor allem seine Intimität. Es ist doch so: der heimische TV-Apparat steht ein paar Meter entfernt, und besonders in den frühen Nachtstunden kann sich das, was man anstarrt, unheimlich oder unverschämt anfühlen. Mit der Zeit wird der Late-Night-TV-Moderator zu dem besten Freund oder zu einer Figur, die einen in unruhigen Träumen verfolgt. Das ist natürlich auch der Grund, warum Menschen bis spät in die Nacht fernsehen: um sich unterhalten zu lassen, wenn der Rest der Welt zu Bett geht. "Late Night With The Devil" verdreht diese Kameradschaft und überlagert sie mit bekannten Horrormelodien der 1970er Jahre über dämonische Besessenheit, Satanismus und Okkultismus. Das Ergebnis ist eine böse und köstliche, kompromisslose Mischung mit einem Gespür für Angst.

Der Moderator der im Film erfundenen Late-Night-Talk- und Varieté-Show ist Jack Delroy (David Dastmalchian), ein jüngerer, flotterer Johnny Carson, der unbedingt an die Spitze der Einschaltquoten klettern will. Der als Found Footage in einer Pseudodokumentation verpackte Film informiert kurz über Delroys Karriere als Moderator von "Night Owls With Jack Delroy", einer Show, die ihre Konkurrenten nicht ganz überholen kann. Während die Erzählung uns darüber informiert, dass Delroy Gefahr läuft, als Nebendarsteller in die Geschichte einzugehen - immer für den Emmy nominiert, nie als Gewinner - erfährt man, dass man sich gleich den Abend ansehen wird, der "eine Nation schockierte". In der Halloween-Nacht 1977, dem ersten der entscheidenden Woche für "Night Owls", kommen Delroy und seine Produzenten auf eine verzweifelte, letzte verzweifelte Idee, um die Einschaltquoten in die Höhe zu treiben: Sie entwerfen eine Show voller Spektakel, die den kulturellen Hype ankurbeln wird für alles Okkulte. Auf der Gästeliste an diesem Abend stehen ein Medium und ein Skeptiker sowie ein Parapsychologe und das Mädchen, das sie wegen dämonischer Besessenheit behandelt. Die Bänder wurden gefunden, teilt der Erzähler mit, und sie werden sie gleich zeigen. Anschnallen.

Alle diese Charaktere kommen einem seltsamerweise bekannt vor. Da ist zum einen Christou (Fayssal Bazzi), der mit den Toten sprechen kann; Carmichael Haig (Ian Bliss) ist der aggressive Skeptiker des Films; June Ross-Mitchell, eine Parapsychologin, gespielt von Laura Gordon, deren Auftritt Verletzlichkeit und Überzeugung in einem fruchtbaren Gegengewicht zu manchen Lagern vereint. Sie wird von ihrem Schützling Lilly (Ingrid Torelli) begleitet, deren schwankender Wechsel zwischen starrem und lebhaftem Blick teuflisch beunruhigend ist. (Wenn es beim Horror eine Regel gibt, dann die, dass es nichts Gruseligeres gibt als ein kleines Mädchen.) Der Film bewegt sich geduldig langsam aber zielstrebig und entfaltet sich im Tempo einer "Night Owls"-Folge. Das ist gut. Man ist gezwungen, alles in Echtzeit zu sehen, genau wie das Publikum zu Hause es getan hätte, was den Zuschauer mehr oder weniger in die Menschen von 1977 verwandelt, auf der Couch sitzend entsetzt über das, was sich im Live-Fernsehen abspielt. Irgendwann wird man in die ganze Illusion hineingezogen, ein Effekt, den man sich nur vorstellen kann und der sicher noch verstärkt wird, wenn man das Ganze auf seinem tatsächlichen Fernseher beobachtet. Man sieht sich keinen Film mehr an; Für ein paar Minuten ist man ein Teil davon.

All dies wäre völlig reibungslos verlaufen, wenn es nicht eine enttäuschende formale Entscheidung gegeben hätte. Dem Zuschauer wurde gesagt, dass das Band, das man gleich ansieht, von bisher unveröffentlichtem Backstage-Material begleitet sein wird, das während der Werbepausen aufgenommen wurde. Auch wenn es vielleicht interessant gewesen wäre, diese Szenen wegzulassen, macht es doch Sinn, dass sie da sind - es verhindert, dass der Film zu abstrakt wird, indem sie darüber informieren, was tatsächlich zwischen den Abschnitten passiert. Allerdings wird das "Filmmaterial" in einem traditionelleren Shot-/Reverse-Shot-Format gedreht, wie es bei jedem Film der Fall sein könnte, was seltsamerweise im Widerspruch zu der Vorstellung steht, dass irgendein abtrünniger Kameramann einfach hinter der Bühne herumlungerte und versehentlich Filmmaterial aufnahm. Stattdessen wirkt es wie ein Drehbuch, als wären Filmemacher anwesend, um die sich ausbreitende Panik zu dokumentieren. Ein handlicherer Ansatz mit nur einer Kamera hätte möglicherweise dazu beigetragen, die Illusion des Films aufrechtzuerhalten - und alles viel gruseliger zu machen. 

Aber das ist vom Schema der Story her relativ unbedeutend. "Late Night With The Devil" spiegelt etwas wider, das in Filmen oft erforscht wurde - die seltsam mulmige gegenseitige Abhängigkeit des Live-TV-Moderators und des Publikums. Und unterm Strich kann man dann ohne Umschweife sagen, dass "Late Night With The Devil" ein teuflisch guter Spaß ist.

8,5/10

Quellen:
Inhaltsangabe: Capelight
Poster/Artwork: Wild Bunch

[KINO FFFnights] 콘크리트 유토피아 - Konkeuriteu Yutopia - Concrete Utopia (2023)

https://www.imdb.com/title/tt13086266/

Seoul wird über Nacht von einem schweren Erdbeben verwüstet. Alles ist zerstört und nur ein einziger Ort ist noch vollständig intakt: die "Hwang Gung Apartments" (Imperial Palace Apartments). Deren Bewohner beginnen sich bedroht zu fühlen, da Überlebende, die von diesem Zufluchtsort gehört haben, beginnen, in die Wohnungen strömen. Sie vereinen sich zum Überleben, und mit einem neuen Anführer der Anwohner, Yeong-tak (Lee Byung-hun), schaffen sie neue Regeln für die Anwohner und verhindern den Zutritt für Außenstehende. Dadurch bleiben die utopischen Wohnungen im Gegensatz zur höllischen Welt draußen sicher und friedlich. Doch in einer schier endlosen Überlebenskrise beginnt jedoch bald ein unerwarteter Konflikt zwischen ihnen...

95% aller Filme, die dem Zuschauer eine Moral vermitteln (manchmal aufzwängen) wollen sind von einer eindringlichen Zweideutigkeit geprägt. Selten hingegen ist, wenn in einem Genrefilm eine moralische Ambiguität zu sehen ist. "Concrete Utopia", ein dystopischer Katastrophenfilm der besonderen Art, ist letzterer. Der südkoreanische Beitrag und Anwärter für die Oscars 2024 für den besten internationalen Spielfilm versetzt seine Charaktere in eine verzweifelte, beängstigende Situation, in der es um Leben und Tod geht, und weigert sich dann, dem Publikum zu sagen, was er über sie denken soll. Es ist ein zerstrittenes, blutgetränktes Drama über den Willen zum Überleben, das sich wie eine Mischung aus "Erdbeben" und "Herr der Fliegen" anfühlt. Das Faszinierende ist, dass man sich den Film ansieht und denkt: "Wenn ich in diesem Film wäre, was würde ich tun?"

Regisseur Um Tae-hwa beginnt mit einer dokumentarischen Montage hoch aufragender rechteckiger Wohngebäude in Seoul, während ein Nachrichtensprecher im Vorbeifahren darüber nachdenkt, wie das Wohnen in Wohnungen die südkoreanische Gesellschaft verändert hat. Wohnungen, so wird dem Zuschauer erzählt, waren einst Mittel zum Zweck, um ein größeres Zuhause zu bekommen. Mittlerweile sind sie ein reiner Selbstzweck und werden von den Bürgern begehrt, die im Rahmen von Lotterien um den Kauf konkurrieren. Der Titel des Films bezieht sich auf das Stadtbild Seouls mit seinen Wohnkomplexen, die wie Reihen von Bauklötzen in die Höhe ragen. Es bezieht sich aber auch darauf, was passiert, wenn nur noch einer von ihnen übrig bleibt.

