Havoc (2025)

https://www.imdb.com/de/title/tt14123284/

Als der abgehalfterte Cop Walker (Tom Hardy) zu einem Tatort gerufen wird, ist schnell klar: Drogengangster sind hier aneinandergeraten und haben ein blutiges Gemetzel veranstaltet. Auf einem Video entdecken die Sachverständigen jemanden, der der Hauptverdächtige zu sein scheint. Walker weiß sofort, wer da zu sehen ist: Charlie Beaumont (Justin Cornwell), der Sohn des einflussreichen Politikers Lawrence Beaumont (Forest Whitaker). Die beiden kennen sich aus früheren Zeiten und Beaumont hat etwas gegen Walker in der Hand, womit er ihn dazu zwingt, Charlie zu finden und in Sicherheit zu bringen - zumal der Junge wohl nicht der wahre Verantwortliche für das Massaker ist. Walker hat keine Wahl und begibt sich auf die Suche nach Charlie. Als er ihn schließlich findet, sind bald mehrere Mafia-Clans und auch Walkers eigene Kollegen hinter den beiden her und hinter allem steckt eine Verschwörung, die bis in höchste Kreise reicht.

Die Gewalt in "Havoc", Gareth Evans' neuem Spektakel sinnlos-spektakulären Blutvergießens, hat etwas fast Kuratorisches. Der walisische Drehbuchautor und Regisseur von "The Raid" und dessen übergroßer Fortsetzung choreografiert sein Chaos nicht nur gekonnt. Er führt den Zuschauer durch das Geschehen und lenkt den Blick in jedem knochenbrechenden Moment genau dorthin, wo er hin soll. Etwa in der Mitte dieses Netflix-Kriminalthrillers treffen sich die Charaktere in einem Nachtclub, wie ihn Blade oder John Wick oft im Blut ihrer tollkühnen Verfolger besudeln. Evans filmt die darauffolgende Schlägerei in schwindelerregenden Schwenks, rast durch den Raum, um jeden Körper einzufangen, der von einer Klinge gefällt oder übers Geländer geworfen wird. Seine Kamera bewegt sich wie ein drehbarer Kopf und verfolgt das Gemetzel mit dem Hyperfokus eines Schiedsrichters, der das Spielgeschehen nie aus den Augen verliert. Für uns wirkt es wie eine Live-Zusammenfassung von Schaden und Foul. Obwohl die Präzision der Kämpfe und die Ost-West-Kombination des Materials etwas anderes vermuten lassen, ist "Havoc" keine weitere skurrile "John Wick"-Imitation. Stattdessen hat Evans eine eher geldgierige und vertraute Unterweltsaga geschaffen und sie mit seiner Spezialität für virtuose Brutalität aufgepeppt. Ohne die exzessiven Kampfszenen gäbe es kaum noch etwas, was den Film von anderen Direct-to-Streaming-Prügeleien unterscheidet.

Selbst der Schauplatz ist generisch, ein leuchtender Platzhalter. Die Geschichte spielt über Weihnachten in einer unbekannten, von Kriminalität heimgesuchten und von Kugeln durchsiebten Metropole; auch die Stadt ist Ost-West-Mischung, insofern sie abwechselnd (wenn auch vage) New York und Los Angeles ähnelt, gespielt von einem digital retuschierten Cardiff. Der Einstieg in diese Welt ist Walker Mackey (Tom Hardy), ein Typ mit Dienstmarke. Hardys Präsenz ist so ziemlich das Einzige, was "Havoc" menschlich interessant macht; wie fast jeder Schauspieler hier spielt er einen typischen Genretyp: den zynischen Lebenslänglich-Polizisten, der von seinen Fehlentscheidungen ausgebrannt ist. Doch mit seiner stämmigen Gestalt, dem leisen Gemurmel und dem müden Macho-Gehabe strahlt er seine gewohnt raue Glaubwürdigkeit aus. Er ist der seltene moderne A-Promi, den man als echten Rohling kaufen kann.

Ein Kokain-Deal ist schiefgegangen, wie Kokain-Deals im Film so üblich sind. Ein verwöhnter Spross der Triaden liegt mit glasigen Augen in seiner Lasterhöhle. "Havoc" blickt auf die die Verfolgung der Sündenböcke, zwei verängstigte Mittzwanziger, die fälschlicherweise des Mordes beschuldigt werden; sie fliehen vor einem rachsüchtigen chinesischen Syndikat und einer verschworenen Task Force korrupter Polizisten sowie mindestens einem tugendhaften Neuling, der das Verbrechen nur aufklären, nicht rächen will. Keine der Figuren ist erwähnenswert. "Havoc" mischt immer mehr ins Spiel, wie einen korrupten Bürgermeister, gespielt von Forest Whitaker, und Timothy Olyphant als Anführer der bösen Polizisten, die Walker immer als Komplizen bezeichneten. Evans ist nahezu unübertroffen in der Inszenierung wilder Action und Prügeleien, die chaotisch wirken, aber offensichtlich sorgfältig abgewehrt werden, und "Havoc" erwacht zum Leben, wann immer er diese Fähigkeit anwendet. Die von ihm erdachte Geschichte dient lediglich als Gerüst für die Action, doch Evans scheint das nicht zu begreifen. Der Zsuchauer weiß instinktiv wohin die Reise geht. Wird Hardys Polizist sich für den Fehltritt, der ihm die Laune verdirbt, rehabilitieren? Bitte. Die einzige wirkliche Frage ist, wie viel Kollateralschaden er auf seinem Weg zur Absolution hinterlassen wird.

Damit genießt man letztlich die Momente, in denen alle aufhören zu reden und anfangen, aufeinander einzuschlagen oder eine ganze Waffenkammer Blei in Boden und Decke zu pumpen. Diese akrobatische Kamera - die nach vorne taumelt, um im Gefecht zu bleiben, so dynamisch wie die dem Untergang geweihten Martial-Arts-Handlanger, die sie filmt - folgt der goldenen Regel: Zeigen statt Erzählen. Das Gleiche gilt für die rasante Verfolgungsjagd zu Beginn, die nur unwesentlich weniger spannend ist, da sie offensichtlich komplett am Computer erstellt wurde - im Gegensatz zu den besten Road-Rage-Sequenzen in Hardys Lebenslauf. Solange "Havoc" das Versprechen von, nun ja, Chaos einlöst, vertreibt er die Zeit. Aber ein besser durchdachter Actionfilm hätte nicht so viel Zeit des Zuschauers verschwendet. 

6/10

Quellen: 
Inhaltsangabe: Netflix
Poster/Artwork: Netflix

Rebel Ridge (2024)

https://www.imdb.com/de/title/tt11301886/

Als sein Cousin Mike (C.J. LeBlanc) in der US-Kleinstadt Shelby Springs unter unklaren Umständen verhaftet wird, reist Terry Richmond (Aaron Pierre) dorthin, um eine Kaution für ihn zu hinterlegen. Dabei gerät er jedoch schnell an den verärgerten Polizeichef Sandy Burnne (Don Johnson) und seine Beamten, wird enteignet und der Stadt verwiesen. Doch so leicht gibt sich Terry nicht geschlagen. Mit Unterstützung der Gerichtsdienerin Summer McBride (AnnaSophia Robb) stellt er Nachforschungen an, sticht dabei in ein Wespennest aus Korruption und deckt eine Verschwörung auf, die in höchste Kreise reicht. Seine Gegner glauben daraufhin, leichtes Spiel mit den beiden zu haben, doch Terry ist ein ehemaliger Marine-Soldat, der sich zu wehren weiß – und das, als die Situation sich zuspitzt, nicht nur mit Worten.

Wer in den letzten zehn Jahren genügend Actionfilme gesehen hat, hat wahrscheinlich bemerkt, dass sich die Situation in Sachen Brutalität etwas zugespitzt hat. "Rebel Ridge" wirkt wie ein fast bewusst gewähltes Gegenmittel zu all dem Blutbad. Ein großer, muskulöser Fremder kommt in eine Kleinstadt, die von korrupten Polizisten regiert wird, und erweist sich als nahezu übernatürlich gut in allem, was er tun muss, um sie zu stürzen. Zunächst einmal dreht sich die Handlung um einen zivilrechtlichen Einzug, ein Rechtsverfahren, das so ziemlich jeden US-Bürger ernsthaft beunruhigen dürfte. Der Ärger beginnt damit, dass ein paar Polizisten dem ehemaligen Marinesoldaten Terry Richmond 36.000 Dollar stehlen. Dabei handelt es sich um ein Verfahren, das es den Strafverfolgungsbehörden erlaubt, Eigentum von normalen Bürgern ohne Beweise für kriminelle Aktivitäten zu beschlagnahmen. In die eindringlichen Dialoge ist eine Menge Juristendeutsch eingeflochten, und die schlimmsten Exzesse des Verfahrens werden auf ärgerliche Weise offengelegt; in einem Detail, das direkt aus den Schlagzeilen stammt, stellt sich heraus, dass die Polizisten sich mit dem beschlagnahmten Geld einen Margarita-Automaten gekauft haben.

