Meg 2: The Trench - Meg 2: Die Tiefe (2023)

https://www.imdb.com/title/tt9224104/

Jonas Taylor (Jason Statham) und sein Kollege (Wi Jing) leiten ein Forschungsteam, das einen nicht ganz ungefährlichen Tauchgang plant, der das Team rund um die beiden in bisher kaum erkundete Tiefen des Ozeans führen soll. Gänzlich ungestört bleiben die Meeresforscher auf ihrer waghalsigen Mission jedoch nicht. Denn auch ein knallhart kompromisslos vorgehendes Unternehmen für Unterwasser-Bergbau hat bei der Suche nach wertvollen und noch abbaubaren Rohstoffen ein Auge auf die noch unausgebeuteten Tiefen geworfen. Doch als gleich mehrere der Meg genannten riesigen Urzeithaie aus den finsteren Ecken der ozeanischen Untiefen auftauchen, scheint der Konflikt mit dem gierigen Konzern im wahrsten Sinne des Wortes auf einmal eher das kleinste Problem zu sein. Der Kampf ums schiere Überleben beginnt und entwickelt sich schnell zu einem Rennen an die rettende Oberfläche.

Keiner, niemand, wirklich niemand hätte daran geglaubt, dass sich "The Meg" eine Fangemeinde aufbauen hätte können. Und doch - obwohl die familienfreundliche 2018er Action-Horror-Kreaturenkomödie von Jon Turteltaub mit eher mittelmäßigen Kritiken abgestraft wurde - war die Begeisterung für den Megalodon groß. Vermutlich lag das an der Nähe zu "Jurassic World" und dem Warner Monster Universe mit King Kong und Godzilla, welches den Film, der sich mit der Prämisse verkaufte, dass Action-Star Jason Statham gegen einen riesigen prähistorischen Hai antritt. Und doch war es schon eine kleine Enttäuschung, dass "The Meg" nur sehr wenig von Statham und dem Hai zu bieten hatte. Aber in einer Branche, in der Geld eine nicht unwesentliche Rolle spielt, wurde Stathams Vorliebe für gigantische Haikämpfe für "Meg 2: The Trench" wieder aufgegriffen, wobei Turteltaub auf bizarre Weise durch den britischen Filmemacher Ben Wheatley ersetzt wurde. Bizarr, weil Wheatley sich bisher eher an psychologisch schädlichen Filmen wie "High Rise" erfreut hat, die oft eine düstere, schwarze Komödie beinhalten, und obwohl so ein Vehikel wie "Meg 2" in der Tat von einer Injektion dunklen Humors profitieren würde, schreit der Mann nicht gerade: "Bucht mich für einen Killerhaifilm!"

Was auch immer der Grund dafür war, dass Wheatley zustimmte, "Meg 2" zu drehen, er ist sich zumindest bewusst, dass das, was er macht, nicht besonders gut ist - das Drehbuch von Jon Hoeber, Erich Hoeber und Dean Georgaris lässt sehr viel zu wünschen übrig - und es ist dieses Selbstbewusstsein, das dem Film hilft, seine viel zu großzügige Laufzeit von 116 Minuten zu überleben. Die Geschichte ist verworren, und taugt gerade mal als Aufhänger - man braucht einfach keine stundenlange Exposition, wenn es um einen Film über Riesenhaie geht. Jedenfalls begrüßt "Meg 2" Stathams einfallsreichen Jonas Taylor mit einer einleitenden Actionsequenz, die sich anfühlt, als könnte sie aus einem beliebigen Katalog des Actionstars geklaut werden. Trotz der Tatsache, dass zu viele seiner Co-Stars den letzten Film überlebt haben - eine weitere Sünde des ersten Films war es, sich mit seinem umfangreichen Schauspiel-Ensemble zu sehr anzufreunden - sind Cliff Curtis und Page Kennedy die einzigen beiden Schauspieler, die hier wieder an Bord sind, aber es ist völlig in Ordnung, wenn man sich nicht an sie erinnert, denn "Meg 2" dient so ziemlich als eigenständiger Film. Alles, was man wissen muss, ist, dass das Trio Teil eines Forschungsteams ist, das auf einem Tauchgang die Geheimnisse der Tiefen des Ozeans erforscht. Der unterirdische Graben ist eine Art unerschlossene Barriere, die, sobald sie durchdrungen ist, einen Haufen kolossaler Megalodons an die Oberfläche bringt, wo sie Chaos anrichten.