Ein Erdbeben trifft die Stadt und die Bilder sind so gewalttätig und aufgewühlt, dass man fast erwarten, könnte, dass jederzeit ein Kaiju aus dem Boden auftaucht. Die gesamte Stadt hat sich schnell in rauchende Ruinen verwandelt, und es ist mehr als eine städtische Katastrophe - eher ein apokalyptisches Ereignis. Seoul ist zerstört, und vielleicht auch der Rest Südkoreas. (Regierung? Medien? Alles weg.) Was wir sehen, ist ein Ödland, das mit digitalen Bildern und fantastischen Kulissen gerendert wurde: riesige Trümmerberge, Betonmauern mit herausstehenden Drähten, Leichen und Schutt - eine Stadt, die von Grund auf umgekrempelt wurde. Doch inmitten der surrealen Trostlosigkeit geschieht etwas Ungewöhnliches. Mitten in Seoul steht noch ein einzelner Apartmentkomplex - einer der neuen gehobenen Bienenstöcke. Es heißt "Hwang Gung Apartments" und sieht aus wie ein riesiges Hotel mit zwei 30-stöckigen rechteckigen Flügeln, die sich in der Mitte in einem kreisförmigen Drehpunkt treffen. Die Wohnungen selbst sind bescheiden, aber relativ geräumig. Es ist die Art von Ort, den die Bewohner als Zufluchtsort betrachten, und jetzt ist er es wirklich. Es ist das Rettungsboot, auf dem sie sich befinden, ihr Zufluchtsort vor einer Katastrophe. Und man könnte den Apartmentkomplex wie David Cronenberg in "Parasiten-Mörder" betrachten - als einen leicht bedrohlichen und trügerischen Kokon.

In den ersten Szenen, die kurz nach dem Erdbeben spielen, besteht der natürliche Impuls aller darin, andere Menschen in den Komplex zu lassen und ihnen zu helfen. Aber es gibt nicht genügend Ressourcen. (Die Stadt ist voller umherziehender Flüchtlinge.) Also halten die Bewohner ein Treffen ab und streben eine Entscheidung an, die auf reinem Überleben basiert und auch auf der Art von Klassenprivilegien, die wir in den Filmen seit langem als korrupt ablehnen. Sie lassen keine Außenstehenden herein. Nur wer eine Wohnung besitzt, darf bleiben. Zuerst denkt man: "Wie unmenschlich." Dennoch gibt es eine grundlegende moralische Logik am Werk. Wenn die Bewohner den Komplex in eine Festung verwandeln, dort Zuflucht suchen, sich auf die Suche nach Nahrung begeben (sie suchen nach Vorräten, die in den Trümmern vergraben sind) und jeden Außenstehenden als "Kakerlake" behandeln, die gemieden werden muss, werden sie leben. Wenn sie es nicht tun und die Außenstehenden wie Zombies in einem Zombiefilm hereinströmen, wird es Chaos geben und niemand wird überleben.

Und weil dahinter eine moralische Logik steckt, leben die Bewohner mehr als nur danach. Sie machen daraus einen Code, ein Glaubenssystem, eine Art Kult. Sie wählen einen Anführer, Kim Young-tak (Lee Byung-hun), der irgendwann in wahnsinniger Wut einen Brand im Erdgeschoss löscht (das ist die Grundlage seines vermeintlichen Heldentums), und er nimmt die Gelegenheit wahr, seine Mitmenschen zu einer bunt zusammengewürfelten Überlebensmacht zu organisieren. Er wird als der Delegierte bekannt und strahlt einen sehnigen Hunger aus, der an Willem Dafoe erinnert - und eine dürre Herrschsucht, die einen an Elon Musk denken lässt. Er erhebt die "Wir zuerst"-Methodik der Wohnungsbewohner zu einem Glaubensbekenntnis und führt sie in einen rituellen Gesang und in nächtliche Karaoke-Partys bei Feuerschein. Im Rückblick sieht der Zuschauer jedoch die gewalttätige Hintergrundgeschichte von Kim Young-tak, die ihn zu einem noch zwiespältigeren Charakter macht. Es genügt zu sagen, dass er ein Identitätsdieb ist, dem seine Wohnung nicht wirklich gehört. Das Mitgefühl gilt daher weiterhin den beiden anderen Hauptfiguren des Films, Min-sung (Park Seo-joon) und Myung-hwa (Park Bo-young), einem sanften Paar mit wohlwollenden Impulsen; Er ist ein Beamter, sie ist eine Krankenschwester, die von stillem Einfühlungsvermögen geprägt ist. Aber "Concrete Utopia" ist wie "Herr der Fliegen" eine Parabel darüber, wie Empathie zerstört wird.

Letztendlich ist es auch ein Film über das Urbedürfnis und die Bedeutung von Heimat. Der Film ist eine Allegorie des heutigen Südkoreas (und vielleicht auch vieler anderer Orte), in dem es immer schwieriger wird, ein Zuhause zu finden. Doch das ist das Perverse an "Concrete Utopia", einem Film, der die schwankende, raue Form eines Katastrophenfilms nutzt, ist zu fragen, was einem ein Zuhause wert ist.

9/10

Quellen:
Inhaltsangabe: Lotte Entertainment
Poster/Artwork: Lotte Entertainment

[KINO FFFnights] Boy Kills World (2023)

https://www.imdb.com/title/tt13923084/

In einer dystopischen Zukunft wird die Welt von der Diktatorin Hilda van der Koy (Famke Janssen) regiert. Sie hat eine Tradition ins Leben gerufen, bei der jedes Jahr auf Neue bei einer Veranstaltung mit dem Titel "The Culling" politisch aufsässige Bürger auf Leben und Tod in Gladiatorenkämpfe geschickt werden, die das Volk im Fernsehen verfolgen kann. In einem Jahr werden eine Mutter und ihre Tochter Mina für die Kämpfe ausgewählt und getötet. Zurück bleibt deren Bruder, dem Hilda van der Koys Leute die Zunge herausschnitten und sein Trommelfell zerstörten. Ein Schamane (Yayan Ruhian) nimmt den stummen und gehörlosen Waisenjungen daraufhin unter seine Fittiche und nennt ihn einfach Boy (Bill Skarsgård). Er wird sein Mentor, zieht ihn im Dschungel groß und trainiert ihn in Kampfkünsten. Jahre später ist aus Boy ein junger Mann geworden, von seiner Physis her zwar leicht zu unterschätzen, eigentlich jedoch eine wahre Kampfmaschine, zu der ihn der Schamane geformt hat, zu einem einzigen Zweck, Hilda van der Koy zu töten. Zur anstehenden jährlichen Veranstaltung begeben sie sich gemeinsam in die Stadt, wo sich Boy zwei Männern namens Basho (Andrew Koji) und Benny (Isaiah Mustafa) anschließt, die Teil des Widerstandes sind. Gemeinsam schwören sie, das gesamte Establishment zu Fall zu bringen, selbst wenn es sie das eigene Leben kosten sollte. Und um an Hilda van der Koy heranzukommen, muss Boy eine ganze Armee von ihren Handlangern ausschalten, darunter June 27, Hildas Geschwister Gideon und Melanie sowie deren Ehemann Glen...

In einer Kinolandschaft, die auf bewährten Formeln basiert, wagt Moritz Mohrs "Boy Kills World" anders zu sein und verwischt die Grenzen zwischen Absurdität und adrenalingeladener Action. Dieses von Tyler Burton Smith und Arend Remmers geschriebene kühne Unterfangen ist von einer dystopischen Kulisse umgeben und spielt nach seinen eigenen Regeln. Hier trifft das Chaos auf Komik , und blutige Morde sind an der Tagesordnung. Vor allem die erzählerische Wendung macht sprachlos. Es erinnert an die unerwarteten Wendungen einer Achterbahnfahrt - man sieht es kommen, kann es aber nicht ganz glauben, bis es direkt vor einem liegt. Remmers und Smith widersetzen sich den Erwartungen und untergraben die vorgefassten Meinungen des Publikums auf schockierende Weise. Dennoch ist der Film nicht ohne Fehler. Die Gesamtgeschichte ist zwar fesselnd, wirft aber dennoch etwas Rätselhaftes auf, da ich die Charakterisierung des Schamanen in Frage stellte: Warum wird er als Feind dargestellt? Bei der Darstellung handelt es sich um eine erzählerische Diskrepanz, und der Film möchte, dass man sich an die Charaktere erinnert, die das Drama überhaupt erst begonnen haben. 

Die Kampfszenen sind ein Bereich, in dem "Boy Kills World" von etwas mehr Stabilität hätte profitieren können. Mohrs Einsatz einer verwackelten Kamera in Verbindung mit häufigen Schnitten verwischt die möglicherweise spannende Choreografie. Anstatt mitten ins Geschehen hineingezogen zu werden, ertappt man sich dabei, wie man die Augen zusammenkneift und darum kämpft, angesichts des ganzen Chaos zu entschlüsseln, was vor sich geht. Aber die Albernheit des Ganzen überspielt das ganze Geschehen etwas, sodass man sich gut darauf einlassen kann. Er gibt nicht vor, mehr als ein lautes, unterhaltsames Spektakel zu sein. Was die Darbietungen angeht, so verleiht Skarsgård mit seinem charakteristischen Grinsen seiner Rolle einen gewissen Charme, aber Ruhian stiehlt allen die Show. Zu sehen, wie sich dieses kleine Kraftpaket mit Giganten messen und Schlag für Schlag austeilen kann, bestärkt den Eindruck, dass Ruhian langsam aber sicher seine Position als aufstrebender Actionstar in Hollywood festigt. Seine Bandbreite und Kraft in Actionsequenzen sind lobenswert, auch wenn ihm der Schnitt des Films nicht immer gerecht wird.