Aber genauso wichtig - und das ist ein kleiner Spoiler - im darauffolgenden Rachefeldzug tötet Richmond niemanden. Richmond ist nämlich ein unbewaffneter Kampfausbilder, der sich auch mit nichttödlichen Alternativen zu den üblichen Schrotflinten und Pistolen auskennt. Und so entwaffnet und deeskaliert er die meiste Zeit des Films, feuert Taser und Blendgranaten ab, ohne auch nur einen einzigen Toten zu generieren. Das ist zum Teil deshalb interessant, weil Saulniers andere Filme so gut darin sind, Elemente der alten Ultragewalt darzustellen. "Rebel Ridge" bietet reichlich von dem raffiniert choreografierten brasilianischen Jiu-Jitsu, das ein Markenzeichen des Rachethriller-Genres ist. Hier dient es jedoch eher der Lähmung und Immobilisierung als dem Auftakt zu etwas Schrecklicherem. Pierres Größe und seine Kampfkunsterfahrung machen all dies äußerst überzeugend; die Armhebel und Würfe sind mühelos flüssig.

Aber es ist auch interessant, weil das Setting von "Rebel Ridge" diese Deeskalation geradezu erfordert, wie mehrere Charaktere während der zweistündigen Laufzeit betonen. Die Polizisten sind nie explizit rassistisch - sie jagen Richmond zunächst scheinbar grundlos von seinem Fahrrad, bevor sie ihn um sein Geld erpressen -, doch den ganzen Film über herrscht das Gefühl, dass die Dinge jeden Moment schrecklich schiefgehen könnten. Doch heutzutage erscheint es noch unwahrscheinlicher, dass Richmond einen Polizisten erschießen und eine Überlebenschance haben könnte, als dass er die Wand einer Polizeistation abreißen könnte. Vielleicht ist das der Grund, warum sich "Rebel Ridge" im Vergleich zu den Dutzenden von leichenübersäten Actionfilmen, die derzeit von jedem Streaming-Dienst produziert werden, wie eine frische Brise anfühlt. 

7/10

Quellen: 
Inhaltsangabe: Netflix
Poster/Artwork: Netflix

新幹線大爆破 - Shinkansen Daibakuha - Bullet Train Explosion (2025)

https://www.imdb.com/de/title/tt33452974/

Ein alarmierender Anruf erreicht die Angestellten eines Kontrollzentrums der japanischen Eisenbahn: An Bord des Zuges Hayabusa Nr. 60, der sich auf dem Weg nach Tokio befindet, wurden mehrere Bomben deponiert, die zu explodieren drohen, wenn die Geschwindigkeit des Zuges unter 100 km/h fällt. Der Erpresser fordert 100 Milliarden Yen. Für die Bahnangestellten und die Behörden beginnt ein Wettlauf gegen die Zeit, während sie versuchen, die drohende Katastrophe abzuwenden.

Wie sein vorheriger Film "Shin Godzilla" untersucht Regisseur Shinji Higuchis Film mit akribischer und realistischer Detailliertheit, wie eine bürokratische Reaktion auf ein Szenario aussehen könnte, das wahrscheinlich nur im Film vorkommt. Auch ohne einen großen Filmstar, der sich den Weg durch den Film kämpft (à la "Bullet Train" oder "Kill"), sorgt Higuchi dafür, dass dieses Szenario nicht weniger spannend ist. Er setzt auf leisere, aber nicht weniger ergreifende Heldentaten sowie eine eskalierende Reihe von Szenen, die das Publikum bis zum letzten Moment der Geschichte fesseln.

"Bullet Train Explosion" verfolgt trotz seines fast schon komischen Titels denselben Ansatz der "Godzilla"-Filme mit einer konzeptionell plausibleren Prämisse und verwandelt ihn in ein überzeugendes, wenn auch leicht idealistisches Porträt des Zusammenwirkens persönlicher, unternehmerischer und legislativer Bemühungen. Takaichi, gespielt von Tsuyoshi Kusanagi, ist der ideale Protagonist für Shinji Higuchis Interpretation dieser sensationslüsternen Idee: Er ist kompetent und besonnen, und seine klassischen Vorstellungen von Professionalität und ausgeglichener Menschlichkeit werden zum Dreh- und Angelpunkt der anhaltenden Krisenbewältigung. Die übrigen Charakterisierungen folgen seinem Vorbild, und das Drehbuch von Kazuhiro Nakagawa und Norichika Ōba nimmt jede Figur ernst - und verleiht ihnen ein enormes Maß an Würde und Anmut, ob sie es nun verdienen oder nicht. Diese individuellen Details entwickeln sich im Verlauf der Geschichte zu einem übergreifenden Thema und unterstreichen die tiefere Wahrheit, dass niemand, unabhängig von seinen Taten, unverbesserlich ist, möglicherweise nicht einmal, wenn er die Person ist, die eine Bombe im Zug platziert hat.

Wenn die Prämisse stark nach "Speed" klingt, liegt das daran, dass auch hier engagierte und hart arbeitende Menschen ihre Köpfe zusammenstecken, um ein Problem mit einer Kombination aus Teamarbeit und kämpferischem Einfallsreichtum zu lösen. Immer wenn eine neue Figur den maßvollen und methodischen Umgang mit dem außer Kontrolle geratenen Zug stört - sei es ein zunächst selbstgefälliger Regierungsbeamter oder ein in Ungnade gefallener Pilot, der unter den Zugpassagieren identifiziert wird -, bricht sie den Zauber des Films. Doch der Film ist klar und elegant und zeichnet jede neue Wendung mit einem Tempo und einer geografischen Klarheit nach, die echte Spannung aufrechterhält. "Bullet Train Explosion" wirkt wie ein Blockbuster für Erwachsene, bei dem es vorrangig darum geht, klugen Charakteren Herausforderungen und Komplikationen zu stellen, anstatt Konflikte durch billige erzählerische Abkürzungen und schlechte, ja sogar dumme Entscheidungen zu entfachen. Natürlich ist die Vorstellung, dass eine Bürokratie so effektiv funktionieren kann wie die japanische, für viele eine noch fantastischere Vorstellung als eine Alien-Invasion oder ein Superhelden-Showdown. Doch indem Higuchi Intelligenz, Kooperation und eine halbwegs geerdete Realität betont, unterstreicht er, dass es, auch wenn Filmemacher ansonsten der konventionellen Blockbuster-Weisheit treu bleiben, einige Überzeugungen gibt, die Filmemacher nicht außer Acht lassen müssen.

6/10

Quellen: 
Inhaltsangabe: Netflix
Poster/Artwork: Netflix

MadS - Mads: Im Rausch der Nacht (2024)

https://www.imdb.com/de/title/tt28821371/

Der 18-jährige Romain (Milton Riche) will eine unvergessliche Nacht erleben und probiert eine mysteriöse neue Partydroge. Doch die Feierlaune kippt, als er auf der Straße eine verletzte Frau entdeckt. In einem Zustand zwischen Realität und Rausch versucht Romain, die Ereignisse zu begreifen und herauszufinden, was geschehen ist. Doch seine beeinträchtigte Wahrnehmung stellt ihn vor große Herausforderungen, während die Situation immer undurchsichtiger wird.