Aber wenn es doch nur so schnell und einfach wäre. "Meg 2" scheint nicht aus den Fehlern seines Vorgängers gelernt zu haben und lässt seine größte Verlockung für den Großteil seiner Laufzeit außen vor. Die knappe erste Hälfte von Wheatleys Horror-Möchtegern-Actioner sind Statham und seiner Crew von austauschbaren Opfern gewidmet, die in Taucheranzügen über den Meeresboden spazieren. Ihre Tauchkapsel wird sabotiert - und es ist keine große Überraschung, wer dahinter steckt, und man erfährt, dass es neben den Megs (dieses Mal 3) auch noch einen Riesenkraken gibt, mit dem sich die armen Protagonisten herumschlagen müssen, aber das alles erweist sich letztlich nur als lächerliches Futter für das eigentliche Glanzstück des Films: seine verrückte letzte Stunde.

Die Verschmelzung von Riesenhaien und Tintenfischen mit bewaffneten Terroristen und Dinosauriern - warum auch nicht!? - "Meg 2" wird erst im letzten Drittel so richtig lebendig, als er alle Vorsicht über Bord wirft, sich selbst übertrumpft und den Irrsinn seiner Prämisse mit einem deutlichen Augenzwinkern umarmt; schade nur, dass es so lange gedauert hat, bis es soweit war. Als die Megs endlich ein Inselresort ansteuern, in dem sich die Gäste nicht schnell genug in Sicherheit bringen können - nämlich in das Maul eines riesigen Hais (Punkte für Wheatley, weil er eine POV-Aufnahme aus dem Inneren des Haifischmauls eingebaut hat) - wappnet sich Statham, um es mit ein wenig mehr als Speeren und einem Jetski mit den Haien aufzunehmen, was zu echtem "Money Shot"-Kino führt, das davon zeugt, dass Wheatley weiß, welche Art von Film er wirklich macht. "Meg 2: Die Tiefe" ist damit beileibe noch kein guter Film. Aber er scheint das auch zu wissen, und wenn man als Zuschauer bereit genug ist ist, sich diesem (erwartbaren) Irrsinn hinzugeben, kann man mit diesem Creature-Feature Spaß haben - man muss nur viel zu viel unnötige "Handlung" über sich ergehen lassen, um dahin zu gelangen.

6,5/10

Quellen: 
Inhaltsangabe: Warner Bros.

Paradise (2023)

https://www.imdb.com/title/tt27403874/

In der Zukunft ist es bald möglich, die Lebenszeit von einer Person auf eine andere zu übertragen. Das Biotech-Start-up AEON macht mit dieser Methode Milliardengewinne. Doch nicht nur das, die Firma hat mit seiner Technik das Leben auf der ganzen Welt für immer verändert. Elena (Marlene Tanczik) wird eines Tages mit Versicherungsansprüchen konfrontiert, die sie nicht bedienen kann. Als Konsequenz muss sie 40 Jahre ihres Lebens an AEON abtreten. Ihr Mann Max (Kostja Ullmann) arbeitet für AEON und setzt daraufhin alle Hebel in Bewegung, um Elenas verlorene Lebensjahre irgendwie zurückzuholen. Er findet schließlich heraus, dass die CEOs der Hightech-Firma es gezielt auf Elenas Lebenszeit abgesehen haben. Doch was steckt hinter ihrem perfiden Plan und warum ausgerechnet Elena? Max fasst einen Entschluss und entführt die ahnungslose Elena daraufhin. Für beide beginnt ein Wettlauf gegen die Zeit, den sie kaum gewinnen können.

"Paradise" ist ein deutscher Sci-Fi-Thriller mit einer faszinierenden Handlung. Trotz des generischen (und im Grunde auch völlig zusammenhangslosen) Titels bietet dieser Film wirklich eine gute Story, die für einen spannenden Film sorgt. Einer, der zum Nachdenken anregt und den Zuschauer vor die schwierige Frage stellt: Was würdest du tun, wenn du die Wahl hättest? Von Anfang an begeistert die Idee von "Paradise": Tausche Lebensjahre gegen Geld. In einer nicht näher defintierten Zukunft in Berlin. Hier, wie auf der ganzen Welt hat eine Methode zur Übertragung von Lebensjahren von einer Person auf eine andere das Altern völlig verändert. Nun ja - zumindest für diejenigen, die sich das Verfahren leisten können und einen genetisch passenden Partner haben, der bereit ist, seine Jahre zu spenden. Das Biotech-Start-up AEON ist ein milliardenschweres Pharmaunternehmen, das an der Spitze dieser Technologie steht, und in der Regel kann man nun niemandem mehr ansehen und wissen, wie alt er ist. Jemand kann 18 Jahre alt sein (das Alter, in dem man mit der Spende von Jahren beginnen kann), aber 20 Jahre älter aussehen, weil er zwei Jahrzehnte gespendet hat, um sich das Leben seiner Träume zu leisten. Ein anderer sieht vielleicht wie 25 aus, ist aber in Wirklichkeit 60 Jahre alt und hat einfach zusätzliche Jahre von seinem Partner erhalten (oder gekauft). Das Alter ist nun das "chronologische Alter" oder das praktisches Alter, das darauf beruht, ob man Jahre gegeben oder erhalten hat. Es ist wirklich ein brillantes Setting, und von Anfang an liegt der Schwerpunkt auf dem Guten und dem Schlechten. Oder besser gesagt, auf die Möglichkeiten für die Menschen und die Gefahr, wie sie diese neue Technologie missbrauchen können. 