"Boy Kills World" springt zwischen aufregend und verwirrend hin und her. Trotz all seiner narrativen Probleme bleibt es ein lebendiges Spektakel, das in seinem genreübergreifenden Chaos schwelgt. Dieses filmische Unterfangen beweist, dass es trotz seiner Unvollkommenheiten unterhalten kann. Für diejenigen, die auf der Suche nach einem kompromisslos mutigen Actionfilm mit einem Hauch von Komödie sind, ist dieser Film genau das Richtige. In der riesigen Welt des Actionkinos ist dies eine unebene Fahrt, die meist funktioniert, wenn man ihre Ungereimtheiten überwindet.

6/10

Quellen:
Inhaltsangabe: Constantin
Poster/Artwork: Ventaro Film

[KINO FFFnights] La Morsure - Bitten (2023)

https://www.imdb.com/title/tt26245650/

Françoise (Léonie Dahan-Lamort) und Delphine (Lilith Grasmug), zwei siebzehnjährige Mädchen in einem französischen katholischen Internat aus den 1960er-Jahren, sind beste Freundinnen, die alles teilen, aber nicht alles gemeinsam haben: Françoise kommt aus wohlhabenden Verhältnissen, während Delphine die Schule besucht, weil ihr Vater der Hausmeister ist. Doch Françoise ist sich gewiss: Diese Nacht wird ihre letzte sein. Zu sehr haben sich die albtraumhaften Vorzeichen für ihren Tod gemehrt. Wild entschlossen, ihre letzten verbleibenden Stunden in vollen Zügen zu genießen, flüchtet sie mit einer Freundin aus dem strengen Klosterinternat. Die Teenagerinnen haben von einem rauschhaften Fest in einem Anwesen mitten in den Wäldern gehört. Dort trifft die temperamentvolle, überdrehte Françoise auf ihre erste Liebe: den jungen Vampir Christophe...

Die Geschichte von "Bitten" spielt zwischen der Fastenzeit und dem Karneval. Während die im Internat unterrichtenden Nonnen die Bedeutung des ersteren betonen, konzentrieren sich die Gedanken der Schüler eher auf den letzteren. Am Karnevalsabend findet eine Kostümparty statt, die von der Gruppe Jungen organisiert wird, mit denen die Schülerinnen jedes Mal flirten, wenn sie am Schultor vorbeikommen. Diese Tore trennen sie tagsüber physisch und symbolisch, aber in dieser Nacht, als Dämonen verkleidet im "lieu-dit des anges" (dem "Engelsdorf", in dem die Party stattfindet), kann nichts Mädchen und Jungen voneinander trennen. Doch zwei Hindernisse versperren Françoise den Weg zur Party: die offensichtliche Abneigung der Lehrer, die Internatsschüler herauszulassen, und ein lebhafter Albtraum aus der Nacht zuvor, in der sie bei einem Brand ums Leben kam.

Beide Hindernisse bescheren dem ersten Akt des Films seine eindrucksvollsten Szenen. Die alptraumhafte Vision von Françoise, die in den ersten Minuten gezeigt wird, leitet sofort den erzählerischen Antrieb des Films ein (Françoise ist davon überzeugt, dass sie weniger als vierundzwanzig Stunden zu leben hat und das Beste daraus machen will) sowie seinen Bildstil. Die Kinematographie und die Textur des Bildes schaffen eine bezaubernde Mischung aus Gothic-Horror und Giallo. Das von den Nonnen verhängte Ausgehverbot für Jugendliche wird von Françoise im wahrsten Sinne des Wortes gebrochen, als sie aus der Krankenstation entkommt, indem sie eine Skulptur der Jungfrau Maria durch ein Fenster wirft. Die überschwängliche Symbolik der Szene wird vervollständigt, als die junge Frau den ganzen Raum mit rotem Antiseptikum bespritzt, das eindeutig wie gotteslästerliches Blut aussieht.

Sobald Françoise und ihre Freundin Delphine von den Zwängen der Religion befreit sind und die Nacht über tun und lassen können, was sie wollen, verliert "Bitten" aber etwas an Biss. Es gibt keine Feinde mehr, denen man widerstehen muss, daher kann in dieser Nacht der Fantasie alles (sogar okkulte Rituale und satanische Manifestationen) zum Spiel werden - schließlich ist das die wahre Funktion des Karnevals. Dennoch drückt "Bitten" dank des Talents seiner Darsteller und seiner spektakulären Bilder in Licht und Schatten viel mehr durch seine Bilder aus als das, was er bis zum Ende durch seine Geschichte erzählt. Die symbolhafte Kraft des Films bleibt größer als seine erzählerische, und der Geist von Françoise bleibt dem Zuschauer noch lange nach dem Ende ihrer seltsamen und wilden Nacht erhalten.

6,5/10

Quellen: 
Inhaltsangabe: Films Boutique
Poster/Artwork: Films Boutique

[KINO FFFnights] Suitable Flesh (2023)

https://www.imdb.com/title/tt21397580/

Die Psychiaterin Dr. Elizabeth Derby (Heather Graham) ist besessen davon, ihrem jungen, rätselhaften Patientin Asa (Judah Lewis) zu helfen. Da hilft es nicht, dass sie sich außerdem noch auf Asa ein wenig zu sehr einlässt. Asa leidet an einer extremen Form multipler Persönlichkeitsstörung, welche laut Elizabeth auf seinen besitzergreifenden Vater Ephraim (Bruce Davison) zurückzuführen sein könnte. Doch die Wahrheit ist viel seltsamer und tödlicher, da Ephraim tatsächlich von einem bösen Wesen besessen ist, das es ihm ermöglicht, in den Körper seines Sohnes zu wechseln. Er hat es sich zum Ziel gesetzt, Elizabeth zu nutzen, um seine Wesen am Leben zu erhalten. Und Elizabeths langjährige Freundin und Kollegin, Dr. Dani Upton (Barbara Crampton), könnte die einzige Hoffnung sein, ihre Seele zu retten...

"Suitable Flesh" ist eine vermutlich letzte Hommage an den im Jahr 2020 verstorbenen Gernespezialisten Stuart Gordon, der sicherlich vermisst wird, insbesondere nachdem man sich dieses kitschige Werk angesehen hat, das sein geliebtes H.P. Lovecraft-Territorium, nämlich groteske Horrorinhalte verbunden mit einem düster-komödiantischen Ton, aufleben lässt. In der sehr lockeren Interpretation der weniger beachteten Kurzgeschichte des Kult-Autors aus dem Jahr 1937 "The Thing On The Doorstep" ("Das Ding an der Schwelle") des Drehbuch-Autoren Dennis Paoli gibt es einiges an blutigen Ekeligkeiten zu sehen. Doch Regisseur Joe Lynch inszeniert einen Großteil dieser übernatürlichen Geschichte unglücklicherweise als Erotikthriller mit einigen unausgereiften Softcore-Albernheiten, und die Unsicherheit der satirischen Absicht lässt seine Schauspieler so manches Mal richtiggehend albern aussehen.

Es ist zwar der Sex, der "Suitable Flesh" hervorhebt, doch dieser gipfelt in einem eher banalen Gefühl versauter Hingabe und etwas offensichtlichen Body-Double-Einsätzen für die Nacktszenen. Das stöhnende Saxophon von Steve Moores Fußgängerzonenmusik, Vorhänge wehen in einer heißen Sommernacht, die obligatorischen Aufnahmen rotierender Ventilatorflügel an der Decke und das langweilige Produktionsdesign von Lily Bolles schwächen leider die makabren Elemente dieser Geschichte ab und verstärken gleichzeitig ihre kitschige Erotik-B-Movie-Niveau der 90er Jahre. Trotz einer sehr spielstarken Darbietung von Heather Graham und dieser eher weniger amüsanter Erotikthriller-Manierismen weiß man nicht so genau, worauf der Regisseur hier eigentlich hinaus will. Das Drehbuch mag dies alles durchaus als ironische Absicht verstehen, aber Lynchs unfeiner Umgang ist eher von schwerfälligen Klischees unterworfen als ironisch verspielt. Seine Schauspieler werden bis zum Äußersten abgehangen und überzeugen weder in dieser knisternden Szenerie noch in ihren eskalierenden multiplen Persönlichkeitsdarbietungen, während der böse Geist zwischen verschiedenen Körpern hin- und herspringt. Graham spielt dabei die etwas unglaubwürdige Psychiaterin Dr. Elizabeth Derby, die beruflich erfüllt und glücklich mit dem hingebungsvollen, gutaussehenden Mann mittleren Alters Edward (Johnathon Schaech) verheiratet ist, der ihr abends Seebarsch zubereitet und viel Zeit mit freiem Oberkörper verbringt. Eines Nachmittags muss Dr. Derby einen verstörten jungen Mann namens Asa (Judah Lewis) behandeln, der offenbar an einer multipler Persönlichkeitsstörung leidet. Doch in Wirklichkeit ist er wirklich von einem bösartigen Dämon besessen, unter dessen Kontrolle es Asa gelingt, Dr. Derby zu verführen und dann beim Sex in ihren Körper einzudringen. Diese verrückten Körperwechselübergänge werden dadurch signalisiert, dass die beteiligten Personen viel zittern und plappern, und Graham spielt in den folgenden Szenen häufig die Rolle einer Person, die die Augen verdreht und an die Dämonen in "Der Exorzist" erinnert. Die Teile der Geschichte, in denen es um Asas Vater (Bruce Davison) geht, dessen Charakter der Auslöser der ganzen Geschichte ist, wirken aufgesetzt und ein wenig befremdlich und, ganz vorsichtig gesagt, lässt sich die darin enthaltene Komödie wahrscheinlich am besten als halbabsichtlich beschreiben.