Dass in der französischen Vorstadt, in der David Moreaus "MadS" spielt, Ärger im Gange ist, zeigt sich erstmals, als eine bandagierte, verstümmelte Frau (Sasha Rudakova) dem 18-jährigen Romain (Milton Riche) ins Auto springt, nachdem er am Straßenrand angehalten hat. Während Romain zum nächsten Krankenhaus fährt, ist die Frau, die nicht sprechen kann, manisch und paranoid und blickt sich ständig um, um nicht verfolgt zu werden. Natürlich ist Romain selbst nicht in bester Verfassung, da er gerade ein paar Lines einer neuen Partydroge geschnupft hat, um sich auf eine Partynacht mit Freunden vorzubereiten, um ihren kürzlichen Highschool-Abschluss zu feiern. Als die Frau völlig ausrastet, wild um sich schlägt und sich schließlich mehrfach in den Hals sticht, scheint es zu einer Übertragung zwischen ihr und Romain zu kommen. Allerdings ist schwer zu erkennen, ob Roman nur einen schlimmen Trip durchmacht oder ob er nun von ihrer Krankheit befallen ist.

"MadS" entfaltet sich in einer einzigen Einstellung - oder zumindest einer geschickten Simulation davon - und wechselt zunächst die Perspektive auf Romain. Die Kamera schwebt um ihn herum, als er sich schließlich mit seiner Freundin Anaïs (Laurie Pavy) und einigen Freunden trifft, bevor er zu einer Party geht. Der Film wechselt noch zweimal die Erzählperspektive - zuerst folgt er Anaïs, dann ihrer Freundin Julia (Lucille Guillaume) - jedes Mal kurz nachdem sich eine Figur infiziert hat. Wirkt die ununterbrochene Einstellung zunächst effekthascherisch, trägt sie bald zur zunehmend beklemmenden Atmosphäre des Films bei.

Der Zuschauer muss ununterbrochen mitverfolgen, wie die Figuren von einer unerklärlichen, zuckenden Wut erfasst werden und versuchen, die Gewalt zu begreifen, zu der ihre Körper scheinbar getrieben werden. Da die umherschweifende Handkamera ihnen unangenehm nah bleibt, wirkt sie wie die scheinbare Verlängerung eines unausweichlichen physiologischen Albtraums. Dabei vermeidet der Film Wiederholungen, indem die Schauspieler artikulieren, wie sich die Infektion im Wirtskörper aufgrund von Persönlichkeitsmerkmalen oder dem Grad, in dem eine Figur weiß, dass sie an den Überresten ihrer Menschlichkeit festhält, unterschiedlich manifestiert. "MadS" bleibt zwar an drei individuelle Perspektiven gebunden, fängt aber zugleich den Schrecken der auseinanderbrechenden Welt ein. Man spürt es förmlich, wenn die Figuren von einer Aggression erfasst werden, die sie zwar nicht verstehen, aber als unwiderruflich erahnen. Der Schrecken, den man so hautnah miterlebt, verstärkt sich zunächst, als Romain auf bewaffnete Agenten trifft, die ihn und seinen namenlosen Passagier festnehmen wollen, und weitet sich nur noch weiter aus, als Anaïs und Julia durch eine Stadt irren, in der offenbar Kriegsrecht herrscht, während das Geräusch von Schüssen und Militärhubschraubern in der Ferne die Luft erfüllt.

Für einen im Grunde kurzen, hyperfokussierten Film ist es beeindruckend, wie Moreau ein alles verzehrendes Gefühl von Angst und Panik erzeugt, das einen fast überrumpelt. Und was als Höllennacht für einen Teenager beginnt, entwickelt sich zu einer nervenaufreibenden apokalyptischen Vision, die dennoch ihren starren, fesselnden Fokus auf die begrenzten Erfahrungswelten der Figuren behält.

7/10

Quellen: 
Inhaltsangabe: Capelight
Poster/Artwork: Digital District/Les Enfants Terribles/Goodfellas

Something In The Water (2024)

https://www.imdb.com/de/title/tt22863968/

Klingt eigentlich nach einem ziemlich traumhaften Trip: Meg (Hiftu Quasem), Cam (Nicole Rieko Setsuko) und Ruth (Ellouise Shakespeare-Hart) packen ihre Koffer und schnappen sich ihre Flugtickets, weil sie von ihrer gemeinsamen Freundin Lizzie (Lauren Lyle) zu deren Hochzeit eingeladen wurden – und die findet mitten in der Karibik statt. Am Tag vor der Hochzeit entschließen sich die Freundinnen spontan dazu, noch einmal einen gemeinsamen Ausflug zu einer abgelegenen kleinen Insel zu unternehmen. Doch schnell bricht Chaos über das karibische Paradies herein, als ein Hai im Wasser auftaucht, der Ruth erwischt. Also alle schnell zurück ins Boot, um Ruth schnellstmöglich in notfallmedizinische Hände geben zu können. Doch der Kahn schlägt leck. Und so müssen sich die Freundinnen auf offener See treibend bald selbst über Wasser halten. Ruth verliert immer noch viel Blut und das entgeht auch den Haien in der Umgebung nicht...

Sämtliche Brautjungfern-Mikromanagement-Aktivitäten der Welt können in dem zig-tausendsten Haithriller den Junggesellinnenabschied nicht auf ein sinkendes Schiff, einen Mangel an Schwimmwesten und ein in Banalität und Klischees versinkendes Drehbuch vorbereiten. Das Spielfilmdebüt der ehemaligen Art-Direktorin und Filmemacherin Hayley Easton Street, "Something In The Water", ist zwar gekonnt gefilmt, mit vielen treibenden Unterwasseraufnahmen aus der Haiperspektive der strampelnden Beine der Brautjungfern, was Spannung aufbaut. Allerdings wird zu viel Zeit darauf verwendet, den Mädchen beim Zanken und Herumzicken mitten im Ozean zuzusehen, während sie auf den nächsten Angriff warten. Der Film läuft nur knapp 80 Minuten, dennoch ist es ein Nullsummenspiel. Allein die Nebenhandlung über die gescheiterte Beziehung zwischen zwei der Frauen, Meg (Hiftu Quasem) und Kayla (Natalie Mitson), wirkt zu arg konstruiert und wenig überzeugend in diesem Thriller, der dann am Ende, wie der Großteil der Besetzung, baden geht.

3/10

Quellen: 
Inhaltsangabe: Studiocanal
Poster/Artwork: Studiocanal

물괴 - Mulgoe - Monstrum (2018)

https://www.imdb.com/de/title/tt4374286/

Korea, Anfang des 16. Jahrhunderts: Die Pest geht um und fordert unzählige Opfer. Besonders die Gegend um den Berg Ingwansan leidet an der Seuche. Doch damit nicht genug, denn neben der tödlichen Krankheit sorgt eine wilde Kreatur für zusätzliche Leichen. Das Monstrum lebt in den Bergen und labt sich gerne an vorbeiziehenden Wanderern. Als König Jung Jong (Hee-son Park) davon erfährt, glaubt er zunächst nicht so richtig an die tatsächliche Existenz der fleischfressenden Bestie. Er schickt seine fähigsten Soldaten Jin Yong (Park Sung-Woong) und Yoon Gyeom (Myung-Min Kim) auf die Suche nach dem Monster. Gemeinsam mit der begabten Bogenschützin Myung (Hyeri) sollen die erfahrenen Kämpfer herausfinden, ob die blutrünstige Bedrohung real ist und sie gegebenenfalls beseitigen. Schnell wird den Soldaten klar, dass die Berichte um das Monstrum wahr sind. Den Beauftragten des Königs steht ein blutiger Kampf bevor…

Ein Review ist bei dem südkoreanischen Film "Monstrum" leichter gesagt als getan, ohne großartig spoilern zu müssen, da sich ein großer Teil der Geschichte mit der Frage beschäftigt, ob es im Film tatsächlich ein Monster gibt, und diesen Teil der Geschichte zu verraten wäre echt mies. Wie geht man also am besten an die Sache heran? Zunächst einmal: "Monstrum" ist sehr albern und sehr blutig, und solange man sein Gehirn auf "Unterhaltungsmodus" stellt und nicht erwartet, dass der Film auch nur annähernd so gut ist wie Bong Joon-hos "The Host", wird man gut unterhalten. 