"Paradise" Stärke liegt in Max (Kostja Ullmann) und Elena (Marlene Tanzcik), die in eine Situation geraten, die gewöhnlicher nicht sien könnte, die sie aber vor Probelem stellt, die sie so nicht haben kommen sehen, denn als sich ein Unfall ereignet, der nicht von der Versicherung gedeckt ist, sind sie gezwungen, ihre "Sicherheiten" einzusetzen. Zu Max' großer Überraschung stellt sich heraus, dass es sich bei den Sicherheiten um ganze 40 Jahre von Elenas Leben handelt. Das macht natürlich jede Chance auf eine gemeinsame Zukunft zunichte. Dazu gehört auch, dass sie eine Familie gründen wollen, etwas, wovon sie immer geträumt und worauf sie hingearbeitet haben. Als angesehener Mitarbeiter von AEON versucht Max nun alles, um Elena die verlorenen Jahre zurückzugeben. Doch obwohl die Technologie umkehrbar ist, stellt sich schnell heraus, dass da gewisse Steine im Weg liegen, die beiseite geräumt werden wollen. Boris Kunz ist der Regisseur dieses Netflix-Sci-Fi-Thrillers und er hat auch das Drehbuch zusammen mit Simon Amberger und Peter Kocyla geschrieben. Während der Mittelteil dieses deutschen Sci-Fi-Thrillers ein wenig zu langsam und viel zu vorhersehbar wird, fesselt der Anfang ungemein. Ein sehr mutiges und starkes Ende, das sogar die Möglichkeit einer Fortsetzung andeutet.

6,5/10

Quellen: 
Inhaltsangabe: Netflix

The King's Speech - The King's Speech: Die Rede des Königs (2010)

https://www.imdb.com/title/tt1504320/

Der britische Königssohn Bertie (Colin Firth) hat ein gewaltiges Problem: Er stottert so heftig, dass jeder standesgemäße Auftritt zur totalen Blamage für sich und seine royale Sippe wird. Unzählige gescheiterte Lösungsstrategien hat der arme Mann längst jede Hoffnung aufgegeben, seine Sprachbehinderung jemals überwinden zu können. Seine Frau Elizabeth (Helena Bonham Carter) überredet ihn zu einem letzten Anlauf – und schleppt ihn in die Praxis des schrägen Sprachtherapeuten Lionel Logue (Geoffrey Rush). Erst ist Bertie abgeschreckt von Lionels ruppigem Tonfall. Doch schon kurz darauf entwickelt sich eine vorsichtige Freundschaft zwischen den ungleichen Männern und der geplagte Adelsmann erzielt erste Erfolge. Dann überschlagen sich die Ereignisse. George V. stirbt, sein Bruder Edward VIII. (Guy Pearce) entzieht sich der Verantwortung als Thronfolger – und plötzlich wird Bertie zum König gekrönt. Wie aber soll ein stotternder König England in den inzwischen unvermeidlichen Krieg gegen Nazi-Deutschland schicken? 

"The King's Speech" ist ein traditionell inszenierter, hübsch ausgestatteter britischer Historienfilm, der in den 1920er- und 30er-Jahren spielt und von jener Sorte gut gekleideter, patrizischer Engländer von damals bevölkert wird, die mitten am Tag Schnaps trinken und deren Hände selten ohne eine elegante Zigarette zu sehen sind. The King's Speech", geschrieben von David Seidler und inszeniert von Tom Hooper, ist ein unterhaltsames und fesselndes Drama aus dem wahren Leben über die morganatische Bromance zwischen dem introvertierten Stotterer König George VI. und seinem überschwänglichen australischen Sprachtherapeuten Lionel Logue: eine Affäre, die von Georges gewitzter Ehefrau in ihrer Vor-Queen-Mum-Zeit als Herzogin von York und später Königin Elizabeth vermittelt wurde. Colin Firth in der Rolle des leidgeprüften Monarchen, Geoffrey Rush in der Rolle des augenzwinkernden Sprachtrainers und Helena Bonham Carter in der Rolle der Königin, die lernen muss, Logue zu mögen, indem sie ihren eigenen Snobismus überwindet - den sie übrigens nie als Schüchternheit zu tarnen versucht -, spielen diese Figuren mit reinem Genuss.