Wenn Lynch nach etwa 75 Minuten zur Rahmenhandlung zurückkehrt, peitscht sich die gegenwärtige Handlung in der medizinischen Einrichtung der Protagonisten tatsächlich in einen schwindelerregenden Schaum aus blutigen, identitätsverändernden Exzessen. Dennoch ist es frustrierend, dass der Film nicht noch mehr aus diesem bizarren Höhepunkt herausholt; Lynch fehlt das Gespür für eine übertriebene und dennoch prägnante Inszenierung und Tonalität, die Gordon in seinen eigenen Lovecraft-Filmen, insbesondere "Re-Animator" und "From Beyond" so perfekt wie bizarr auslebte. Dieses Projekt stellt trotzdem so etwas wie ein Wiedersehen der Macher dieser Filme dar, an denen auch Paoli, Crampton und der Produzent Brian Yuzna auffällig oft beteiligt waren. Doch auch wenn der Geist Willens war, reicht das zur Verfügung stehende Können nicht aus, um den einzigartigen und extravaganten Tenor dieser Kultklassiker wiederzubeleben. Die Darsteller werden auf Karikaturen reduziert, und der Grad des nachweislich absichtlichen Humors wird leider auch noch durch die Verwendung der Musik im Abspann zunichte gemacht. Ebenso werden die eher halluzinatorischen Aspekte der Geschichte durch so anstrengende, aber einfallslose Geräte wie die Kamera von David Matthews realisiert, die sich wie ein Windrad um 360 Grad dreht. An Anstrengung mangelt es hier nicht, aber allzu oft fühlt sich "Suitable Flesh" einfach nur anstrengend an. "Suitable Flesh" ist daher ein Film, den man letztlich als das betrachten sollte, was er ist: ein mäßig-unterhaltsamer Horrorstreifen, der vielleicht mehr unbeabsichtigte Lacher hervorrufen könnte, als vielleicht ursprünglich geplant.

5,5/10

Quellen:
Inhaltsangabe: RLJE Films
Poster/Artwork: RLJE Films/Shudder

[KINO FFFnights] 거미집 - Geomijip - Cobweb (2024)

https://www.imdb.com/title/tt21254598/

In den 1970er Jahren ist Regisseur Kim (Song Kang-ho) von dem Wunsch besessen, das Ende seines fertiggestellten Meisterwerk "Cobweb", von dem er hofft, dass es ein Meisterwerk wird, innerhalb von zwei Tagen noch einmal drehen, um seine Vision zu verwirklichen. Doch am Set herrschen Chaos und Aufruhr, weil die Zensurbehörden eingreifen und sich Schauspieler und Produzenten beschweren, die das umgeschriebene Ende nicht verstehen können und die Frau seines ehemaligen Mentors und heutigen Produzenten seiner Filme, die Vorsitzende Baek (Jang Young-nam), weigert sich, Neuaufnahmen zu genehmigen, obwohl Regisseur Kim versichert hat, dass das neue Ende den Film verändern wird. Nachdem die Tochter seines ehemaligen Mentors und Nichte des Produzenten Shin Mi-do (Jeon Yeo-been) das Drehbuch gelesen hat, glaubt sie, dass Regisseur Kim sein Meisterwerk vollenden und die Finanzierung der Neuaufnahmen sichern kann. Wird es Kim gelingen, einen Weg durch dieses Chaos zu finden, um seine künstlerischen Ambitionen zu erfüllen und sein Meisterwerk zu vollenden?

"Cobweb" von Regisseur Kim Jee-woon stellt wichtige Fragen zum Wesen des Filmemachens. Der Film folgt einem einsamen Regisseur, der gegen den Willen seines Produzenten und der staatlichen Zensurbehörde Schwierigkeiten hat, seinen fertigen Film, der in den 1970er Jahren spielt, neu zu drehen. Während der Film auf Drama und Spannung setzt, visualisiert Kim die Geschichte des selbsternannten Regisseurs als "Film im Film". Er zeigt auch die harten Bedingungen an Filmsets, die Realität staatlicher Zensurbehörden und die Herausforderungen, denen sich Filmemacher gegenübersehen. Es ist ein urkomischer Satirefilm, der ein koreanisches Kinoset beobachtet, während das Drama für Chaos und Missverständnisse sorgt.

Kino ist chaotisch und in "Cobweb" ist viel los. Der Film beginnt mit der fiktiven Geschichte des Titelfilms in einer stilisierten Schwarz-Weiß-Sequenz. Es ist eine Geschichte über Verrat, Untreue und Geheimnisse, und Min-ja spielt die Schlussszene vor, bevor sie zu Ende geht. Nach kurzem Feedback von Regisseur Kim geht Min-ja zurück und spielt es aus - alles ist perfekt. Wenn die Kamera zu Regisseur Kim wechselt, wechselt sie zu Farbe und das eigentliche Drama hinter der Kamera ist weitaus interessanter als die Schwarz-Weiß-Sequenzen. Hervorzuheben ist aber vor allem das "In-Movie-Making-of" der "One-Shot-Sequenz", die so überaus spannend inszeniert wurde, dass es eine Freude ist, dem gesamten Team bei ihrer Arbeit zuzusehen. Mit allen Katastrophen, die währenddessen und drumherum eben so passieren.

Das Ensemble ist fantastisch. Der Film hat verschiedene Charaktere mit individuellen Handlungssträngen, die sich perfekt in die Themen und Elemente des koreanischen Kinos einfügen. Von Regisseur Kims Besessenheit bis hin zur geheimen Affäre zwischen Yu-rim und Ho-se weiß Kim, wie man der Geschichte Komik und Drama einflößt. Das ist der beste Teil der Geschichte von "Cobweb". Yu-rim ist der Star im Film von Regisseur Kim. Sie hat einen vollen Terminkalender und da die Dreharbeiten nur zwei Tage dauern, bleibt ihr nichts anderes übrig, als durchzuhalten. Obwohl sie ihre eigenen Geheimnisse hat, sorgt ihre Affäre mit Ho-se für Spannungen zwischen ihnen.

Darüber hinaus ist das Mystery-Element Teil des zentralen Konflikts. Was ist mit dem Mentor von Regisseur Kim passiert? Von Anfang an verärgern einige Charaktere Regisseur Kim wegen seiner Verbindung zu seinem Mentor. Er behauptet, er habe das Drehbuch für die Filme seines Mentors geschrieben, aber nie Anerkennung dafür erhalten. Nachdem Regisseur Kim seinen Debütfilm veröffentlichte, der von der Kritik hoch gelobt wurde, schnitten seine nachfolgenden Filme nicht gut ab.

All diese Details werden in mehr als zwei Handlungssträngen enthüllt. Aus diesem Grund ist der Moment der Wahrheit nicht mehr ganz so wirkungsvoll wie er hätte sein sollen. Dies wirft den Film jedoch nicht zurück, sondern eher ein neues Licht darauf, wie weit ein Regisseur zu gehen bereit ist, um seine Visionen am Leben zu erhalten. Seine Besessenheit, diesen Film fertigzustellen, entsprach genau seinen Träumen und würde den Wendepunkt seiner Karriere bedeuten. Und diesen Twist kann man schon vorher erahnen. Aber darum geht es ja auch nicht.

Vielleicht leidet "Cobweb" auch etwas unter der "Film-im-Film"-Storyline. Aber deshalb funktioniert er eigentlich auch so perfekt und lässt die knapp 2-stündige Laufzeit wie im Flug vergehen. Satirefilme sind ja am besten, wenn sie zeigen, wie absurd und aus den Fugen gerissen ein Drama außer Kontrolle geraten kann. Die Darbietungen von Song, Jung und Jeon sind herausragend, da sie gleichermaßen viele unterhaltsame und lächerliche Momente auf die Leinwand bringen. Stellt sich am Ende die Frage: Was ist also Kino? Es ist chaotisch, aber organisiert chaotisch. Es bringt anstrengende, unangenehme und freudige Momente mit sich. Und das fängt "Cobweb" perfekt ein und unterhält grandios!