Es gibt ein Sprichwort, das besagt: "Nur weil man paranoid ist, heißt das nicht, dass man nicht verfolgt wird." In diesem Film erfährt man ziemlich schnell, dass es tatsächlich einen bösen Plan zum Sturz des Königs gibt. Aber - und das wird niemanden überraschen, der mehrere Poster oder auch nur einen der Trailer gesehen hat - es gibt auch eine Kreatur. Wenn man Monster liebt, ist man hier genau richtig. - der Film ist etwas ganz Besonderes. Ein fieser Köter ist er auch, der im Laufe des Films eine ganze Menge Opfer fordert, und dank der hervorragenden Produktionsqualität und künstlerischen Leitung sieht es sogar ziemlich gut gemacht aus. Die weltweit gemischten Kritiken entstanden wohl aufgrund der Unentschlossenheit des Publikums, was die Menge an Humor in der blutigen Mischung angeht. Wer ein bewegendes Drama erwartet, wird mit viel Farbe und Lärm überrumpelt. Das ist definitiv nicht der tiefgründigste Film, und man darf vermuten, die Leute rechnen nicht damit, wie sehr er zum Popcorn-Fresser wird. Einen unterhaltsamer Actionfilm ist "Monstrum" - und genau das bekommt man. Und hey, selbst wenn sich die Handlung in hollywoodmäßige Wendungen windet, um für einige Charaktere ein Happy End zu erreichen, hat es mir Spaß gemacht.

6,5/10

Quellen: 
Inhaltsangabe: Plaion
Poster/Artwork: Taewon Entertainment

Texas - Doc Snyder hält die Welt in Atem (1993)

https://www.imdb.com/de/title/tt0108317/

Der gefürchtete Doc Snyder kehrt nach 30 Jahren nach Hause zurück. Nach seinem langem Ritt durch die Prärie des wilden Westens ist seine Wäsche extrem dreckig, und wer könnte die besser waschen als seine unrasierte Mutti? Die schickt ihn aber erst einmal zum Gefängnis, aus dem er seinen Bruder Hank befreien soll, weil er sonst ge-hankt wird. Als das erledigt ist, beschließen beide spontan eine Bank zu überfallen, was vollkommen daneben geht. Vor Doc Snyders Augen wird sein geliebter Bruder von seinem Intimfeind, dem Nasenmann, erschossen. Snyder gelingt zunächst die Flucht, der Nasenmann nimmt jedoch die Verfolgung auf, und fortan müssen viele Unschuldige sterben - auch Snyders Mutter...

"Texas - Doc Snyder hält die Welt in Atem" ist eine kleine, anarchische Western-Parodie, welche in seiner skurrilen Eigenwilligkeit kaum vergleichbar ist. Der Film startet tatsächlich ziemlich stark - wer Helges Humor mag, wird gleich zu Beginn mit ein paar wundervollen absurden Momenten abgeholt. Doch je weiter der Film voranschreitet, desto mehr verliert er sich (wie so oft bei Helge) in völlig wirren Dialogen, planlos anmutenden Handungsverläufen und den typischen Improvisationsmomenten, in denen die Figuren eher so wirken, als würde man einfach die Kamera weiterlaufen lassen, um zu sehen, was spontan Lustiges passiert.  Die absolute Highlight-Szene ist ohne Frage der Moment mit den Stiefeln, wo Helge und sein Gegenspieler sichtlich Mühe haben, ernst zu bleiben. Diese kleine Meta-Ebene, wo der Zuschauer merkt, dass hier gerade selbst die Darsteller nicht mehr ganz im Film sind, macht genau diesen herrlich schrägen Charme aus, den Schneider-Filme auszeichnet. Wer Helges Art und Humor kennt und schätzt, wird auch hier einen Spaß haben - alle anderen könnten sich schnell fragen, was sie da eigentlich gerade schauen.

7/10

Quellen: 
Inhaltsangabe: Senator/Royal Film
Poster/Artwork: Senator/Royal Film

Wolf Man (2025)

https://www.imdb.com/de/title/tt4216984/

Blake (Christopher Abbot) lebt schon lange im liberalen San Francisco an der Westküste der Vereinigten Staaten. Trotzdem zieht ihn das Schicksal zurück aufs Land nach Oregon, wo er einst aufwuchs. Denn sein Vater ist spurlos verschwunden und wird schließlich für tot erklärt. Als Erbe muss sich Blake nun um das alte Elternhaus mitten im Nirgendwo kümmern. Er versucht daraus das Beste zu machen und überredet seine Frau Charlotte (Julia Garner) ihn zusammen mit der gemeinsamen Tochter Ginger (Matilda Firth) zu begleiten. Blakes und Charlottes Ehe läuft nämlich schon seit geraumer Zeit nicht mehr sonderlich gut. Der Tapetenwechsel, so Blakes Hoffnung, könnte wieder zu einer Annäherung der beiden führen. Doch die herbeigesehnte Ruhe bleibt ein Wunschtraum, denn bei ihrer Ankunft wird die Familie angegriffen. Von was, können sie nicht wirklich ausmachen. Vielleicht ein Tier. Also suchen sie schleunigst Schutz im Haus. Erst dort werden die Folgen des Angriffs klar, als mit Blake plötzlich komische Dinge passieren, die Charlotte zu einer schwerwiegenden Entscheidung zwingen...

Horrorvirtuose Leigh Whannell, Drehbuchautor des Originals "Saw" und Drehbuchautor und Regisseur von "Der Unsichtbare", begibt sich mit diesem grundsätzlich interessanten Versuch, den Wolfsmenschen aus dem Monsterstall der Universal Studios als Teil einer möglichen integrierten Franchise-Serie wiederzubeleben, in sicheres Fahrwasser. Es gibt eine exzellente Eröffnungssequenz und eine sehr clevere Schlusseinstellung - und alles dazwischen ist spannend, manchmal etwas albern und bietet einen anderen Fokus, mit einer Erzählweise, die den Zuschauer bei der Stange hält. Christopher Abbott spielt Blake, einen gescheiterten Schriftsteller, jedoch erfolgreichen Vater und Hausmann, der mit seiner bezaubernden Tochter Ginger (Matilda Firth) und der arbeitswütigen Journalistin und Ernährerin Charlotte (Julia Garner) in New York lebt. Blake wird von Kindheitserinnerungen an seine Kindheit im abgelegenen Oregon heimgesucht, als er von seinem wütenden und gefühlskalten alleinerziehenden Vater (Sam Jaeger) großgezogen wurde. (Der Film spielt dabei halbherzig damit, dass Wolfsmenschheit eine Metapher für toxische Männlichkeit und missbräuchliche Vaterschaft ist.) Eine Rückblende zeigt, wie die beiden eines Tages im Wald jagten und von einer Kreatur bedroht wurden, von der Blakes Vater barsch versichert, es sei ein Bär. Als der erwachsene Blake den gruseligen alten Andrew Wyeth-Bauernhof seines Vaters erbt, schlägt er Charlotte vor, gemeinsam einen Familienausflug dorthin zu machen, um die Bindung zu stärken. Wie man sich denken kann, eine ganz schlechte Idee.

Zu Beginn verschenkt das Drehbuch das Angstpotenzial eines Einheimischen, den sie im Wald treffen, gespielt von Benedict Hardie, der behauptet, sich an Blake als Jungen zu erinnern, denn sein Charakter entwickelt sich nicht ein Quäntchen weiter. Der Zuschauer wird einfach in eine gruselige Welt mit der Realität eines Videospiels katapultiert, in der es einen Wolfsmenschen gibt, aber auch die Möglichkeit besteht, sich durch einen Biss oder Kratzer wie ein Zombie zu infizieren - das würde einen weiteren Wolfsmenschen und damit eine sich selbst aufhebende Wolfsmenschen-gegen-Wolfsmenschen-Situation schaffen, wobei jedoch bereits beide Wolfsmenschen überzeugend böse oder faszinierend gut sind. Die Verwandlungsszenen sind passabel - einschließlich der altbewährten Momente, in denen sich die Fingernägel ablösen -, aber vergleichbaren Szenen, die John Landis oder David Cronenberg vor langer Zeit ersonnen haben, weit unterlegen. Trotzdem bietet "Wolf Man" einen irgendwie frischen Ansatz, der zwar auf alten Prämissen beruht, aber immerhin ein ganz neues Licht auf die Sache wirft.

7/10

Quellen: 
Inhaltsangabe: Universal Pictures
Poster/Artwork: Universal Pictures

Control Freak (2025)

https://www.imdb.com/de/title/tt30789086/

Die Motivationsrednerin Val (Kelly Marie Tran) infiziert sich mit einem rätselhaften Parasiten, der aus ihrem Heimatland stammt. Während die Kreatur zunehmend Kontrolle über ihren Geist und Körper übernimmt, kämpft sie verzweifelt darum, sich dem unheimlichen Einfluss zu entziehen und ihr eigenes Schicksal zu bestimmen.