Darüber hinaus bietet der "The King's Speech: Die Rede des Königs" eine faszinierende, wenn auch etwas belastete neue Perspektive auf die Abdankungskrise von 1936. Vor allem aber ist der arme König als jüngerer Mann gezwungen, mit dem Mund voller Murmeln zu sprechen, und er kommt dem Schicksal nahe, eine zu verschlucken. Aber wo sie sich schick machen und anständig reden musste, muss George VI. (der frühere Herzog von York, der immer "Bertie" genannt wurde) in die andere Richtung gehen: Er muss lockerer werden, weniger formell, weniger verkrampft, weniger klinisch depressiv. Der Film wirft auf geschickte Weise ein neues Licht auf das dysfunktionale Zittern im Herzen der britischen Königsfamilie und deutet frech an, dass es eine Zeit gab, in der ein britischer Monarch mit Psychoanalyse experimentierte, getarnt als Sprachtherapie. Colin Firths Gesicht ist ein Bild des Jammers in der Eröffnungsszene, unter seinem Zylinder, als würde er seiner eigenen Beerdigung beiwohnen. Es ist sein erster öffentlicher Auftritt, als er bei der Empire-Ausstellung im Wembley-Stadion durch ein Mikrofon zu einer riesigen Menschenmenge und über das Radio live zur ganzen Nation sprechen muss. Sein Stottern führt dazu, dass er kaum ein Wort herausbekommt und die Nation vor Verlegenheit zusammenzuckt. Sein furchterregender Vater, gespielt von Michael Gambon mit Englands schroffstem Bart, macht ihm klar, dass dies ein neues Medienzeitalter ist. Es geht nicht nur darum, auf einem Pferd furchterregend königlich auszusehen, der Monarch muss auch das Funkmikrofon beherrschen.

Hier kommt Lionel Logue ins Spiel - ein sturköpfiger Australier mit bohemienhaften Manieren und schäbiger Wohnung in der Harley Street. Er ist ein gescheiterter Schauspieler, der überall als Kolonialist verschrien ist, vor allem von den hochnäsigen englischen Theatertypen, für die er hoffentlich noch immer vorspricht. Man sieht ihn, wie er sich bei einer Amateurtruppe mit dem Monolog "Winter unserer Unzufriedenheit" von Richard III. bewirbt. In seinem Drehbuch sorgt Seidler für scharfe Wortwechsel, wenn Logue furchtlos durch die pompöse königliche Formalität stürmt, die Teil des Problems ist, und sich über seine früheren medizinischen Berater lustig macht: "Sie sind alle Idioten!" "Die sind zum Ritter geschlagen worden!", stottert Bertie. "Dann ist es ja offiziell, oder?" Langsam öffnet sich Bertie seinem neuen Freund und erzählt ihm von seiner unglücklichen Kindheit, ohne zu merken, wie sich seine Sprache verbessert. Die Krise kommt, als Logue seinem Patienten zu nahe kommt, und Rush zeigt, wie das "Fieber des roten Teppichs" ihn überwältigt: Er zeigt sogar eine gewisse antikoloniale Arroganz, indem er die Ambitionen von Edwards Mätresse, Mrs. Simpson, zurückweist und sich über die Idee der "Königin Wallis von Baltimore" lustig macht. Und in der Zwischenzeit bedeutet die Abdankung, dass der arme, stotternde Bertie die ultimative Last zu tragen hat, während "Herr Hitler" die Gewitterwolken des Krieges aufwirbelt. Die Nation braucht einen König, der mit klarer, inspirierender Stimme die Kräfte des Guten mobilisieren kann. Sind Bertie und Lionel dieser Aufgabe gewachsen? 

Neben den drei Hauptdarstellern gibt es auch zwei großartige Nebenrollen: Guy Pearce ist ein großartiger Edward, der glatte, unausstehliche Rüpel, der sich über Berties Stottern lustig macht und sich in Sandringham nach Telefonsex mit Mrs. Simpson sehnt - was er eklig "unsere eigenen Schläfrigkeiten machen" nennt. Gambon hat zwei großartige Szenen als George V.: zuerst als robuster Patriarch, der seinem zaudernden Sohn Befehle entgegenbrüllt, und dann - der plötzliche Niedergang ist ein bescheidener Coup du cinéma - unfähig und am Rande der Demenz, nuschelnd und stammelnd, während seine Geheimräte ihn dazu bringen, seine exekutive Verantwortung abzugeben. Defintiv wird nicht jeder diesen Film mögen: Manche mögen ihn zu royalistisch finden und haben verständlicherweise das Gefühl, dass er zu taktvoll über Berties und Elizabeths anfängliche Begeisterung für Appeasement und Neville Chamberlain hinweggeht. In dieser Version taucht Chamberlain kaum auf - wir scheinen direkt von Stanley Baldwins Rücktritt zum plötzlichen Auftauchen des Ersten Lords der Admiralität Winston Churchill überzugehen, der von Timothy Spall mit bebender Brust und steifer Sehne gespielt wird - immer mit Ratschlägen zur Seite stehend und anscheinend mit einer brennenden Zigarre in der Gegenwart des Herrschers. Aber "The King's Speech: Die Rede des Königs" beweist, dass in britischen Historiendramen der alten Schule noch viel Leben steckt - er ist so mitreißend gespielt und inszeniert, so schwungvoll und leichtfüßig.