8,5/10

Quellen:
Inhaltsangabe: Plaion
Poster/Artwork: Barunson Studio/Anthology Studios/Luz y Sonidos

[KINO FFFnights] Oddity (2024)

https://www.imdb.com/title/tt26470109/

Dani (Carolyn Bracken) verbringt die Nacht allein in ihrem einsamen Landsitz in Irland. Alles ist friedlich und erschreckend still, was die Ankunft von Olin Boole (Tadhg Murphy), einem von Teds ehemaligen Patienten, umso beunruhigender macht. Der unheimliche Mann behauptet, ein Eindringling hätte sich Zutritt in das Gemäuer verschafft und sie wäre in Lebensgefahr. Er fleht sie an, ihn hereinzulassen, damit er es finden kann. Nun ist es ein Jahr her, dass Dani brutal ermordet wurde. Der vermeintliche Mörder sitzt in der Psychiatrie. Und während ihr Mann Ted (Gwilym Lee) bereits mit seiner neuen Freundin Yana (Caroline Menton) liiert ist, ist ihre blinde Zwillingsschwester Darcy (Carolyn Bracken), die mit bizarren Antiquitäten handelt und hellseherische Fähigkeiten hat, fest entschlossen, die Wahrheit herauszufinden. Sie taucht bei Ted auf und überreicht ihm eine hölzerne lebensgroße Puppe, mit der sie den Mord aufklären will...

Zu oft sind Horrorfilme nicht annähernd so gruselig, wie sie sein sollten. Das liegt vielleicht zum Teil daran, dass man mittlerweile eine ganze Reihe von ihnen gesehen hat und sich an die Art und Weise gewöhnt habe, wie sie sich oft abspielen. Dennoch besteht allgemein das Gefühl, dass der moderne Horror im Schatten der Spitze dessen lebt, was einst war. Bevor das zu sehr nach Murren über die "gute alte Zeit" klingt, sei darauf hingewiesen, dass es immer noch wirklich großartige Horrorfilme im kleineren Maßstab gibt. Das Problem ist, dass es für jeden Film, der eine einzigartige Vision schafft oder einen mutigen neuen Ansatz für ein bekanntes Genre verfolgt, massive Flops gibt, die sich eher wie zynische, unheimliche Nichtigkeiten anfühlen, die dem nachjagen, was bereits getan wurde, statt es zu sein neue kreative Unternehmungen.

Zum Glück gibt es Filme wie "Oddity", die in die Kategorie "Kreativ" fallen. Geschrieben und inszeniert von Damian McCarthy, dessen Spielfilmdebüt "Caveat", der 2021 auf dem FantasyFilmFest nights eine wunderbar gruselige Einleitung war, ist der ebenso aufrichtig gruselige wie düster komische Film. Wenn man sich des Genres so bewusst bleibt, dass man es spielerisch aufstellt und es gleichzeitig schafft, im fast klassischen Sinne wirklich furchteinflößend zu sein, ist es die Art von Film, die einem ans Herz wächst. Je weniger man darüber weiß, wie sich alles genau abspielt, desto besser ist der Film, auch wenn einige Elemente im Nachhinein einfacher und unkomplizierter erscheinen. Es gibt noch eine Sache, die besprochen werden kann, und zwar das Geschenk, das Darcy mitbringt. Ein hölzerner Mann, der fast so aussieht, als wäre Pinocchio zu einem Wesen herangewachsen, das ständig vor Schmerzen schreit. Er sitzt fast vollkommen still im Haus, wenn man ihn sehen kann, und verändert sich dann, wenn man ihn nicht sehen kann. In der Art und Weise, wie es dargestellt wird, ist es oft vertraut, aber dennoch erschreckend effektiv. Ein Teil davon ist auf das Design der Kreatur zurückzuführen, die aus bestimmten Blickwinkeln authentisch aus Holz geschnitzt aussieht, in anderen jedoch lebendiger wirkt, aber auch die Art und Weise, wie alles präsentiert wird, ist sehr lobenswert. Jedes Mal, wenn man es nicht sieht, denkt man darüber nach, was zum Teufel es tun könnte. 

Der Film hat ein starkes Gespür für Geduld und baut ein Gefühl der Angst auf, bis man fast erstickt. Es gibt Ausbrüche von Brutalität und einige Momente, die einen zum Erschrecken bringen sollen, obwohl diese aufgrund der zurückhaltenden Art und Weise, wie der Zuschauer weiter in die Dunkelheit geführt wird, funktionieren. McCarthy verbringt seine Zeit hauptsächlich entweder in der abgelegenen Residenz mit Yana und Darcy oder bei Teds Arbeit und lässt keine Gelegenheit aus, die Angst weiter anzuheizen. Ob in den entzückenderen Witzen, die einen Teil seiner Albernheit anerkennen, oder in den zunehmend übernatürlichen Kräften, die im Spiel sind, nie ist man nicht eingesperrt. Jede Wendung gelingt reibungslos, nicht nur dank McCarthys Geschick, den Ton zu verfeinern, sondern auch dank eines Ensembles, das geerdete, aber dennoch intensive Darbietungen abliefert. Unglaublicherweise integriert McCarthy Elemente aus vielen Horrorgenres. Die abgelegene Umgebung und die gespenstischen Möglichkeiten erinnern an Spukhäuser. Aber Darcys hölzerner Mann wurde von einer Hexe erschaffen (so sagt sie), was die Handlung in dunkle Magie verdreht. Danis Sequenz wirkt mit ihrer Isolation, ihrem Eindringen und ihrem blutigen Ergebnis wie ein Slasher. Dann spielt der zentrale Konflikt zwischen dem potenziellen Frischvermählten und Darcy den Kern des Folk-Horrors, in dem gebildete Städter in ein ländliches Dorf kommen und sich über Gläubige (Darcy) und den Aberglauben lustig machen, was ihnen schadet. Dennoch fühlt sich "Oddity" nicht wie eine Pastiche an. Stattdessen nimmt McCarthy jedes dieser Elemente und verwendet sie als Farbton in seiner unverwechselbaren Horrorpalette. Er vermischt sie auf wunderschöne und erschütternde Weise und zieht den Zuschauer mit ihrer Mystik in seinen Bann.

Wenn man dann zu einem niederschmetternden, aber dennoch kathartischen Schluss kommt, übernimmt Bracken einen Großteil des Films, um ihn nach Hause zu tragen. Sie ist der Aufgabe nicht nur mehr als gewachsen, sondern verleiht ihr in einer Schlusssequenz auch eine überraschende emotionale Kraft, die einen in Stücke reißt. Es ist ihr nicht fremd, großartige Horrordarbietungen zu geben, da sie in ähnlicher Weise in ihrer Rolle in dem beunruhigenden Film "You Are Not My Mother" verschwunden ist. Man kann so viel von dem spüren, was allein aufgrund ihrer Leistung zu einem beängstigenderen, vertrauteren Schrecken wird. Obwohl der Film relativ begrenzt ist, was die Zeit angeht, die man mit ihrer Figur verbringen kann, ist es Bracken, der dem Film ein gewaltiges Gefühl verleiht. Dass einige der letzten Enthüllungen ein Gefühl anhaltender Traurigkeit und ungelöster Qual mit sich bringen, macht diesen Einschnitt umso tiefer. Als die letzten Momente durch das fast leere Haus hallen, erinnert "Oddity" noch einmal daran, was dort draußen lauern könnte. Wenn es schon fast zu spät ist, lernt man, dass die schrecklichsten Dinge in unserem Leben manchmal diejenigen sind, die aus dem Inneren des Hauses an die Tür klopfen.

6,5/10

Quellen: 
Inhaltsangabe: Koch Films
Poster/Artwork: MarVista Entertainment

[KINO FFFnights] L'Empire - The Empire (2024)

https://www.imdb.com/title/tt17375596/

Im Norden Frankreichs herrschen inmitten des Fischerdorfs Boulogne-sur-Mer in einer Parallelwelt die Ritter der interplanetaren Imperien. Sie alle fürchten eines am meisten: Die Geburt des Magrat, einer unreinen Bestie. Tatsächlich scheint ihre schlimmste Befürchtung wahr zu werden, als inmitten eines bürgerlichen Wohngebietes der dunkle Fürst zurückkehrt - in der Form eines neugeborenen Babys...

Wenn man sich die filmische Vita des französischen Autors Bruno Dumont so anschaut ist eine "Star Wars"-Parodie vermutlich das Letzte, womit man rechnen durfte. Die Science-Fiction-Farce "The Empire" ("L’Empire"), passt aber definitiv in sein Schema, obwohl es mit genug VFX, Lichtschwertkämpfen, Raumschiffen und Prophezeiungen ausgestattet ist, um George Lucas blass werden zu lassen. Das heißt, wenn Lucas beschließt, den nächsten "Star Wars" in einer verschlafenen Stadt im Norden Frankreichs zu spielen, einen örtlichen Mechaniker beauftragt, eine der Hauptrollen zu spielen und ein paar eklatante Sexszenen sowie die beiden tollpatschigen Polizisten aus Li'l Quinquin einzubauen. "The Empire" bietet aber atemberaubende Landschaften und beeindruckende Breitbildfotografien von David Chambille. Der Knackpunkt ist, dass diese Landschaften gelegentlich durch die Ankunft eines riesigen Schiffes unterbrochen werden, das genau wie die Sainte-Chapelle in Paris aussieht und eine mächtige interstellare Königin beherbergt, die in Form eines Hologramms erscheint, gespielt von Camille Cottin.