"Control Freak" kommt mit der gewissen Erwartung, zumindest eine schaurige Dosis Body Horror zu liefern, angetrieben von einem unkontrollierbaren Juckreiz. Stattdessen fühlt sich dieser Film wie aufgewärmte Essensreste an. Frustrierend repetitiv und lächerlich langweilig präsentiert "Control Freak" eine offensichtliche Metapher ohne die nötige Ernsthaftigkeit, um einen substanziellen Film zu schaffen. Vals, eine motivierende Selbsthilferednerin am Rande des Erfolgs, allererste Tour steht bevor und es wird darüber gesprochen, mit ihrem süßen, unterstützenden Freund Robbie (Miles Robbins) eine Familie zu gründen. Vals Konzentration auf die Arbeit lässt sie von der ersten Szene an den Verstand verlieren. Ein wiederkehrendes Motiv - Val kratzt sich immer wieder am Kopf - durchzieht fast jede Minute der Laufzeit. Ob es nun das Kratzgeräusch oder das Bild selbst ist – "Control Freak" unterstreicht seinen Body-Horror-Aspekt immer wieder bis zur Ungeduld. Neben dem obsessiven, tiefen Juckreiz taucht immer wieder das Bild von überall herumkrabbelnden Ameisen auf, was das Gefühl eines Parasiten symbolisiert, der Val zerfrisst und sie daran hindert, ihr volles Potenzial zu entfalten.

Trotz eines vielversprechenden frühen Szenarios lässt sich Autor und Regisseur Shal Ngo viel zu früh in die Karten schauen. Vorstellungen von Generationentraumata und Dämonen, die einen Familienfluch implizieren, werden von den widerwärtigen Horrorversuchen übertönt. Der Zuschauer erhascht flüchtige Blicke auf das finstere Wesen, das Val zu sehen glaubt, doch irgendetwas hält uns stets davon ab, die Grenzen zu überschreiten. Die Ironie einer Motivationsrednerin, die in derselben Philosophie gefangen ist, die sie selbst lehrt, könnte ein cleveres Stück Drehbuch sein, wenn man sie ausreichend ausgearbeitet hätte. Eine ähnliche, weitaus besser umgesetzte Prämisse findet man in "Smile 2", und auch der Oscar-nominierte "The Substance" behandelte ähnliche Themen auf deutlich visuellere Weise. Selbst die Körperverletzungen können nicht überzeugen und präsentieren Vals Reise als oberflächliche Charakterstudie, die hätte verhindert werden können. 

Um das Ganze noch weiter zu verschärfen, ist das Ende vielleicht das ungeheuerlichste. Im Versuch, die Geschichte abzuschließen, wirkt eine Handlung mehr als albern und unglaubwürdig. Das Finale ist, schlicht gesagt, eine lahme Ausrede. Sowohl Robbins als auch Tran machen mit dem, was ihnen gegeben ist, einen ordentlichen Job. Doch der Film, der sie umgibt, verschwendet ständig das Talent der beiden talentierten Schauspieler. Insbesondere Tran verdient eine Geschichte, die nicht in ihrem Elend schwelgt oder sie zwingt, sich selbst zu begrapschen. Ungewollt komisch, wirkte es letztlich, als hätten die Macher eine bizarre Parodie einer Charakterstudie geschaffen, statt einen wirklich wirkungsvollen Psychothriller. Ein interessantes Konzept metastasiert zu einem ungewollt komischen Durcheinander. Control Freak ist eine letztlich sinnlose Wiederholungsübung, die tiefgründig sein will, aber stattdessen nur ein krasses Genre-Fiasko ist.

4,5/10

Quellen: 
Inhaltsangabe: Disney+
Poster/Artwork: Hulu/Disney+

Wicked: Part I - Wicked: Teil 1 (2024)

https://www.imdb.com/de/title/tt1262426/

Die zwei Hexen Elphaba (Cytnhia Erivo) und Glinda (Ariana Grande) könnten unterschiedlich nicht sein. Während Glinda privilegiert, hübsch und attraktiv ist, muss sich Elphaba aufgrund ihrer grünen Hautfarbe immer wieder beweisen und vor allem ihre wahren Fähigkeiten erst noch entdecken. So unterschiedlich die beiden Hexen auch sind, umso enger befreunden sie sich während ihrer Zeit auf der Universität Glizz im fantastischen Land Oz. Eine Reihe unerwarteter Ereignisse stellt die beiden Freundinnen jedoch auf eine harte Probe, die sogar zum mächtigen Zauberer von Oz (Jeff Goldblum) führt. Welche Rolle spielt der mächtigste Mann des Landes im Leben der beiden Hexen und ist er wirklich der gutmütige Herrscher, der er vorgibt zu sein? Elphaba und Glinda sehen sich einer folgenschweren Entscheidung gegenüber, die ihre besondere Freundschaft für immer und ewig verändern wird.

Da ist etwas Magisches im Gange. Wenn man zu den wenigen Menschen gehört, die den Blockbuster "Wicked" nicht im Kino gesehen hat, steht man dieser hochglanzpolierten, energiegeladenen und unerbittlich vermarkteten Verfilmung vielleicht mit niedrigen bis mittleren Erwartungen gegenüber. Und das ist gar nicht schwer, denn zum einen wäre da die unhandliche Laufzeit von zwei Stunden und 40 Minuten und zum anderen die zynische, oft kassenschädigende Entscheidung, die Geschichte auf zwei Filme aufzuteilen. Aber so ist es nun einmal: Vorbehalte werden schnell zerstreut und Beschwerden über die Veröffentlichungsstrategie schnell ausgeräumt. "Wicked" verbindet sein hochglänzendes Äußeres mit echtem Herz. Angetrieben von den umwerfenden Auftritten von Cynthia Erivo und Ariana Grande, rauscht Jon M. Chus unglaublich raffinierte und gleichwohl charmante Verfilmung so unterhaltsam dahin, dass man sich fast wünscht, sie wäre länger. Mit seinen allzu aktuellen Themen wie Mobbing, korrupten Führungskräften und der Dämonisierung von Andersartigkeit verspricht dieser Film einen Hauch von rosaroter und grüner Realitätsflucht, bietet aber deutlich mehr Tiefe und Düsternis.

Der Film basiert lose auf Gregory Maguires Roman "Wicked: Leben und Zeit der bösen Hexe des Westens" aus dem Jahr 1995, der eine alternative Hintergrundgeschichte für die böse Hexe aus "Der Zauberer von Oz" bietet. Dieser Film konzentriert sich auf die frühen Jahre und zwei angehende Hexen: die grünhäutige Außenseiterin Elphaba (Erivo), die später zur bösen Hexe des Westens wird, und die eitle, beliebte Galinda (Grande), die sich schließlich zu Glinda der Guten entwickelt. Elphaba und Galinda sind beide neu an der Shiz-Universität angekommen. Obwohl nicht als Studentin eingeschrieben, ist Elphaba vor Ort, um ihrer querschnittsgelähmten jüngeren Schwester Nessarose (Marissa Bode) zu helfen. Doch die beeindruckende Lehrerin Madame Morrible (eine hochmütig-fabelhafte Michelle Yeoh, die mit einschüchterndem Glamour über alle stimmlichen Einschränkungen hinwegtäuscht) erkennt Potenzial in Elphaba und bietet ihr Einzelunterricht in der Kunst der Zauberei an. Zum Missfallen der beiden Mädchen werden Elphaba und Galinda als Zimmergenossinnen eingeteilt. 

Nicht nur ihre Persönlichkeiten prallen aufeinander: Die Farbpalette des Films ist zunächst ein Schlachtfeld zwischen dem Chlorophyllgrün von Elphabas Haut und dem Zuckerwattenrosa von Galindas Garderobe. Doch die zunächst widersprüchlichen Bilder finden im Laufe des Films allmählich zu Harmonie. Eine Szene in einem Wald voller moosiger Büschel und Girlanden aus zarten, rosa Blüten ist üppig und wunderschön - einer von mehreren bemerkenswerten Erfolgen der Produktionsdesignabteilung unter der Leitung von Nathan Crowley, der unter anderem für den ähnlich üppigen "Wonka" verantwortlich zeichnete. Auch Elphaba und Galinda kommen sich näher, und es entsteht eine echte Verbindung zwischen ihnen. Beide Hauptdarsteller beeindrucken. Erivo ist großartig, ihre reiche, samtige Stimme bricht unter der Last der Ablehnungen und des Spotts, die Elphaba erleiden musste; Ihre Augen zeigen die blauen Flecken, die ihre Haut nicht sehen kann. Und Grande ist hervorragend besetzt. Es ist nicht nur die Stimme: Die Sängerin verfügt über einen Stimmumfang und sie nutzt hier jede einzelne Note davon. Entscheidender ist jedoch ihr Talent für physische Komik - jedes wuchtige Haarschütteln, jeder alberne Hackentritt ist eine präzise Pointe.