8/10

Quellen: 
Inhaltsangabe: Wild Bunch

Blue Jasmine (2013)

https://www.imdb.com/title/tt2334873/

Nachdem ihr Ehemann Hal (Alec Baldwin) wegen Betrugs festgenommen und das gemeinsame Vermögen beschlagnahmt wurde, sieht sich Jasmine (Cate Blanchet) gezwungen, ihr komfortables Leben in Manhattans Upper-Class aufzugeben und nach San Fransisco in die kleine Mietwohnung ihrer Schwester Ginger (Sally Hawkins) zu ziehen. Dort angekommen, kann sie die Fassade der unnahbaren Pragmatikerin dank eines umfangreichen Cocktails verschiedener Antidepressiva gerade noch aufrecht erhalten, doch ihre Schwester ahnt, dass sie am Ende ihrer Kräfte sein muss. Um ihr Leben wieder in den Griff zu bekommen, nimmt Jasmine widerwillig eine Stelle als Empfangsdame in einer Zahnarztpraxis an und muss dort die unbeholfenen Annäherungsversuche ihres Chefs Dr. Flicker (Michael Stuhlbarg) über sich ergehen lassen. Als sie den erfolgreichen Diplomaten Dwight (Peter Sarsgaard) kennenlernt, blitzt ein Funken Hoffnung vor Jasmines Augen auf, denn schnell erkennt sie: Der bald für ein politisches Amt kandidierende Dwight braucht eine vorzeigbare Frau.

"Nun, der Mensch hält nur einer bestimmten Anzahl Traumata stand, bevor er auf die Straße rennt und losbrüllt." Autor und Regisseur Woody Allen springt in seinem "Blue Jasmine" zwischen Vergangenheit und Gegenwart hin und her und verwebt Szenen von extravaganten Privilegien mit der dämmernden Realität einer Midlife-Crisis jenseits der schützenden Blase der Upper East Side und seine Hauptdarstellerin Cate Blanchett brilliert in der Rolle einer in Not geratenen Gesellschaftsdame. Von den ersten Momenten, in denen man sieht, wie sie sich zwanghaft in einer Ankunftshalle entlädt, bis zu den späteren Szenen, in denen sie immer noch redselig auf einer Parkbank sitzt, lässt Jasmines zunehmend verzweifelte Präsenz sowohl stimmlich, körperlich, als auch emotional kaum nach. Ständig greift sie nach einem Getränk, ihr Mund ist zu einem schiefen Lächeln verzogen, ihre Augen blicken panisch in die Ecke. Es ist anstrengend, mit ihr zusammen zu sein, ihr zuzusehen und sie vermutlich auch zu spielen. Aber Blanchett nimmt die Herausforderung an wie eine Läuferin, die sich einem Marathon stellt.

Auch Regisseur Woody Allen ist in Topform, und das Tempo seines Schaffens bleibt angenehm hoch. "Blue Jasmine" ist keine Rückkehr zu den "frühen lustigen Filmen", über die Allen später bittersüße Witze gemacht hat, sondern eher den "späteren ernsten Filmen" zuzuordnen. Er entfaltet einen Hauch des Wahnsinns, indem er die Frage stellt, ob das Leben im Wesentlichen komisch oder tragisch ist. In "Blue Jasmine" überwiegt die Tragödie, und man kann darüber streiten, ob der Film von ein paar mehr heiteren Momenten profitiert hätte. Doch Jasmines Weg ist stets klar und eindeutig, was dafür sorgt, dass die komische Erleichterung alles andere als leicht ist, denn ironische Melancholie, beißende Satire und düstere Seitenhiebe sind an der Tagesordnung. Wie so oft bei Allen ist es aber das gesamte das Ensemble, das die Messlatte wirklich hoch legt. Als Jasmines Schwester Ginger spielt Sally Hawkins großartig: Sie vereint die Lebendigkeit mit wachsender Charakterstärke. Hawkins ist der perfekte Gegenpol zu Blanchetts Intensität, und es ist ihre warmherzige Figur, zu der der Zuschauer die vermutlich stärkste Bindung aufbaut. 