Ist man da verwirrt? Nun ja, auf jeden Fall, denn Dumont versucht nicht einmal, hier etwas real oder glaubwürdig zu machen. Das ist, so scheint es, ähnlich wie bei Quentin Dupieux, wohl seine Arbeitsweise. Wie bei diesen Filmen üblich, besteht das Problem darin, dass es so übertrieben ist, dass es oft anstrengend sein kann, es durchzustehen, es sei denn, man teilt zufällig Dumonts sehr ausgefallenen Sinn für Humor. Dennoch gibt es in diesem Film ein paar gute Gags sowie jede Menge kunstvoll gerenderter VFX von Hugues Namur, der historische französische Architektur, einschließlich des gesamten Chateau de Versailles, mit futuristischer Technologie verbindet und so seine intergalaktische Flotte erschafft.

Was die Handlung betrifft, so handelt es sich, genau wie in "Star Wars", um Kräfte des Guten und des Bösen. Das Gute wird durch die Kirche repräsentiert und das Böse durch die Monarchie, wobei der Veteran Fabrice Luchini eine Darth Vader-ähnliche Figur namens Belzébuth spielt. Letzterer trägt ein Hofnarrenkostüm, das wie ein Ableger aus Tim Burtons "Alice im Wunderland" aussieht. In einer Szene sitzt Luchini auf dem Thron seines schwimmenden Schlosses und sieht zu, wie etwas, das wie ein riesiger, sich drehender Hintern aussieht, zu einer dreiköpfigen Jazzband (die Cantina-Band?) herumtanzt. Zurück auf der Erde, in der Küstenstadt Boulogne-sur-Mer, dreht sich der epische Kampf um ein Kind namens Freddy, von dem sowohl die Guten als auch die Bösen glauben, dass es sich um einen zukünftigen König namens Margat handelt. Sein Vater Jony (Brandon Vlieghe) hat ihn dazu erzogen, Belzébuth zu dienen, und er wird von der sehr außerirdischen Newcomerin Line (Lina Khoudri) unterstützt. Doch ihre Pläne werden von Jane (Anamaria Vartolomei) durchkreuzt, einer Prinzessin Lea im Bikini und in Begleitung eines Rebellen (Julien Manier), der durch die Stadt zieht und mit seinem Lichtschwert Menschen enthauptet.

Die Handlung ist so völlig absurd und das Schauspiel so übertrieben, obgleich es nicht ganz flach ist, dass es den Anschein hat, als würde es das gesamte "Star Wars"-Franchise in seiner absichtlichen Unfähigkeit verspotten. Indem Dumont diese Filme auf das Nötigste ihrer Handlungsstränge reduziert und ein paar visuelle Anspielungen auf andere aktuelle Science-Fiction-Hits wie "Dune" und "Arrival" einfügt, erinnert Dumont den Zuschauer gern daran, dass diese milliardenschweren Hollywood-Giganten simpel und sogar albern sein können - wenn man nur die teure Verpackung entfernt, in der sie geliefert werden. "The Empire" ist Lichtjahre von den Werken von Lucasfilm entfernt, und doch, wenn man einen Schritt zurücktritt und über all die seltsame nordfranzösische Atmosphäre hinwegblickt, kann es sich manchmal ziemlich real anfühlen. Schade also, dass Dumont nicht etwas Unterhaltsameres machen konnte, damit die Satire reibungslos ankommt. Wie seine anderen aktuellen Filme ist auch dieser nicht einfach durchzustehen, obwohl er auf jeden Fall originell und, wie üblich, tadellos gemacht ist. Man kann Dumont vieles vorwerfen, auch die Geduld des Zuschauers auf die Probe stellen, aber immerhin hat er sich nicht verkauft und ist auf die dunkle Seite übergegangen.

5/10

Quellen: 
Inhaltsangabe: Red Balloon Film
Poster/Artwork: Tessalit Productions

[KINO FFFnights] Riddle Of Fire (2023)

https://www.imdb.com/title/tt7575046/

Als Alice (Phoebe Ferro), Jody (Skyler Peters) und Hazel (Charlie Stover) ihr neues Videospiel testen wollen, ist die Enttäuschung groß: Zehn Flammen zeigen ihnen an, dass der Fernseher mit einem Passwort gesperrt ist. Und das, obwohl sie die Konsole selbst in einem der wohl coolsten Diebeszüge überhaupt erbeutet haben! Die Drei sind eigentlich nur einen Blaubeerkuchen davon entfernt, dass Hazels und Jodies Mutter das Passwort rausrückt - so zumindest die Theorie. Auf der Jagd nach der letzten Ingredienz, einem gesprenkelten Ei, stoßen die Kinder jedoch auf mehrere Hürden, die ihre "Mission Pie" abenteuerlicher werden lässt, als zunächst erwartet. Können sie es schaffen, das Feuerrätsel zu lösen?

Es ist exakt der Moment in "Riddle Of Fire", in dem Julie (Danielle Hoetmer) nach einem Blaubeerkuchen fragt. Damit beginnt für die drei Kinder das märchenhafte Abenteuer und eine Odyssee durch den Wald. Die Kinder treffen auf eine Bäckerin, die als Gegenleistung für ihr Kuchenrezept etwas "Kälteres als Eis" verlangt, was sie auf eine kleine Side-Quest schickt. Später, als das Rezept "gesprenkelte Eier" empfiehlt, obwohl es jede andere Ei-Art es sicher auch getan hätte, sind die drei erpicht darauf, eben jene "gesprenkelte Eier" in dem örtlichen Lebensmittelgeschäft zu finden. Ein Ei für ein Rezept zu finden scheint für eine Quest vielleicht kein besonders lohnenswertes Ziel zu sein, aber für die drei Kinder ist dieses Ei eine Frage von Leben und Tod. Schließlich wäre es für diese Jugendlichen eine tödliche Enttäuschung, in den Sommerferien nicht Videospiele spielen zu können. Darüber hinaus wird Julie, die an einer Erkältung leidet, die sie ans Bett fesselt, selbst zu einer gefangenen Prinzessinnenfigur. Das Einzige, was sie heilen kann, ist der Kuchen, was den Bemühungen der Bande noch mehr Dringlichkeit verleiht. Leider werden diese Eier von dem berüchtigten John Redrye (Charles Halford) aufgesammelt. Er ist Teil der "Enchanted Blade Gang", angeführt von der Hexe Anna-Freya Hollyhock (Lio Tipton). Sie und ihre Gefolgsleute stellen eine echte Bedrohung für unsere eiersuchenden jungen Helden dar, besonders wenn sie der "Enchanted Blade Gang" auf einer illegalen nächtlichen Jagd in einen Nationalpark folgen. Zu ihrem Glück hat sich auch Anna-Freyas kleine Tochter Petal (Lorelei Mote) mitgeschlichen. Und wie eine gütige Märchenprinzessin bietet sie ihnen dann auch die Hilfe, die sie brauchen.

"Riddle Of Fire" spielt damit, wie viel von Anna-Freyas Magie real ist, und verwischt die Grenze zwischen unserer Welt und einer fantastischen Alternativrealität. Wer hier an "Die Goonies" ist gar nicht so weit weg von dem, was "Riddle Of Fire" dem Zuschauer bietet. Regisseur Weston Razooli  betont die folkloristischen Elemente des Films mit lebendigen Bildern und Klanglandschaften. Die Wälder und Berge von Ribbon sind leuchtend grün, ergänzt durch das klare Blau eines größtenteils wolkenlosen Himmels. Dabei handelt es sich um Landschaften, die aussehen, als könnten sie einem Märchenbuch oder einem großartigen Fantasy-Videospiel wie "The Legend Of Zelda" entstammen. Zu dieser Qualität eines Videospiels tragen auch die gelegentliche Verwendung von Gaming-Soundeffekten und die sich wiederholende Filmmusik bei, die genau wie in einem Videospiel oder auf einem Renaissance-Jahrmarkt klingen würde. Auch wenn man einen Film sieht, der größtenteils in der Realität verwurzelt ist, sind diese Entscheidungen mehr als genug, um den Zuschauer in seine eigenen unbeschwerteren Kindheitsfantasien zurückzuversetzen, in denen jeder Tag eine Gelegenheit für Abenteuer war.

Ohne eine solide Kinderbesetzung kann es keine Ode an die Kindheit geben, und "Riddle Of Fire" liefert mit seinen vier jungen Hauptdarstellern genau das ab. Charlie Stover (Hazel), Skyler Peters (Jodie), Phoebe Ferro (Alice) und Lorelei Mote (Petal) haben alle einen rauen, ungeschliffenen Charme, der sich als besonders liebenswert erweist, wenn er mit ihrem tiefen Engagement für die Abenteuer im Mittelpunkt des Films gepaart wird. Jedes Kind hat eine besonders affektierte Art zu sprechen. Manchmal klingen ihre Dialoge überhaupt nicht wie etwas, das ein Kind sagen würde, während sie manchmal völlig natürlich wirken. Und obwohl Jodie die Jüngste ist, ist sie vielleicht die manierlichste Sprecherin der vier. Das alles trägt zur halb fantastischen Qualität von "Riddle Of Fire" bei. Das zunächst fesselnde Abenteuer fühlt sich leider irgendwann wie eine Belastungsprobe an, als die Kinder in immer gefährlichere Situationen geraten. Zum Glück zieht Regisseur Weston Razooli rechtzeitig die Notbremse. Die Versatzstücke werden länger und nachsichtiger, die Genres, mit denen Razooli experimentiert - Raubüberfall, Abenteuer, Komödie - prallen etwas aufeinander, anstatt sich nahtlos zu ergänzen und seine Tendenz, in bestimmten Momenten zu lange zu verweilen, kann seine eher zwiespältigen Empfindungen von bezaubernd bis nervig verändern. Doch unterm Strich bleibt der Film ein süßer, einzigartiger Fantasyfilm und eine wunderbare Ergänzung zum Kinderabenteuergenre.