Jonathan Bailey aus Bridgerton glänzt als oberflächlicher und selbstverliebter Prinz Fiyero in jeder seiner Szenen - insbesondere in einer schwindelerregend komplexen Gesangs- und Tanzsequenz in der Universitätsbibliothek. Ein großes Lob auch an Choreograf Christopher Scott für seine Fantasie und an Kamerafrau Alice Brooks für das Einfangen der Magie. Aber funktioniert das alles? Es gibt Momente, die sich zu sehr in ihrem eigenen Wirbel aus CGI-Prunk und leerem Spektakel verlieren. Und sicherlich könnten einige Szenen etwas gestrafft werden - aber größtenteils hebt "Wicked" ab und lässt den Zuschauer nicht ganz grundlos die Herzen höher schlagen. Wir werden von Elphabas knorrigem und unbequem aussehendem Besen mitgerissen, während sie in die zweite Hälfte der Geschichte davonsaust.

7,5/10

Quellen: 
Inhaltsangabe: Disney
Poster/Artwork: Disney

[KINO] A Working Man (2025)

https://www.imdb.com/de/title/tt9150192/

Levon Cade (Jason Statham) hat eine düstere Vergangenheit. Doch das Leben voller Gewalt und Geheimnisse will er nun hinter sich lassen und neu anfangen - mit einem Job auf dem Bau, mit der er sich und seine Tochter über Wasser halten kann. Doch sein neues ruhiges Dasein nimmt ein abruptes Ende, als die Tochter seines Chefs entführt wird. Cade muss sich auf seine tödlichen Fähigkeiten zurückbesinnen, die ihn einst so gut bei seinen Untergrund-Operationen machten, um die Teenagerin aus den Fängen ihrer Entführer zu befreien. Dabei kommt er einer Verschwörung auf die Spur, die sein ganzes Leben auf den Kopf stellt...

Die zweite Zusammenarbeit des Regisseurs David Ayer und Jason Statham versprach nach dem im Vorjahr erschienenen "The Beekeeper" erneut brutale, krachende und unterhaltsame 2 Stunden Action. Doch "A Working Man" gleicht "The Beekeeper" so aufs Haar, dass man einzelne Dialoge schon beinahe mitsprechen, das Auftreten von Nebenfiguren erahnen und den Ausgang von Actionsehen bereits im Vorfeld erkennen kann. Nun ist ja letzteres quasi das Salz in der Suppe eines One-Man-Army-Actionfilms und im Grunde nimmt man ja mit einem Bier und einem Eimer Popcorn im Kinosessel Platz um genau das zu sehen: wie Statham die Bösen möglichst kreativ aus der Welt schafft. Die anfänglich vage Hoffnung, von der Story vielleicht doch noch überrascht zu werden, verpufft auch bereits nach der groben Einleitung. Statham spielt erneut den ehemaligen Soldaten einer britischen Spezialeinheit (SAS), der seine hochspezialisierte Kampfausbildung im Zaum hält und als einfacher, beinahe schon mitleiderregender Vorarbeiter (er wohnt traurigerweise in seinem Auto) auf der Baustelle seine Tage verbringt. Sein Chef (Michael Peña) und seine Familie (Tochter Jenny (Arianna Rivas) und Frau Carla (Noemi Gonzalez)) sind für ihn wie eine Familie und er kümmert sich seltsamerweise besser um sie als seine eigene, denn da ist, bzw. war seine Frau, die sich durch einen Suizid das Leben nahm und seine Tochter Merry (Isla Gie), die beim Großvater (Richard Heap) lebt, der von Stathams Charakter Levon Cade selbstverständlich nicht viel hält. Ein Hauch von Sorgerechtsstreit als Nebenhandlung wird in zwei Sätzen abgetan und soll dem Zuschauer zeigen, dass er sich dann irgendwie doch sorgt, letztlich ist das aber auch völlig belanglos und spielt für die Handlung genau keine Rolle.

Die Handlung ist die altbackene und altbekannte, selbe, dröge Story: Nach der erwartbaren Entführung von Jenny ist die Familie Garcia nicht in der Lage die Polizei zu Hilfe zu rufen und mit den Worten "Die stellen die Suche nach ein paar Tagen eh ein." wenden sie sich quasi sofort an Cade, der sich müde gibt und sich auch noch hollywoodreif mit den Worten "So etwas mache ich nicht mehr." ziert. Spoiler: Er macht es doch noch. Und so beginnt sich Statham durch die Bars der Stadt zu prügeln, auf der Suche nach Spuren, die so auffällig gelegt sind, dass die Polizei keinen Sherlock Holmes gebraucht hätte, um die Täter innerhalb von 3 Sekunden zu finden. Bei manchen Spuren fragt man sich dann aber doch, wie Cade die Zusammenhänge überhaupt ziehen konnte, ohne vorher das Drehbuch zu kennen, denn mit dem Namen "Dimi" im Gepäck kommt man innerhalb der russischen Mafia sicher nicht weit. Da hilft ziemlich oft Gevatter Zufall. Und sein Ex-Kumpel Gunny (David Harbour), halbblind und trotzdem dankbar, dass Cade ihn wohl irgendwann mal das Leben gerettet hat. Dieser versorgt Cade auch noch mit den Spruch „Ich bin heute ihr Waffen-Sommelier“, und zwinkert damit in Richtung "John Wick", mit Waffen und lässt sich die Zeile „Du hast dich hineingetötet, jetzt musst du dich heraustöten!“ nicht nehmen. Auch Marv in "Sin City" tötete sich schon einmal zur Wahrheit durch. Das kennt man ja schon.

Zwischen Drogenhändlern, die gar keinen Zweck für den Verlauf der Handlung ergeben, und hohen russischen Mafiabossen, die es ebenso wenig gebraucht hätte, werden Stathams Gegner aber erfreulicherweise immer psychopatischer. Leider werden es die Fights nicht. Außer ein paar nur netter Einfälle hat das Statham/Ayer-Team einfach nicht die Eier, hier richtig auf die Kacke zu hauen und trotz der FSK-18-Freigabe bleibt "A Working Man" (vergleichsweise) recht zahm und zeigt nichts, was man nicht schon einmal gesehen hat. Und dafür, dass die Gegner immer böser werden, sind diese auch recht schnell kaltgestellt. Unterm Strich ist "A Working Man" nichts anderes als die Fortsetzung zu "The Beekeeper", wenn nicht sogar beinahe ein 1:1-kopiertes Remake mit etwas anderen Stellschrauben, Namen und Verbrechern. Das ist gerade noch unterhaltsam, bleibt aber dennoch meilenweit hinter den Erwartungen zurück. Aver und Statham täten also gut daran, in ihrer nächsten Zusammenarbeit mal eine richtige Story rund um die Kampfszenen aufzubauen, die den Zuschauer auch wirklich mitnimmt (bei "The Beekeeper" war das alles noch irgendwie frischer, wenngleich auch schon nicht der ganz große Wurf). Denn wenn beide auf derselben Schiene weiterfahren wird der kommende "The Beekeeper 2" nur noch langweiliger und keiner geht mehr ins Kino. Nicht mal, wenn Ayer und Statham auf dem Plakat steht.

5,5/10

Quellen: 
Inhaltsangabe: amazon Video
Poster/Artwork: MGM/amazon Video

The Killer's Game (2024)

https://www.imdb.com/de/title/tt0327785/

Als der Top-Auftragskiller Joe Flood (Dave Bautista) mit einer unheilbaren Krankheit diagnostiziert wird, beschließt er, die Sache selbst in die Hand zu nehmen - indem er einen Auftragsmord auf sich selbst veranlasst. Aber als die Auftragskiller, die er engagiert hat, auch seine Ex-Freundin (Sofia Boutella) ins Visier nehmen, muss er sich gegen eine Armee von Kollegen behaupten und die Liebe seines Lebens zurückgewinnen, bevor es zu spät ist.