In den männlichen Rollen spielt Bobby Cannavale eine sympathische Stanley-Kowalski-Figur der zweiten Geige, während Alec Baldwin sich einmal mehr als unvergleichlicher Lieferant des erfolgreichen Schleimbeutels erweist, der Anziehung und Abstoßung perfekt ausbalanciert. Die eigentliche Überraschung ist jedoch, dass Andrew Dice Clay als verbitterter Augie, ein ungeliebter Arbeiter, dessen Ersparnisse durch eine Begegnung mit Jasmines sorglosem, wohlhabendem Ehemann vernichtet wurden, sehr gut besetzt ist. Augie ist ein Bild von zerstörten Träumen und Hoffnungen, ein großer Mann, der am Boden liegt, eine Rolle, in die der zuvor unausstehliche Clay eindeutig Erfahrung und sogar Pathos einbringt. Trotz all des allgemeinen Lobes ist "Blue Jasmine" nicht Allens zugänglichster (oder sympathischster) Film, und seine zerrissene Hauptfigur wirkt zu abrasiv, um mit ihr mitzufühlen. Doch auch wenn der Film dadurch den Zuschauer auf Distanz halten mag, sind die Darbietungen und die Geschichte an sich durchaus Beifallsstürme wert.

8/10

Quellen: 
Inhaltsangabe: Warner Bros.

GANTZ:O - Gantz: O (2016)

https://www.imdb.com/title/tt5923962/

Irgendwo in Tokio gibt es einen Raum, in dem immer wieder Menschen, die ansonsten gestorben wären, aufwachen. Sie erhalten dort anschließend mächtige Kampfanzüge und Waffen und werden mit der Aufgabe betreut, Aliens zu töten, die die Erde bedrohen. Während der Rest der Welt von diesen Gefechten nichts mitbekommt, riskieren die vom "Gantz" genannten Computer, der besagten Raum kontrolliert, ausgesandten Krieger ihr eigentlich schon verlorenes Leben. Einer von diesen ist der Teenager Masaru Kato, der von Gantz gerettet wurde, nachdem er in einer U-Bahn-Station eine andere Person retten wollte, dadurch aber selbst brutal ermordet wurde. Mit einigen weiteren wird er nach Osaka geschickt, wo die Außerirdischen gerade erneut die Menschheit bedrohen...

"Gantz" ist eine 37-bändige Manga-Serie, die von 2000 bis 2013 von Hiroya Oku geschrieben und illustriert wurde und von der weltweit mehr als 20 Millionen Exemplare verkauft wurden. Die Serie zeichnet sich durch sexuelle Untertöne und eine sadistisch-blutrünstige Ästhetik aus, die mit tiefgreifenden soziologischen, psychologischen und anthropologischen Themen einhergeht, die die Moral unter die Lupe nehmen, und gilt als einer der kontroversesten Manga aller Zeiten. Die Geschichte wurde 2004 von Studio Gonzo in einer 26-teiligen Anime-Serie verfilmt und 2011 von Digital Frontier (die auch die Produktionsfirma für diesen Film sind) in drei Live-Action-Filmen umgesetzt. Doch auch ohne Vorkenntnisse des Mangas ist die jüngste Inkarnation, "Gantz: O", ein straff gewickelter und spannender Horror-Actionfilm voller Leichen und Bullet-Time-Stunts.

Für diejenigen, die mit den verschiedenen Handlungssträngen der Vorlage vertraut sind, kann das Werk jedoch wenig überzeugend sein. Es geht um Masaru Kato, einen gewöhnlichen 17-jährigen Teenager, der auf dem Heimweg von der Arbeit zum Geburtstag seines Bruders in einer U-Bahn-Station von einem mit einem Messer bewaffneten Psychopathen brutal ermordet wird. Doch anstatt zu sterben, wacht er auf und findet sich in einem seltsamen leeren Raum wieder, begleitet von ein paar anderen Menschen und einem großen kugelförmigen Computer namens Gantz. Nach seinem anfänglichen Ausrasten, weil einem Mann der Kopf weggeblasen wurde, ist er gezwungen, mit den anderen in einem Zeitspiel gegen eine große Schar feindlicher Aliens in Osaka zu kämpfen. Wenn Kato 100 Punkte erreicht, hat er die Wahl, das Spiel zu verlassen, aber wenn er diesmal stirbt, ist es für immer.