7,5/10

Quellen:
Inhaltsangabe: Warner Bros.
Poster/Artwork: Warner Bros.

[KINO FFFnights] Le Mangeur D'âmes - The Soul Eater (2024)

https://www.imdb.com/title/tt28821588/

Kommandantin Elisabeth Guardiano (Virginie Ledoyen) wird beauftragt, in einer kleinen Gemeinde in den Vogesen einen selten brutalen Doppelmord zu untersuchen. Vor Ort trifft sie auf den Gendarmeriehauptmann Franck de Rolan (Paul Hamy), der mit einer Reihe von verschwundenen Kindern konfrontiert ist. Da sie gegen ein feindseliges Dorf machtlos sind, sind sie gezwungen, ihre Kräfte zu bündeln, um die Wahrheit aufzudecken - eine erschreckende Wahrheit, die von okkulten Legenden geprägt ist...

Tief im östlichen französischen Le Val Gernon liegt eine kleine Stadt, die mit argen Problemen zu kämpfen hat. Seit der Schließung des örtlichen Sanatoriums ist der Tourismus bedeutsam zurückgegangen und die Bewohner kommen daher gerade noch so über die Runden. Aber um die Sache noch schlimmer zu machen, ereignen sich hier immer wieder seltsame Ereignisse. Ein Flugzeug stürzt in der Gegend ohne mechanisches Versagen ab und die Stadtbewohner erleiden gewaltsame, unerklärliche Todesfälle. Ist das alles nur Pech oder plagt etwas Schlimmeres das Land? Es ist diese vernachlässigte Stadt, in der die Regisseure Alexandre Bustillo und Julien Maury beschlossen, den Schauplatz für "The Soul Eater" zu errichten. Doch es ist nicht alles verloren. Detective Elizabeth Guardino (Virginie Ledoyen) ist in diese Stadt gekommen, um die ungewöhnlich grausamen Vorkommnisse aufzuklären. Zu ihrer Überraschung ist Elizabeth jedoch nicht die einzige Ermittlerin in der vergessenen Gegend. Nach dem Verschwinden von sechs Jungen aus einer Nachbarstadt trifft Franck de Rolan (Paul Hamy) am Tatort des blutigen Verbrechens ein, bewaffnet mit endlosen Theorien, um Elizabeth davon zu überzeugen, dass ihr Mordfall irgendwie damit zusammenhängt. Das ungleiche Paar ist nun nicht gerade Mulder und Scully, aber sie ergänzen sich irgendwie und bilden dann doch eine ungleiche Einheit. Elizabeth ist die von Logik geleitete Detektivin, während Franck seine Suche von seinen Gefühlen leiten lässt. Und während der Zuschauer darauf wartet, den Hintergrund zu erforschen, der die beiden verbindet, wird er gleichzeitig auf Möglichkeiten aufmerksam gemacht, die über den wissenschaftlichen Bereich hinausgehen.

Im Vergleich zu ihren extremen Horroranfängen mag "The Soul Eater" von Bustillo und Maury zunächst harmloser wirken - trotz der wirklich äußerst blutigen Tatorte. Aber in den Jahren, in denen sie ein erschreckendes Portfolio an Filmen kultiviert haben, haben die beiden gelernt, wann sie sich zurückhalten und wann sie sich austoben sollten. Die brutalen Todesszenen sind dem nicht gewachsen, was sich der Zuschauer vorstellen kann, wenn die düstere Wahrheit über "The Soul Eater" ans Licht kommt. Die Entdeckung, dass das Grausamkeitspotenzial der Menschheit weitaus schlimmer ist als alles, was die übernatürliche Welt zu bieten hat, reicht nämlich schon völlig aus. Die Folklore von "The Soul Eater", geschaffen von den Schriftstellern Annelyse Batrel und Ludovic Lefebvre, ist einzigartig gestaltet und beschränkt sich nachweislich auf handgeschnitzte Figuren und manische Zeichnungen kürzlich Verstorbener. Es scheint, als hätte die mündliche Überlieferung der Kreatur die Stadtbewohner infiziert, während sie sich einer nach dem anderen ihren Launen beugen. Zum Leidwesen von Elizabeth hat dieses Ding keinen digitalen Fußabdruck, sodass sie nicht recherchieren kann, womit sie es zu tun haben könnte. Im Informationszeitalter gibt es nichts Erschreckenderes, als mit dem Unbekannten bedroht zu werden. Während das ungleiche Detektivpaar darum kämpft, dieses mysteriöse Wesen zu begreifen, verliert es den festen Boden der Logik.

Seit David Lynchs "Twin Peaks" das Unheimliche in den Ermittlungsthriller einlud, haben das Übernatürliche und das Polizeiprozedere oft wieder zueinander gefunden. "The Soul Eater" ist ein weiterer Vertreter seiner Art für diejenigen, die von der Landschaft verzaubert und von der Schattenseite verstört werden möchten. Es ist diese wirkungsvolle Mischung aus Übernatürlichem und Logischem, die die Strafverfolgungsbehörden dazu veranlasst, die Legalität zu widerlegen. "The Soul Eater" hinterlässt vielleicht einen bitteren Geschmack, aber diese Note der Geheimnisse des Films können danach noch tagelang alles andere überlagern.

8,5/10

Quellen:
Inhaltsangabe: Capelight
Poster/Artwork: Phase 4 Productions/Place du Marché Productions/Umedia

[KINO FFFnights] Sting (2024)

https://www.imdb.com/title/tt20112746/

In einer kalten, stürmischen Nacht in New York City fällt ein mysteriöses Objekt vom Himmel und zertrümmert das Fenster eines heruntergekommenen Wohnhauses. Es ist ein Ei, und aus diesem Ei schlüpft eine seltsame kleine Spinne. Die Kreatur wird von Charlotte (Ryan Korr) entdeckt, einem rebellischen 12-jährigen Mädchen, das von Comics besessen ist. Trotz der Bemühungen ihres Stiefvaters Ethan, durch die gemeinsame Comic-Kreation Fang Girl eine Verbindung zu ihr aufzubauen, fühlt sich Charlotte isoliert. Ihre Mutter und Ethan sind durch ihr neues Baby abgelenkt und haben Mühe, damit zurechtzukommen, so dass Charlotte eine Bindung zu der Spinne aufbaut. Sie hält sie als heimliches Haustier und nennt sie Sting. Mit Charlottes Faszination für Sting wächst auch dessen Größe. Sting wächst in einem monströsen Tempo und sein Appetit auf Blut wird unersättlich. Die Haustiere der Nachbarn beginnen zu verschwinden, und dann die Nachbarn selbst. Bald wird Charlottes Familie und den exzentrischen Bewohnern des Hauses klar, dass sie alle in der Falle sitzen, gejagt von einer gefräßigen, überdimensionalen Spinne mit einer Vorliebe für Menschenfleisch - und Charlotte ist die Einzige, die weiß, wie man sie aufhalten kann.

Creature-Features sind etwas Feines. Es ist wohl so, dass jeder Horrorfilmfan mindestens ein Feature kennt und sich regelrecht darauf freut, wenn sich irgendwelche "Monster" mit Menschen anlegen. Von "Anaconda" über "Piranhas" bis hin zu dem Xenomorph aus "Alien" ist es leicht zu erkennen, warum man des Öftern auf diese Art von Filmen zurückgreifen - es ist einfach der Thrill, sich mit etwas anzulegen, was einem eigentlich überlegen ist. Bedauerlicherweise fehlt dem neuesten Feature aus diesem Genre der zusätzliche Biss und am Ende ist es eher ein langweiliges Familiendrama als ein echter Monsterfilm. Bei einem Film, der so sehr von der Gestaltung der Monsterszenen in "Alien" oder "Der Weiße Hai" inspiriert ist, würde man erwarten, dass "Sting" eine ähnliche Spannung bietet wie diese Filme. Aber leider bleibt uns ein gewöhnlicher Horrorfilm, der vergisst, gruselig zu sein, und sich darauf verlässt, dass er Angst vor der Idee und nicht vor der Umsetzung hat.