Es gibt eine bestimmte Art von Filmen, die in den letzten Jahren auf Streaming-Dienste verdrängt wurde. So gelten mittelklassige Actionfilme mit Comedy-Elementen nicht mehr als lohnende Kinoinvestition und Filme, die unsere Generation als "der großartige Film, den man gesehen haben muss" bezeichneten, feiern auf Netflix und amazon Video Premieren. "The Killer’s Game" landete immerhin noch im US-Kino, doch bald darauf auch bei letzterem Anbieter. Das lässt hoffen, denn Bautista ist bekannt für seine interessanten Rollen. Trotzdem bekommt man nur einen generischen Actionfilm geboten, der so oft die Richtung wechselt, dass er nicht weiß, was er sein will. Und der beweist, warum man diese Filme besser streamen sollte.

Das Konzept von "The Killer's Game" ist trotzdem ziemlich faszinierend: Der erfahrene Auftragsmörder Joe Flood erfährt, dass er nur noch sechs Monate zu leben hat. Nachdem er gerade die Liebe seines Lebens kennengelernt hat, möchte er, dass seine Lebensversicherung an sie übergeht, also lässt er sich selbst töten. Nur um herauszufinden, dass der Arzt seine Unterlagen vertauscht hat und er nicht wirklich stirbt. Leider erfährt er auch, dass der Vertrag nicht gekündigt werden kann. Während nun also eine Armee von Auftragsmördern auf ihn zukommt, muss Joe um sein Leben kämpfen, um endlich das Leben führen zu können, das er sich immer gewünscht hat. Die Geschichte fühlt sich fast wie aus den 90ern an und ist sehr charmant. Leider wird sie so generisch und stereotyp, dass man fast jeden einzelnen Handlungsstrang erraten kann.

Als Dave-Bautista-Fan muss ich leider sagen, dass er hier eher mittelmäßig ist. Er spielt im Grunde nur einen langweiligen Auftragskiller mit Herz, und viel mehr geht es nicht. Selbst seine Textführung wirkt, als würde er die Rolle schlafwandeln. Mir gefiel jedoch die Chemie mit Sofia Boutella, die mich mit ihrer Verletzlichkeit in den romantischeren Momenten überraschte. Als jemand, der dazu neigt, die Augen zu verdrehen, wenn sie in einem Film auftaucht, ist das für mich ein großer Schritt. Terry Crews hat auch eine witzige Rolle als einer der Auftragskiller, die Joe auf den Fersen sind.

"The Killer's Game" hat die üble Angewohnheit, den Auftragskillern große Auftritte zu geben, nur um sie dann blitzschnell wieder auszuschalten. Das wäre kein Problem, wenn es nur einmal passierte, aber es passiert immer wieder, was die Wirkung jedes Auftritts mindert. Der Film will "Smokin Aces" sein, hat aber vergessen, wirklich interessante Charaktere einzuführen, von denen das Publikum mehr sehen möchte. Stattdessen verschwimmen all diese Auftragskiller einfach miteinander und wirken gleich generisch. Die einzigen, die wirklich herausstechen, sind Crews, der im Grunde nur denselben Typen spielt, den er immer in Actionfilmen spielt, und WWEs Drew McIntyre, ein unsinniger Schotte, der sich in die Hose macht. Pom Klementieff fühlt sich stark unterfordert, und ihr Action-Talent wird nicht wirklich ausgenutzt. Es gibt ein paar witzige Action-Momente, aber die meisten enden in einer explodierenden Granate und herumfliegenden Körpern. Eine Jiu-Jitsu-Szene wirkt wie eine lustige kleine Schachpartie. Ansonsten wirkt die Action so überchoreografiert, dass sie jeglichen Realismus und damit auch ihre Wirkung verliert. Natürlich braucht man hier auch keinen absolut bodenständigen Film, aber jeder Stuntman wartet nur darauf, vermöbelt zu werden. Zudem ist das CGI-Blut völlig außer Kontrolle. Es wäre ja schön, wenn es wirklich gut aussehen würde, aber meistens sieht es einfach nur nach Erdbeermarmelade aus. 

Trotz Bautistas großartiger dramatischer Erfolgsbilanz scheint er bei Action, die nicht Marvel-mäßig ist, einfach nicht aufs Treppchen zu kommen. Das liegt vermutlich daran, dass er offensichtlich in einer romantischen Komödie mitspielen will und deshalb jede Rolle annimmt, die auch nur ansatzweise daran erinnert. Aber dieses Drehbuch ist so schwach, dass er das Material nicht wirklich aufwerten kann. Es gibt zwar ein paar lustige Momente, aber alles an "The Killer's Game" schreit geradezu nach Standard und Durchschnitt. Und da Bautista seine Zeit als Actionstar scheinbar beendet, kann man wirklich nur hoffen, dass er es schafft, bevor es zu spät ist. Denn der Mann kann durchaus spielen.

5/10

Quellen: 
Inhaltsangabe: amazon Video
Poster/Artwork: Lionsgate/Endurance Media/Mad Chance

Ricky Stanicky (2024)

https://www.imdb.com/de/title/tt1660648/

Die drei langjährigen Freunde Dean (Zac Efron), JT (Andrew Santino) und Wes (Jermaine Fowler) haben in ihrer Jugendzeit einen Charakter namens Ricky Stanicky erfunden, den sie seitdem ins Feld führen, wenn sie eine Ausrede für was auch immer benötigen. Diesmal muss Stanicky herhalten, um eine Spaßreise nach Atlantic City vor ihren Frauen zu rechtfertigen - angeblich hat der alte Kumpel Krebs und sie müssen ihn umgehend besuchen. Dumm nur, dass JTs Baby sechs Wochen zu früh auf die Welt kommt und die Familie daheim beim Hinterhertelefonieren auf die richtige Fährte kommt, dass Stanicky gar nicht existiert. Da kommt Dean die rettende Idee: Zusammen engagieren die Freunde den abgehalfterten Rockstar-Imitator Rod (John Cena) - er soll zu einer Feier anreisen und sich als Stanicky ausgeben, damit der Familienfrieden wiederhergestellt ist. Das klappt, trotz diverser Fallstricke, zunächst auch recht gut – bis Rod zu sehr in seiner Rolle aufgeht und den neu gewonnenen "Freundeskreis" gar nicht mehr verlassen will.

Der Name Farrelly im Abspann verrät, was man von dieser Geschichte über groteske Jungs erwarten kann - eine Mischung aus rüpelhaftem Gehabe und machohafter, männlicher Sentimentalität. Er suggeriert zudem eine derbe, rohe Komödie. Leider bleiben die Lacher trotz des spielerischen John Cena in der Titelrolle etwas rar. Cena spielt einen alkoholkranken Schauspieler, der für die Rolle des titelgebenden  Ricky Stanicky angeworben wird - dem erfundenen Kumpel von Dean (Zac Efron) und seinen beiden besten Freunden. Ricky wurde geschaffen, um die Schuld für einen Kindheitsstreich auf sich zu nehmen; nun ist er für die erwachsenen Freunde ein praktischer Freifahrtschein. Doch als die Ehefrauen und Partnerinnen verlangen, das schwer fassbare fünfte Rad am Wagen zu treffen, entwickelt Ricky ein eigenständiges, störendes Leben. Das regt vielleicht manchmal zum Schmunzeln an, aber dennoch ist das alles viel zu abstrus, um richtig zu punkten.

5,5/10

Quellen: 
Inhaltsangabe: amazon Video
Poster/Artwork: Gerber Pictures/Farrelly Films/Rocket Science

Horizon: An American Saga, Chapter 1 - Horizon (2024)

https://www.imdb.com/de/title/tt17505010/

New Mexico im Jahre 1861: Der amerikanische Bürgerkrieg steht vor der Tür und die ersten Vorboten des Grauens erschüttern den Süden Nordamerikas. Weiße Pioniere unternehmen den Versuch, das Gebiet der Apachen zu besetzen, stoßen dabei aber auf gewaltsame Gegenwehr. Aber auch unter den Siedlern, die allesamt auf der Suche nach einem neuen Zuhause in der als Zufluchtsort versprochenen Stadt Horizon sind, wachsen die Konflikte. Als der Vater der berüchtigten Sykes-Brüder Caleb (Jamie Campbell Bower) und Junior (Jon Beavers) getötet wird, sinnen die beiden auf Rache. Ihr Weg kreuzt sich dabei auch mit dem stoischen Reiter Hayes Ellison (Kevin Costner)...