In erster Linie sind die Animation und das Produktionsdesign von "Gantz: O" ziemlich erstaunlich. In den letzten Jahren gab es viele Debatten über die immer zahlreicher werdenden 3DCG-Anime, von denen die meisten als zu kitschig und unbeholfen gelten. In diesem Fall könnte das Gegenteil der Fall sein. Während die ursprüngliche Anime-Serie 3D-Animation verwendete, um den Dingen ein schräges und verzerrtes Aussehen zu verleihen, ist sie hier der Zeit entsprechend verblüffend realistisch; und manchmal fragt man sich, ob man sich Live-Action-Material ansieht oder nicht. Die hohe Detailgenauigkeit des Lichtdesigns, der Animation der Charaktermodelle, der Umgebungen, die tatsächlich in die Handlung involviert sind, und der vielfältigen kinematografischen Manipulationen ist etwas, das man von Meisterregisseuren wie Takashi Miike oder Kinji Fukasaku erwarten würde, nicht aber von Regisseuren wie Yasushi Kawamura (dessen Karriere hauptsächlich in der CGI-Arbeit für Videospiele besteht) und Keiichi Saitô. Die von Kensuke Sonomura inszenierten Actionsequenzen sind fesselnd, hektisch und besitzen eine sublime kinetische Atmosphäre. Jedem Schritt und jedem Schuss wird echtes Gewicht verliehen, so dass sich das Ergebnis jeder Aktion gerechtfertigt anfühlt. Es gibt sogar einen Kampf zwischen einem Riesenroboter und einem Kaiju im Stil von "Pacific Rim" mitten in der Stadt, der einfach verdammt genial ist.

Die ausdrucksstarken Designs der Menschen und Außerirdischen sind in der Tat einzigartig (einige davon beunruhigend) und insgesamt sehr effektiv. Allerdings wirken sie teilweise eher wie verrückte Hybride aus "Silent Hill" als außerirdische Lebensformen, und einige kommen einfach nur albern rüber. Es gibt einen kurzen romantischen Aspekt, der kaum zur Sprache kommt und daher nichts zum Film beiträgt, außer einen weiteren grausamen Tod zu inszenieren, um so viel hohlen emotionalen Schock wie möglich zu erzeugen. Am bemerkenswertesten ist jedoch, dass die Kritik an der Gesellschaft und der Kultur, die in der Manga- und Anime-Serie so viel Widerhall findet, im Drehbuch von Tsutomu Kuroiwa mehr oder weniger aufgegeben wird. Das Ergebnis sind größtenteils vergessliche, eintönige Persönlichkeiten, trotz der exzellenten Spracharbeit der japanischen Originalbesetzung. Obwohl die Kämpfe in der Hitze des Gefechts bedeutsam erscheinen, fühlen sich die Einsätze letztendlich nie so schlimm an. Als eigenständiges Werk ist er ein fantastisches Beispiel für Actionfilme, das auf der Liste eines jeden Fans des Genres stehen sollte.

7,5/10

Quellen: 
Inhaltsangabe: Kazé Germany

Das Wunder von Bern (2003)

https://www.imdb.com/title/tt0326429/

"Boszik hat den Ball ... verloren, diesmal gegen Schäfer. Schäfer nach innen geflankt. Aus dem Hintergrund müsste Rahn schießen ... Rahn schießt ... Tor! Tor! Tor! Tor!" Das sind die legendärsten Sätze der deutschen Sportberichterstattung. Gesprochen von Herbert Zimmermann, der den 3:2-Siegtreffer der deutschen Fußball-Nationalmannschaft am 4. Juli im WM-Endspiel gegen die hochfavorisierten Ungarn im Berner Wankdorf-Stadion kommentiert. Dieses historische Ereignis kinogerecht aufzubereiten, hatte sich Fußballfan und einstiges deutsches Regiewunderkind Sönke Wortmann zur Aufgabe gemacht. "Das Wunder von Bern" verbindet den deutschen Triumph mit der Geschichte einer Familie im Nachkriegs-Deutschland. Obwohl das nicht immer richtig zusammenpasst, legt Wortmann ein grundsolides, ambitioniertes Familien- und Sportler-Drama vor, das die historischen Dimensionen teils greifbar macht. 

Mehr ein nostalgisches Drama als der zu erwartende Sportfilm gibt "Das Wunder von Bern" einen Einblick in die 1950er-Jahre und das alltägliche Dasein in einer noch jungen Republik. Als Deutschland erstmals Weltmeister wurde, sah die deutsche Gesellschaft noch ganz anders aus. Deutschland war in der Nachkriegszeit und begann gerade erst, sich aus der Asche des Nationalsozialismus zu erheben - kaum etwas erinnert deutlicher daran, als die weiterhin eintreffenden Kriegsheimkehrer aus russischer Gefangenschaft. Ein solcher ist der Vater des Rahn-Freundes, doch seine Ankunft verheißt nichts Gutes für eine Familie, die ihren Rhythmus gefunden hatte und lernen musste, sich selbst zu versorgen. "Das Wunder von Bern" wird in diesen Teilen zum unerwartet eindringlichen Sozialdrama und porträtiert die Familie überzeugend als Hintergrund zum großen Fußballereignis anhand der Geschichte eines elfjährigen Jungen, der mit dem späteren Endspiel-Helden Helmut Rahn befreundet ist. 