Wir haben die altbekannte Konstellation: Ein Mädchen namens Charlotte (Alyla Browne) und ihr neuer Stiefvater Ethan (Ryan Corr) wohnen im am schlechtesten geführten Wohnhaus, das man je gesehen hat. Dann der typische frühreife Schritt, den man einmal zu oft gesehen hat: Das junge Mädchen rebelliert gegen ihre Eltern, doch dann tritt eine Spinne in Charlottes Leben. Zunächst als neues Haustier gehalten, terrorisiert Charlottes neues Spinnentier alle um sie herum, bis es sich auch ihre Familie vorknöpft. Haus und Mensch scheinen in den ersten beiden Akten stärker im Mittelpunkt zu stehen als Charlotte, da der Film zu viel Zeit damit verbringt, die Wohnung und ihre verrückten Nachbarn vorzustellen, anstatt Gründe dafür darzulegen, warum man sich um Charlotte und ihre Familie kümmern sollte. Während Ethan die Wohnung repariert, an seinen Comics arbeitet und sich an das Leben mit seiner neuen Frau (Penelope Mitchell) gewöhnt, fragt man sich, was Charlotte in der Geschichte überhaupt macht. Man bleibt ihr gegenüber kalt, als der Film sie im letzten Akt als Protagonistin vorstellt. Und das ist nicht etwa die schuld von Alyla Browne, die aus dem, was ihr gegeben wird, das Beste macht, aber ihre kurze Screentime wird ihr nicht gerecht. Die exzentrischen Charaktere des Gebäudes sind jedoch eine Stärke des Films. Auch wenn die meisten nur da sind, um die Zahl der Kills aufzubessern. Von der Vorhersehbarkeit mal ganz abgesehen.

Während "Sting" eine generische Spinne als Hauptdarsteller wählt, kann man nicht anders, als sich nach etwas mehr als dem zu sehnen. Die Produktion stützte sich nicht ausschließlich auf digitale Effekte, aber das Filmemachen rund um die praktische Arbeit von WETA Workshop wirkte kontraintuitiv. Angesichts der Stroboskoplichter und der verwackelten Kameraführung beim Fokussieren auf die Kreatur hat man immer das Gefühl, dass Regisseurin Kiah Roache-Turner seine Kreatur eher verbirgt als hervorhebt. Auf der anderen Seite ist die sehr Xenomorph-ähnliche Überlieferung und Ästhetik der Spinne eine brillante Wahl. Gerade der letzte Akt geht in diese Richtung, aber es fühlt sich vor allem so an, als hätten Roache-Turner und sein Team Spaß mit der Kreatur. Es ist klebrig und eklig, was für einen Film wie diesen perfekt ist; man möchte ein wenig angeekelt sein, und das erreicht es. Es gibt auch ein faszinierendes Sounddesign, das das widerliche Gefühl rund um die Kreatur verstärkt. Aber der Film weckt zu viele Hoffnungen, dass die meisten seiner Zuschauer unter einer gewissen Spinnenphobie leiden, denn abgesehen davon, dass er ihm ein erschreckendes Aussehen verleiht, fühlt er sich selten erschreckend an. Bis zum Schluss sind die meisten Schrecken außerhalb des Bildes zu sehen oder im Schatten verborgen. Das Gleiche gilt für die eigentlichen Kills, aber einer gegen Ende gleicht die glanzlosen Kills aus. Das hätte alles besser funktionieren können - wenn nur die Magie, die in den letzten 15 Minuten versprüht wurde, sich durch den ganzen Film gezogen hätte, dann, ja dann hätte man einen echten Horror-Spinnen-Klassiker haben können.

6/10

Quellen:
Inhaltsangabe: Warner Bros.
Poster/Artwork: Warner Bros.

[KINO FFFnights] Nähtamatu võitlus - The Invisible Fight (2023)

https://www.imdb.com/title/tt20420790/

An der Grenze zwischen der UdSSR und China, 1973: Der junge Soldat Rafael (Ursel Tilk) ist im Wachdienst, als die Grenze von fliegenden chinesischen Kung-Fu-Kriegern angegriffen wird und er als einziger Überlebender zurückbleibt. Rafael ist völlig fasziniert von den langhaarigen Kampfkünstlern, die seine Wachkameraden mit Leichtigkeit ausschalten, während sie gleichzeitig verbotene Black-Sabbath-Musik aus ihrem tragbaren Radio hören, und wird von einer Offenbarung überrascht: Auch er möchte ein Kung-Fu-Krieger werden. Auf der Suche nach einem Mentor, aber mit begrenzten Optionen, veranlasst Rafael seinen Glauben dazu, Kampfkunstlehrer an dem unwahrscheinlichsten Ort aufzusuchen: dem örtlichen orthodoxen Kloster, wo die schwarz gekleideten Mönche seine Ausbildung beginnen. Mit einer skeptischen Mutter, einem rivalisierenden Mönch und einer aufkeimenden Liebe, die ihn in verschiedene Richtungen zieht, stellt Rafael fest, dass seine Reise zur Erschließung der größten Kampfkunst von allen - der allmächtigen Kraft der Demut - lang, kurvenreich und voller Abenteuer ist...

"The Invisible Fight" des estländischen Autor und Regisseurs Rainer Sarnet wäre lästig, wenn er nicht so liebevoll und mit charmanter Ernsthaftigkeit inszeniert wäre. Teils Wuxia-Hommage, teils Coming-of-Age-Geschichte, hat diese Story voller absurder historischer Fiktion kaum etwas anderes im Sinn, als das Publikum mit einer gewissen Regelmäßigkeit zu amüsieren. Der Film spielt in der Sowjetunion um 1973, wobei die Tristesse des Lebens unter einem autoritären Regime in scharfem Kontrast zu der erfüllteren, lebendigeren Existenz steht, die unser Protagonist Rafael (Ursel Tilk) anstrebt. Der junge Mann, der noch immer mit seiner Mutter in einer bescheidenen Wohnung lebt, ist der einzige Überlebende eines Überfalls dreier chinesischer Banditen an der sowjetisch-chinesischen Grenze, wo er als Wachmann arbeitet. Als sein Auto eines Tages in der Nähe eines Klosters eine Panne hat, stachelt Rafael, ein Heavy-Metal-Rebell auf der Suche nach Radikalisierung, die Mönche an und tut sein Bestes, um sich trotz ihrer Proteste in die Gemeinschaft einzuschmeicheln . Dabei handelt es sich nicht nur um ostorthodoxe heilige Männer, sondern um praktizierte Kampfkünstler. Es stellt sich zudem heraus, dass ihr Anführer Nafanail (Indrek Samuul) nach einem Nachfolger sucht.

Die überzeugenden visuellen Gags von "The Invisible Fight" beginnen gleich zu Beginn, als einer der eindringenden Banditen fröhlich auf dem ausgestreckten Gewehr eines sowjetischen Soldaten tanzt, bevor er ihn niederstreckt. Unerbittlich unterstützen diese kleinen Albernheiten Sarnets scheinbare Mission, die verborgenen Exzentrizitäten oder seltsamen Schattenseiten jeder Figur und jedes Elements der Welt des Films aufzudecken. Dazu gesellt sich ein in manchen Szenen fast comichafter Sound und eine interessante Musikauswahl, die zwischen östlicher Streich- und Flötenmusik und Ausbrüchen von Black Sabbath schwankt. Letzteres wird von den Banditen in der ersten Szene gespielt und ergreift akustischen Besitz von Rafael, wodurch dieser den Metal-Geist und die Lieder an die Mönche weitergibt. Diese scheinbar gegensätzlichen Methoden der Partitur erzeugen eine erschütternde Spannung zwischen der Kultur der alten und der neuen Welt. 

Rafael setzt sich zu seiner ersten Mahlzeit mit den Bewohnern des Klosters zusammen und erfährt, dass die meisten Mönche Starez mit telepathischen Fähigkeiten und fast alle ehemalige Häftlinge seien. Dann schwenkt die Kamera über den Tisch und man erhascht einen Blick auf ihre abgebrühten, ziegenbärtigen Gesichter, die an eine Prozession reformierter Biker erinnern, die zu Propheten wurden. Jede Figur in Sarnets Film scheint bereit zu sein, ihrem inneren Freak freien Lauf zu lassen, außer vielleicht Inrinei (Kaarel Pogga), Rafaels nervösen, selbstzweifelnden Gegenspieler und Lehrer, und Rita (Esther Kuntu), das Love-Interest des Helden. Auch wenn die meisten Charaktere hier eine Mischung aus Witzen und Macken sind, fühlt sich Rita besonders dürftig gezeichnet, und ihre Dynamik mit Rafael erzeugt nicht die Energie oder seltsame Eindringlichkeit, die sie vielleicht sollte. Stärker als die manchmal lückenhaften Charakterisierungen sind Nafanails Mitgefühl und seine Aufgeschlossenheit hervorzuheben, die das Klischee einer strengen religiösen Autoritätsperson entkräften. Stattdessen weigert sich Nafanail, die Sünden anderer zu verurteilen, als Inrinei und Rafael ihre Geständnisse nutzen, um die Missetaten des anderen oder Ritas auf die Probe zu stellen. Sein entschlossenes Beharren darauf, Gott und das Gute in jedem zu sehen, ist bewegend und zeugt vom "zu gutmütig, um zu scheitern"-Ethos des ganzen Films.

5/10

Quellen:
Inhaltsangabe: LevelK
Poster/Artwork: LevelK