Vor knapp sechzig Jahren schlossen sich die Regisseure Henry Hathaway, John Ford und George Marshall zusammen, um die Geschichte von Amerikas Vorstoß in Richtung Pazifik zu erzählen. "Das war der wilde Westen" war ein gewaltiges Unterfangen. Produziert im Dreistreifen-Cinerama-Verfahren, präsentierte der Film ein großes Ensemble hochkarätiger Stars - James Stewart, Spencer Tracy, John Wayne, Gregory Peck, Henry Fonda, Thelma Ritter und viele mehr - und eine Leinwand, die scheinbar über das Land selbst hinausreichte. Die Geschichte handelt von der (weißen) Beharrlichkeit, das Land, die dort lebenden Menschen und einander zu erobern. Sie leidet unter ihrem enormen Ausmaß, konkurrierenden Visionen und einer regressiven Politik. Und doch liegt in der Kühnheit dieses Versuchs etwas Mystisches. Regisseur und Schauspieler Kevin Costner dürfte den Film bei seinem ambitionierten Regie-Comeback "Horizon" sicherlich im Kopf gehabt haben. Das dreistündige Werk versucht, vergangenes Unrecht neu zu schreiben, leidet aber unter der gleichen Überfülle, die auch den Film plagte, an den es am meisten erinnert.

"Horizon" versucht immerhin nicht, den Western zu unterwandern, indem er sich auf abgedroschene Klischees stützt. Er hat einen langsamen Aufbau mit sich überschneidenden Geschichten, der etwas zu lange braucht, um in Gang zu kommen. Costner erscheint daher erst nach einer Stunde auf der Leinwand. Stattdessen ist das erste Drittel von "Horizon" lediglich eine lange Einleitung - eine strukturelle Entscheidung, die darauf hindeutet, dass sich der Film mühsam und nicht als eigenständiger Film bewährt. Der Sizzle Reel am Ende von Kapitel Eins, der eine Bibliothek von Clips und Charakteren für zukünftige Filme präsentiert, gibt einen guten Vorgeschmack auf die Art von rasantem Film, den man hier hätte bekommen können, aber nicht unbedingt bekommen hat.

Vielmehr schleppt sich Kapitel Eins ins Jahr 1859 im San Pedro Valley. Eine Familie, die ein Stück Land an einem Bach vermessen will, wird grausam von Apachen-Kriegern ermordet, die nicht gerade erfreut sind, weiße Fremde auf ihrem Land anzutreffen. Diese Tode halten die Familie jedoch kaum davon ab, sich in einer von bewaffneten Bürgern bewachten Stadt niederzulassen. Bei Einbruch der Dunkelheit, während eines Stadttanzes, kehren die Apachen-Krieger zurück: Das grausame, brutale Massaker - untermalt von grollenden Flammen und ohrenbetäubenden Schreien - ist so freizügig geschnitten und unverblümt komponiert, dass es sich so normal anfühlt wie das Atmen. Einige Stadtbewohner überleben. Einige beschließen, ihre Angreifer aus Rache zu jagen. Andere, wie Lizzie (Georgia MacPhail) und ihre Mutter Frances (Sienna Miller), ziehen mit der Unionsarmee unter der Führung von Lt. Trent Gephardt (Sam Worthington) in die Sicherheit eines Forts. Trotz der katastrophalen Todesszenen trägt die erste Stunde wenig dazu bei, die Charaktere sympathisch zu machen. Es sind völlig unterschiedliche Menschen, deren Zusammenhänge nicht sofort klar werden und erst gegen Ende des Films vage erkennbar werden. 

Bald darauf wird der Zuschauer ins Wyoming-Territorium entführt und lernt einige brandneue Charaktere kennen: Costner tritt endlich als Hayes Ellison auf, ein Pferdehändler mit vielen anderen Fähigkeiten. Er freundet sich mit der einheimischen Sexarbeiterin Marigold (Abbey Lee) an, die wegen eines Geheimnisses, das sie verbirgt, von einer Bande bewaffneter Männer gejagt wird. Die Geschichte gewinnt an Schwung, sobald Costner mit seiner rauen, tiefen Stimme auf der Leinwand erscheint. Doch selbst wenn er auftritt, wirkt er wie eine nachträgliche Idee. Als wüsste Costner, der Filmemacher und Autor (er schrieb das Drehbuch gemeinsam mit Jon Baird), wie schwierig es ist, all seine Hauptdarsteller vorzustellen. Folglich bleibt seine Präsenz begrenzt, was dem Film leider auch schadet.

Der letzte Handlungsbogen, der in der letzten Stunde eingeführt wird, ist der Höhepunkt: Er handelt von einem Planwagenzug, der mit einer ungewöhnlichen Besetzung durch das Montana-Territorium zieht. Luke Wilson, der Anführer dieser Reisegruppe, ist auch der stärkste Schauspieler dieser Besetzung. Er ist mehr als nur ein Schatten eines Western-Archetyps und verleiht Matthew Van Weyden eine Bodenständigkeit, die der Serie schmerzlich fehlt.

Denn so sehr Costner auch versucht, ein ausgewogenes Verhältnis zu wahren und der Perspektive der Ureinwohner und der der Siedler gleichermaßen Aufmerksamkeit zu schenken - es gelingt ihm nicht ganz. Zwar lernt man die Familie der Apache-Krieger kennen, doch ihre Leinwandpräsenz verblasst im Vergleich zu der ihrer weißen Gegenstücke. Es hilft auch nicht, dass die weißen Frauenfiguren größtenteils so sauber und strahlend sind - trotz ihrer schmuddeligen Umgebung findet sich kein Staubkorn auf ihnen -, dass sie auf der Leinwand engelsgleich wirken. Die Filmmusik ist ebenso bezeichnend: Es ist ein wunderschöner, kraftvoller, triumphaler Old-Hollywood-Soundtrack, dessen sympathischste Töne den weißen Charakteren des Films vorbehalten sind. Costner bietet immerhin eine vielfältige Besetzung und verweist auf die Präsenz Schwarzer und chinesischer Einwanderer in der Geschichte des Westens. Er zeichnet die weite, von Kameramann J. Michael Muro prachtvoll fotografierte Landschaft nach.

Während "Horizon" eine Art Verschwörungstheorie aufgreift - ein mysteriöser Verleger druckt und verschickt Flugblätter, die ein Land voller Milch und Honig versprechen, in dem nur der Tod wirklich zu finden ist -, kann man den Film immer wieder in Zusammenhang mit "Das war der wilde Westen" betrachten. Dieser Western konnte letztlich weder die Last der Ära, in der er entstand, noch Genrekonventionen wie erzwungene, schwache Liebesgeschichten überwinden. "Horizon" erscheint in einer "aufgeklärteren" Zeit, insbesondere angesichts der Veröffentlichung von Martin Scorseses "Killers Of The Flower Moon" und anderer von indigenen Künstlern geschaffener Werke. Diese Präsenz setzt Costner scheinbar zusätzlich unter Druck. Und bisher hat er seine Rolle als Regisseur von "Der mit dem Wolf tanzt" noch nicht ganz verwunden. Dieser Filmemacher ist, ob gut oder schlecht, in jedem Winkel dieses epischen Films präsent.

Obwohl der erste Film der möglichen "Horizon"-Reihe gute Voraussetzungen für zukünftige Filme schafft und die Dynamik fortsetzt, die Costner vor seinem Abschied von "Yellowstone" gewonnen hatte, ist dieser einzelne Film eine Qual. Er bietet den Zuschauern selten das, was sie wollen: Costner auf offener Weide zu sehen. Außer Costner gibt es nur wenige erinnerungswürdige Charaktere: Man kann sich am Ende nicht an den Namen einer einzigen Figur erinnern, ohne in seine Notizen zu schauen. Es fühlt sich wie ein fataler Fehler an, sich auf mögliche zukünftige Filme zu verlassen, um das gesamte Konzept umzusetzen. "Horizon" lässt viel zu viele der besten Momente unerreichbar.

6/10

Quellen: 
Inhaltsangabe: Warner Bros.
Poster/Artwork: Warner Bros./New Line Cinema