Das dazugehörige Setting ist sehr gelungen: die alten, gammligen Häuser, Straßen, Armut, Kinder, die mit einem Fußball bolzen, der sich schon in Fetzen auflöst, Essen, das zum größten Teil aus Kartoffeln besteht. Fleisch gibt es nur dann, wenn man seine Kaninchen schlachtet. Prügelstrafe ist an der Tagesordnung - natürlich mit Gürtel und heruntergelassenen Hosen. Fernseher stehen nur in wenigen Lokalen, in und vor denen sich die Leute einfinden, um Deutschlands Spieler bei der Fußball-Weltmeisterschaft 1954 zu sehen. Diese ist im Grunde eine Nebengeschichte, nimmt aber dennoch einen breiten Raum ein: Sepp Herberger und seine Mannen, die als krasser Außenseiter das Wunder schafften, seine Sprüche für die Ewigkeit, die er auf Pressekonferenzen abließ ("Der Ball ist rund" etc.), und natürlich das unvergessliche Finale. Auch das ist glaubhaft und bewegend getroffen.

Obwohl schwierige Konflikte zu überwinden sind, schafft es der Film trotzallem fast durchgehend eine gewisse Feelgood-Atmosphäre zu schaffen. Zwar können weder das Schauspielensemble noch das Regiegefühl von Wortmann diesen Film auf Hollywood-Niveau heben, aber eine überdurchschnittliche Unterhaltungsqualität kann man dem Film nicht absprechen. Ein Film aus Deutschland, der Authentitzität, Härten eines längst vergessenen Alltages, aber trotzdem auch gute Laune vermittelt - Sönke Wortmann macht es möglich. Und er ist nicht nur Fußballjüngern zu empfehlen.

7/10

Quellen: 
Inhaltsangabe: Constantin Film

Jennifer's Body - Jennifer's Body: Jungs nach ihrem Geschmack (2009)

https://www.imdb.com/title/tt1131734/

Abgesehen von ihrer Sandkastenfreundin Needy (Amanda Seyfried) hat Jennifer Check (Megan Fox) keine richtigen Freunde. Die Männer jedoch kann sie sich aussuchen, so scharf wie sie aussieht. Als die Indie-Rock-Band „Low Shoulders“ ein Konzert in der einzigen Kneipe des Kaffs ansetzt, ist Jennifer sofort heiß auf den Leadsänger (Adam Brody). Doch dieser will mit seinem Groupie noch ganz andere Dinge machen, als bloß in die Kiste zu hüpfen. Gemeinsam mit seinen Kumpels plant er Satan eine Jungfrau zu opfern, um damit der ewigen Erfolglosigkeit zu entgehen. Dumm nur, dass Jennifer in Wirklichkeit ein männerfressender Dämon ist... 

"Jennifer's Body" ist ein Horrorfilm aus dem Jahr 2009, der, wie der Titel schon sagt, dem einstigen Shootingstar Megan Fox quasi auf oder um den damals noch ansehnlichen Leib vor jeglicher Operation geschneidert wurde. Die Story ist hauchdünn, aber in Kombination mit den durchaus atmosphärischen Bildern von einsamen Wäldern und dunklen Vorstadtstraßen ergibt sich somit ein recht positiver Gesamteindruck, zumal auch neben der zweiten Hauptdarstellerin Amanda Seyfried die sympathischen Co-Darsteller, u.a. Adam Brody, Johnny Simmons und J.K. Simmons, vollauf zu überzeugen weiß. "Jennifer's Body" befasst sich eingehend mit Themen wie der Veränderung des weiblichen Körpers während der Pubertät und erinnert damit entfernt an Horrorwerke wie "Carrie" oder "Ginger Snaps". Außerdem wurde glücklicherweise nicht nur Megan Fox, sondern auch ein Großteil des Streifens stilvoll in Szene gesetzt und punktet mit beispielsweise der unheimlichen Szenerie in der alten, heruntergekommenen Schwimmhalle oder dem gigantischen Wasserfall "Devils Hole". Negativ ankreiden kann man "Jennifer's Body" indes vor allem, dass der Film insgesamt noch zu zahm daherkommt und nur selten wirklich gruselige oder schockierende Momente kreiert. Da hätte die eine oder andere explizite Gore-Szene dem Film doch sicher gut zu Gesicht gestanden. Unterm Strich ist "Jennifer's Body" nur viel fürs Auge und bietet wenig echte Substanz. Trotzdem ist der Film ein kurzweiliger Horrortrip mit einem tollen Soundtrack und einer bildhübschen, aber recht farblosen Dämonin.

5,5/10

Quellen: 
Inhaltsangabe: Twentieth Century Fox